100 bästa filmer genom tiderna

Alejandro Jodorowsky Prullansky, den berömda chilensk-franske filmregissören, poeten, dramatikern och kompositören, sa en gång: Jag har alltid tyckt att av all konst är bio den mest kompletta konsten. Jag håller med. På mer än ett sätt är film faktiskt en sammanslagning av alla andra viktiga konstformer: måleri, skrivande och musik. Det kan inte vara någon slump att film också är den modernaste av konstformer. När allt kommer omkring var utvecklingen av andra konstformer nödvändig för att film skulle kunna bli till. Det faktum att det förblir den mest populära konstformen nästan från det ögonblick den kom till berättar både dess styrka och svaghet: den är lättillgänglig och därför mer kommersialiserbar.

Med det i åtanke är jag glad att kunna presentera listan över The Cinemaholic's 100 bästa filmer genom tiderna . Innan du fortsätter att utforska vår lista över de 100 bästa filmerna som någonsin gjorts, låt oss påminna oss själva igen, att listor till sin natur aldrig är perfekta. Så vi hävdar inte att detta är den heliga gralen på listan över absolut bästa filmer i världen. Men vad jag kan försäkra er är att mycket forskning har legat bakom att sätta ihop den här listan. Tusentals filmtitlar övervägdes och varje sista val diskuterades. Jag är säker på att du kommer att hitta många av dina favoritfilmer som saknas på listan. Många av mina favoriter saknas också! Men istället för att bli frustrerad över det, ta tillfället i akt att se filmerna som du inte har sett. Vem vet, du kanske upptäcker dina nya favoriter!

100. The Paraply of Cherbourg (1964)

Jacques Demy färgar sin romantiska opera med en mjuk, överdriven sofistikering som framstår som lite hipster. Men den här färgen är inte bara den på väggarna, kläderna och paraplyerna. Det är också på kinderna på en ung flicka omöjligt kär när hon korsar gatan för att hälsa på sin älskare och dess frånvaro när vi ser det där ansiktet i en slöja, den unga flickan nu någon annans brud. Det finns färg också i hur människor pratar, eller för att vara mer exakt, sjunger för varandra. Men deras lyriska samtal rimmar inte som de flesta låtar. När allt från kärleksyrken till oro för pengar är spetsat med oskiljaktig passion, skulle det inte göra dig mycket bra att fiska efter rim eller förnuft. Även om filmen och alla dess melodiska avslöjanden, förstärkta av Michel Legrands ojordiska musik, är hjärtskärande romantiska, är alla beslut som våra karaktärer fattar, som allt annat i livet, definitivt inte så.

För en intrig så tråkigt välkänd, efter att ha sett den ligga till grund för otaliga poplåtar och såpoperor, är varje bildruta av 'The Umbrellas of Cherbourg', sprängfylld av melankoli, lockande fräsch, till och med obekant. Du kan tillskriva det hur äkta känslorna är och hur uppriktiga deras uttryck är. Med en så ödmjuk skala som den gör, ödelägger 'Umbrellas' dig med de minsta reflektioner. Jag blev förstummad över hur betydande effekten av två tomma stolar, en gång fyllda av de två älskande, kunde vara. I Demy's kärt gjorda delikatess marscherar vi i karnevaler fyllda med band och konfetti, vi dekorerar julgranar och ger varandra presenter, stoppar in alla våra känslor någonstans i våra hjärtans hörn, för oavsett hur svår någons frånvaro är att bära eller Det förflutna är att glömma, allt vi kan göra är att leva i dagens fantasi.

99. Trainspotting (1996)

Det är lite svårt att förklara filmfiler som vi själva om fanatismen med 'Trainspotting'. Det kom runt en tid då drogernas verklighet precis hade börjat sjunka in. Man skulle kunna säga att det glamouriserade drogmissbruket och till viss del är det sant. Det faktum som kom ut ur det var Danny Boyles försök att visa drogmissbrukets höga och låga nivåer, utan att ta sida. 'Trainspotting' är en kultfilm som berättar en historia om fyra vänner och deras försök med missbruk. Upprörande och bisarrt är de enda två orden som beskriver det. En narkoman som vill bli ren, bara för att vackla vid varje steg på grund av sin djupaste längtan att bli hög. Generöst överdoserad med humor, försöker filmen understryka ett faktum med största allvar: Trots den lyx som livet erbjuder, förnekar ungdomen dem med stor övertygelse. Och skälen? Det finns inga skäl. Vem behöver skäl när du har heroin?

98. The Graduate (1967)

Åh, ungdomens dagar! Bekymmerslös och glad. Roligt med inget att oroa sig för. Ingen omsorg om det förflutna, som har lämnats bakom och ingen oro för framtiden, som ännu inte kommer. Benjamin Braddock levde detta sorglösa liv efter att ha tagit examen från college. Och när han äntligen kom tillbaka till sin hemstad, där träffade han fru Robinson. Lågan av en affär börjar brinna. Livet tar en slingrande vändning när den unge Ben förväxlar sex med sällskap. Det blir surt när han faller för hennes dotter. 'The Graduate' är en tänkvärd film, i komediformen, en av de roligaste filmerna någonsin. Med Dustin Hoffman i huvudrollen, har den den ikoniska linjen – 'Mrs Robinson, försöker du förföra mig?'

97. Veroniques dubbla liv (1991)

Kanske ingen annan filmskapare förstod kvinnor till så djupa känslomässiga djup som Krzysztof Kieslowski gjorde. Mannen bara älskade dem och han visade det med sådan passion och intimitet att du inte kan låta bli att känna dig förälskad i dess råa känslomässiga kraft. 'The Double Life of Veronique' kan bara vara hans största konstnärliga prestation. Filmen handlar om en kvinna som börjar känna att hon inte är ensam och att det finns en del av henne som lever någonstans i världen i en annan själ. Veronique och Weronika är de två identiska kvinnorna som inte känner varandra och ändå delar en mystiskt intim känslomässig koppling mellan dem. Slawomir Idziaks mycket stiliserade kinematografi målar filmen med en ömt melankolisk känsla som sveper in dig och inte släpper taget. Det finns känslor och känslor som vi har riktigt svårt att sätta ord på och filmen ger liv åt de oförklarliga känslorna av eftertänksam sorg och ensamhet. 'The Double Life of Veronique' är ett fantastiskt konstverk som skildrar den mänskliga själen i alla dess vackra svagheter och ömhet.

96. Cinema Paradiso (1988)

Många människor betraktar film som en njutning, en fritidsaktivitet, ett nöje som inte har någon som helst konsekvens i livet. Men jag, med en armé av ivriga cinefiler som ivrigt backar upp mig, kan med absolut övertygelse konstatera att film är lika nödvändigt för livet som livet är för film. Och 'Cinema Paradiso' är ett vackert, om än ironiskt, sätt att få fram min poäng. Den framgångsrike filmregissören Salvatore återvänder en dag hem till nyheten att Alfredo har dött, varpå han blinkar tillbaka till sin hemstad på 1950-talets Sicilien. Den unga och busiga Salvatore (med smeknamnet Toto) upptäcker en bestående kärlek till filmer som lockar honom till byns filmhus Cinema Paradiso, där Alfredo är en projektionist. Efter att ha blivit kär i pojken, blir den gamla bubben en fadersgestalt för honom när han mödosamt lär Toto de färdigheter som skulle vara språngbrädan för hans filmframgång.

Att se Toto och Alfredo diskutera film med vördnad, och att se Alfredo ge livsråd genom klassiska filmcitat, är ren glädje. Genom Totos berättelse om åldern kastar 'Cinema Paradiso' ljus över förändringar inom italiensk film och den döende handeln med traditionell filmskapande, klippning och visning samtidigt som den utforskar en ung pojkes dröm om att lämna sin lilla stad för att ta sig in i världen utanför. En av de bästa 'filmerna om filmer' som någonsin funnits.

95. One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

En av de där sällsynta filmupplevelserna som får dig att känna en uppsjö av känslor på en gång. Det är roligt i delar, upplyftande i vissa och rakt ut hjärtat krossar i andra. Det är också en av de andra sällsynta bedrifterna inom förenklat, effektivt berättande, som berättar om Randle McMurphy, en brottsling som i hopp om att slippa fängelse, förfalskar att vara psykiskt sjuk och erkänner sig inte skyldig på grund av sinnessjuka. När han anländer till en mentalanstalt gör han uppror mot den auktoritära sjuksköterskan Ratched (spelad av en stålsatt Louise Fletcher) i ett klassiskt scenario mot kaos. Filmen slår fast att det verkligen inte finns någon som är bättre att spela karaktärer med smäll och charm i lika mått än Jack Nicholson själv, vilket ger honom en välförtjänt Oscar-vinst för sin insats i filmen. Vad som börjar som en uthållig och hjärtevärmande film, eskalerar till ett tragiskt om än hoppfullt slut, efter oroande scener som involverar ett självmord och elektrokonvulsiv terapi på patienter. Ändå släpper filmen aldrig tittarens uppmärksamhet och patos för karaktärerna på skärmen, vilket framkallar äkta känslor och hurrarop för den mänskliga andan som emanerar även inför obesvarad auktoritet.

94. Pyaasa (1957)

Tät med idéer om social förändring och svidande kommentarer om den sittande illviljan och stigmatiseringen i samhället, 'Pyaasa' representerade inte bara den indiska filmens guldålder utan var också en återspegling av den indiska borgerligheten själv. Det är en film som har en subtil kvalitet om sig själv, där alla de fräcka sanningar och hårda realiteter i samhället puttrar under ytan i väntan på att bli utforskad och extrapolerad av den medvetna publiken. ’Pyaasa’ är en tidlös klassiker inte utan anledning. Även efter 60 år av dess utgivning är det fortfarande relevant i modern tid, eftersom Indien fortsätter att plågas av samma samhälleliga förbannelser – korruption, kvinnohat, materialism – som 'Pyaasa' direkt eller indirekt tar upp.

93. Modern Times (1936)

‘Modern Times’ är en humoristisk film med ett kraftfullt budskap. Med Chaplins varumärkesteman om hopp och fattigdom fokuserar den här bilden på de negativa effekterna maskiner och andra former av tekniska framsteg har på allmogen, genom att dra in i rampljuset en fabriksarbetare vars liv går igenom många vändningar när han försöker att klara av den nya världen. Även om slapsticken är tårryckande rolig, är den allt innesluten i ett kärl av sorg. 'Modern Times' använder smarta, subtila element för att ställa viktiga filosofiska frågor då och då. Klimaxen är en av de mest rörande någonsin, involverar en sorglig form av lycka och inget riktigt svar eller upplösning. Den här filmen kan mycket väl vara Chaplins bäst skrivna verk, och det är förvånande hur relevanta idéerna som presenteras här är än idag. Efter att utan tvekan ha bestått tidens tand är den väg Modern Times tar för att dela sina tankar förmodligen den bästa aspekten av denna filmiska triumf.

92. The Thin Red Line (1998)

Terrence Malicks återkomst till filmskapande från ett 20-årigt uppehåll präglades av detta fantastiskt häpnadsväckande krigsdrama som utforskar, inte krig, utan känslan av att bekämpa krig. Filmen är verkligen malickisk till sin natur med mer tonvikt på det visuella än berättelsen, vilket låter dig njuta av upplevelsen av den. Filmens geni ligger i Malicks vision om att se skönhet i något så mörkt och blodigt som krig. Det krävs ett absolut geni för att förvandla något så brutalt och blodigt som krig till en sådan hypnotisk upplevelse som överskrider krigets realiteter och istället låter dig insupa känslorna hos dess karaktärer. Det är en så uppslukande upplevelse som ber dig att känna människorna bakom vapen och bomber. Dessa är förkrossade själar precis som vi, som längtar efter en delikat beröring, saknar värmen från andedräkten från sina älskare och fruar samtidigt som de måste hantera den fulaste av verkligheter långt borta från dem. ’The Thin Red Line’ är helt enkelt en upplevelse utan dess like; en som måste ses, kännas och reflekteras över.

91. Blade Runner (1982)

The Final Cut av Ridley Scotts 'Blade Runner', tror jag är den största dystopiska filmen som någonsin gjorts. Även om Metropolis är ett diskutabelt val, måste man observera de oäkta bilder som förknippas med tysk expressionistisk film. ‘Blade Runner’, å andra sidan, är mer än perfekt för att bygga upp en värld som lider av ekonomisk ojämlikhet, befolkningsboom, brist på något naturligt eftersom inte ens kött kan lita på här. Den glittrande belysningen är kontextuellt naturlig, eftersom det är en elektronisk värld och Jordan Cronenweth använder den på samma sätt som de vardagliga lysande objekten i film noir. Även om det kanske inte ställer frågor så långtgående som 'A Space Odyssey', men det får oss att undra om androider drömmer om elektriska får.

90. Fargo (1996)

Våldsam, rolig, varm och brutalt intensiv, 'Fargo' är en av de bästa amerikanska filmerna på 90-talet och en av de största kriminaldrama som någonsin gjorts. Filmen handlar om en man som anställer två män för att kidnappa sin fru och pressa ut pengar från sin rike svärfar. Coen Brothers briljanta användning av mörk humor genomsyrar filmen med en luft av värme som ger en mycket distinkt ton till filmen. Det är denna mästerliga blandning av komedi, drama och våld som gör 'Fargo' till en sådan minnesvärd filmupplevelse. Den underbara öppningsbilden av ett snöfyllt Minnesota, vackert kompletterat med ett hemskt partitur sätter tonen för filmen och skapar en känsla av djup sorg som ligger bakom våldet och humorn som filmen är full av. Frances McDormand är helt klart filmens stjärna och stjäl showen, och porträtterar en gravid polischef som är fångad i en värld av ondska och brutalitet men lyckas hitta ljus och hopp. ’Fargo’ är ett känslomässigt rått, brutalt intensivt, förtjusande roligt och smärtsamt realistiskt stycke ren och skär fängslande film.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' är en lärobok om atmosfärisk skräck. Den här filmen berättar historien om en man med konstigt hår som försöker bilda en sorts familj på egen hand, och förvandlas mer till en surrealistisk mardröm för varje minut som går. Genom att använda ljud och närbilder för att ge en känsla av klaustrofobisk rädsla och anpassa detta till en handling som inte är meningsfull vid en första visning, visar sig David Lynchs debut vara en av mästerregissörens allra bästa, vilket i sig är mycket beröm. Vad 'Eraserhead' gör är att skapa en dystopisk värld – stänkt av fula byggnader och mekaniska redskap doppad i elak svart-vitt – och kasta in karaktärer som är mer eller mindre förvirrade av sin omgivning. Även om det är nästan omöjligt att ta reda på innebörden av denna bild, måste man inse att detta aldrig är meningen. 'Eraserhead' ger publiken en känsla av fullständigt obehag, genom att använda både dess visuella och surrealistiska stil, och hittar ett sätt att manipulera deras tankar. Bara en handfull bilder är lika vackert strukturerade men onekligen hotfulla som den här, och det är något som bara någon som Lynch skulle kunna åstadkomma.

88. Boyhood (2014)

'Boyhood' är en förtjusande påminnelse om de svunna åren av ohämmad glädje, orubblig optimism och bubblande oskuld. Den förlitar sig på att härleda skönhet, glädje och känslor utanför människors vanliga liv och inte från någon ökad dramatik (bröd och smör för de flesta filmer). Det är fascinerande att se hur från scen till scen, inte bara finns förändringar i karaktärernas fysiska karaktär, utan du kommer också att märka förändringen i deras mode, frisyr, musiksmak och i allmänhet perspektiv på livet. 'Boyhood', på ett sätt som väldigt få filmer gör, överskrider filmens gränser och blir en liten del av vår egen existens och upplevelse. Linklater påminner oss återigen om varför han är bäst i branschen när det kommer till att berätta enkla historier om vanliga människor.

87. Himlens dagar (1978)

Terrence Malicks utveckling till en helt kontrollerad, auktoritativ filmvisionär är en av de största sakerna som någonsin har hänt med amerikansk film. Det är tydligt från hans tidiga verk att han var desperat att hoppa ut ur filmens konventionella gränser. Filmer som 'Badlands' och 'Days of Heaven' hade till synes raka berättelser men det här var filmer som försökte vara något mer. Något mer än bara en berättelse. En upplevelse. 'Days of Heaven' uppnår detta mer briljant än 'Badlands'. Många människor har ofta kritiserat filmen för dess svaga handling. Jag kunde inte säga att de har helt fel, men historien är i alla fall inte den viktigaste aspekten av en film. Vad Malick gör här är att använda filmens visualitet som lägger tonvikten på stämningen i berättelsen snarare än själva berättelsen. Hans avsikter är inte att göra dig känslosam genom att använda karaktärernas svåra situation utan att låta dig observera dem, känna skönheten i landskapen och doften av dess plats. Och att skapa en sådan typ av en inre rörande upplevelse är inget mindre än ett mirakel.

86. Eldflugornas grav (1988)

En gripande, rörande film som är i nivå med alla aspekter du kan tänka dig, med de andra live actionfilmerna som lyfter fram krigsbytet. Denna japanska animerade film fokuserade på andra världskrigets fasor genom att fokusera på livet för ett syskonpar, krossade mitt hjärta på ett sätt som ingen annan film har lyckats med, och fortsatte fortfarande att stampa på bitarna ända till slutet. Eftersom den är en krigsfilm, gör den också underverk på den mänskliga fronten, och på ett vackert sätt förverkligar och utvecklar den ömma relationen mellan Seita och Setsuko inför motgångarna som var andra världskriget. Budskapet är högt och tydligt. Inget krig är verkligen vunnet, och all ära som innebär segrar åtföljs också av klagan om oskyldiga liv som förstörts i kriget. Jag skulle applådera filmen för att den inte var öppet känslomässigt manipulativ när vi fick oss att rota till dess karaktärer; men gör inga misstag, dess kraftfulla och kompromisslösa syn på kriget och de travestier som syskonparet genomgått kommer att göra dig till en snyftande röra. Det är SÅ sorgligt. Som sagt, det finns inget annat sätt jag skulle ha det. Det är perfektion, i sin mest hjärtskärande form.

85. Manhattan (1979)

Romantik i Woody Allens filmer har alltid känts smärtsamt sanningsenlig och deprimerande realistisk trots den ljuvligt gripande humorn han omsluter dem med. Medan 'Annie Hall' förblir hans mest vågade film, framstår 'Manhattan' som ett mer mognat verk, konstnärligt. Allen spelar en uttråkad, förvirrad New Yorker, nyligen skild, dejtar en gymnasietjej men slutar med att han blir kär i sin bästa kompis älskarinna. Allen tonade ner humorn för den här filmen något för att låta oss verkligen känna sorgen som uppslukar hans karaktärer, vilket gör det till en så känslomässigt dränerande upplevelse. Det är bara ett djupt gripande porträtt av sviktande relationer och bristfälliga människor som kämpar med sig själva och sin existens, desperat på jakt efter lycka som de aldrig skulle känna igen och uppnå. Och det är denna sött känsliga, gripande insikt om det mänskliga tillståndet som gör 'Manhattan' till en så kraftfull film.

84. Marketa Lazarova (1967)

Den tjeckiska ikonen František Vláčils okroppsliga drömlandskap, Marketa Lazarová, är helt enkelt ett av de mest otroliga konstverk som kommit ut av de 20^thÅrhundrade. Dess avantgardistiska inställning till filmspråk passar knappt gränserna för den där ofta fördömande frasvändningen - för det är något mer. En häpnadsväckande blandning av syn och ljud, frigjord av konventioner, struktur eller någon skriven regel, upproriska filmforskare har smällt på filmformen genom åren. Som jämförelse ser allt annat så hårt kontrollerat ut - så onaturligt och konstgjort i utförande. Marketa Lazarová är rå, visceral och häpnadsväckande dynamisk. Kort sagt: det är det fri – en sann höjdpunkt av möjligheterna att utforska varje tum filmiskt medium. För det är den bland de bästa filmerna som någonsin gjorts.

83. Singin’ In The Rain (1952)

Singin’ In The Rain är den mest definierande musikalen från Hollywoods guldålder. Det är omöjligt att glömma bilden av Gene Kelly som dansar vid gatlyktan när vi pratar om de glänsande ögonblicken på bio. Filmen hyllar inte bara sin egen skicklighet, utan också filmens övergång från att vara ett visuellt medium till ett resonerande och stimulerande. En monumental prestation i Technicolor-filmen, Kellys regissörinsats förkastades på ett underhållande sätt av kritiker och publik, till en början. Jag tror att relevansen av denna klassiker blir starkare dag för dag, eftersom klyftan mellan tidsperioderna som täcks av filmen (verkliga livet och rullarna) och nuet växer allt mer. Vi håller på att tappa kontakten med en viktig era, och den här filmen myllrar av sin nostalgi.

82. Titta inte nu (1973)

Det är väldigt svårt att hitta en bildkonst som är lika hypnotisk som Nicolas Roegs 'Dont Look Now'. På många sätt är detta mästerverk som den avskyvärda dvärgen i slutet. Det är vackert draperat i extatiska färger, men hyser den värsta delen av livet: döden. Oavsett hur effektiv Sutherlands karaktär är, tror jag att detta är en känslodriven film, eftersom Roeg placerar jakten på förlorad kärlek över en avgörande historia. Den gotiska grunden är en mycket kraftfull anordning för att utropa vikten av de band den förlitar sig på, den av faderlig och familjär kärlek, såväl som för att ge en vag form åt spökena som hemsöker huvudpersonen. Vissa platser är som människor, vissa lyser och andra gör det inte.

81. Fight Club (1999)

Då och då kommer det ett konstverk som definierar en generations psyke. När det gäller film hade 50-talet 'Rebel Without A Cause', 60-talet hade 'The Graduate' och 70-talet hade 'American Graffiti'. Och till och med två decennier senare passar 'Fight Club' vår generations grubblande, missnöjda, anti-etablissemangsetos som hand i handske. Som så många fantastiska filmer är 'Fight Club' väldigt splittrande och kan filosofiskt tolkas på många olika sätt - vissa tycker att den definierar samtida manlighet, medan andra tycker att den förhärligar våld och nihilism.

Filmen är i huvudsak en thriller och berättas från POV av en icke namngiven huvudperson som lider av sömnlöshet och missnöjd med sitt monotona jobb som korsar vägar med en häftig tvålmakare vid namn Tyler Durden. Durden och huvudpersonen startar snart en underjordisk 'Fight Club' som ett sätt för missnöjda medlemmar av samhället att få utlopp för sin ilska. Men snart hamnar Tylers planer och berättarens relationer utom hans kontroll, vilket leder till en explosiv klimax (bokstavligen!)

Tillsammans med den djävulsk-må-vård-attityd som den propagerar för, är 'Fight Club' också ett kännetecken för någon ess-riktning från samtida legenden David Fincher. Den dystra färgpaletten, skarpa redigeringen och snygga kameraarbetet har inspirerat en hord av mörka thrillers efter filmen. En vattendelare från 1990-talet.

80. Before Sunset (2004)

Här är sanningen om mänsklig evolution som ingen kommer att berätta för dig: Mänskligheten kommer snart att förlora konsten att konversera. Tekniska framsteg har en stor sidoeffekt: människor blir mindre och mindre intresserade av att träffa riktiga konversationer - eftersom de har teknik att gömma sig bakom. Och det är precis därför som Before-serien kommer att hålla i sig i decennier framöver. En serie filmer som handlar om två personer som är engagerade i riktiga samtal är en sällsynthet även för denna generation. I framtiden kommer sådana filmer inte att göras alls. Det är därför framtida generationer kommer att titta tillbaka på Before-trilogin med vördnad och förundran. Och jag kommer inte att bli förvånad om trilogin finner sin välförtjänta plats inte bara i filmhistorien utan också i varje filmskolas bibliotek.

Bland de tre Before-filmerna sticker ’Before Sunset’ ut eftersom den är den mest hjärtskärande vackra. En film som till sin natur handlar om det starkaste mänskliga begäret: önskan om att vara med någon du skulle kunna tillbringa resten av ditt liv med. Om du tittar noga blir 'Innan solnedgången' i slutändan en spegel, genom att titta in i vilken du kan bedöma dina egna relationer: Var gick du fel? Vem var det egentligen för dig? Vilka möjligheter missade du? Vad kunde ha varit? Det är en av de mest sällsynta filmerna där din egen upplevelse i livet kommer att berika och ge näring till din upplevelse av filmen.

79. The Matrix (1999)

En genialisk, smart idé framförd på skärmen av familjen Wachowskis, som resulterade i en film som fick många tittare att bli försiktiga med den verklighet de befann sig i. Det är sant, när 'The Matrix' väl gjordes fanns det ingen återvändo, den förändrades saker. Filmen bröt inte bara en ny mark i sin berättelse, den revolutionerade också hur science fiction- och actionfilmer kom till efterhand. Framgången för 'The Matrix' som film ligger också i hur den mästerligt tjatar mellan teman, inklusive filosofi, existentialism och till och med religion, samtidigt som den bär skepnaden av en action- och sci-fi-film. Neos förmåga att manipulera den simulerade verkligheten för att utföra till synes omöjliga bedrifter och användningen av bullet time, en actionteknik som är inget mindre än ikonisk nu, bidrar till filmens uppfinningsrikedom. Genren kan vara överfylld nu, men när den kom ut först, är det säkert att säga att publiken inte hade sett något liknande.

78. Den sjunde kontinenten (1989)

Att kalla Michael Hanekes ’Den sjunde kontinenten’ för en skräckfilm låter väldigt fel för mig, men det är så den omtalas av de flesta som har sett den. Det är svårt att argumentera med dem, eftersom en visning av den här filmen gör att man känner sig hopplös, deprimerad och rädd. Med att göra med en familj som hatar världen och livet i allmänhet, tar denna klassiker från 1989 en kall och avlägsen hållning för att ytterligare isolera de tre spelarna från resten av samhället, vilket sakta men säkert får publiken att känna djupt för dem som deras tillvaron tar en mörk vändning. Hanekes debutverk är en av de mest störande filmerna som någonsin prydt filmduken och hånar tittaren och släpper aldrig taget. Om publiken kallar det en skräckfilm, då gör de det med hänvisning till en skrämmande film som inte liknar någon annan. Täckt i tvetydighet och realism, Den sjunde kontinenten är ett personligt, intimt och skrämmande återberättande av en sann berättelse som lämnar dig i tystnad, för i minst ett par minuter efter det att den är slut, blir du oförmögen att säga ett enda ord.

77. Zodiac (2007)

‘Zodiac’ är inte din konventionella thriller; det är långsamt och fokuserar mer på stämning och karaktärer än handling. Det finns en aura som David Fincher bygger så mycket att du kan känna stämningen i filmen i dina ben. Det är inte en film som kommer att göra dig glad när den tar slut. Det är också en film där den onde vinner, bra förlorar. Och det är därför det är så bra. Inte bara bra, utan ett modernt mästerverk. När en film lyckas rycka i dig i hela två och en halv timme och låta dig tänka i dagar, måste det ha stämt många saker som de rutinmässigt gjorda thrillerna inte gör. Enligt min mening är ‘Zodiac’ Finchers bästa film, där han med sin disciplin och sina kunskaper visar varför mindre ibland är mer.

76. Magnolia (1999)

’Magnolia’ är utan tvekan Paul Thomas Andersons överlägset mest personliga verk. Den hysteriska vibb Anderson ingjuter filmen med ger en viss känslomässig flythet till melodraman som är så otroligt beroendeframkallande och vätande i sin energi. Filmen utspelar sig helt och hållet i San Fernando Valley med olika inbördes relaterade karaktärer som går igenom olika faser i sina liv och kämpar för att hantera sina egna inre demoner och känslomässiga konflikter. Anderson älskar de här människorna, han känner dem och förstår dem men framställer dem som otvetydigt vilka de är; starkt nakna människor, råa och rena, som konfronterar och övervinner sina djupaste rädslor och svagheter. Det som gör 'Magnolia' så speciell är att det är en film som berättar så mycket om sin filmskapare. Vi får en titt in i Andersons liv, platsen han tillhör och människorna i hans liv. Det finns bara så mycket av Anderson i hela filmen. En film som 'Magnolia', om den hade regisserats av någon annan filmskapare, skulle ha känts daterad och verkade ganska mycket som en produkt av sin tid, men med Anderson bidrar den bara till filmens attraktionskraft.

75. Rosemary's Baby (1968)

'Rosemarys bebis' är ett mörkt, vridet konstverk som leker med oskulden för att bygga upp en känsla av skräck. Med att göra med en kvinna som upplever komplikationer under graviditeten tar filmen en helt ny väg med sin handling genom att låta ritualistiska element spela en stor roll. Det finns så mycket om den här filmen att älska, från de välskrivna karaktärerna hela vägen till den avlägsna grubblande miljön som omger varje incident som inträffar. Det finns alltid en känsla av spänning genom hela bilden, och det är delvis tack vare den tysta, kvardröjande kinematografin utförd med Polanskis strama registil. Mia Farrow gör en karriärs bästa prestation här som Rosemary Woodhouse, en kvinna som blir svagare när hon kämpar med smärtorna som följer med att bära ett barn. Sammantaget matchas atmosfären som fångas av den här filmen av få andra, och hur den sipprar in i din hud är verkligen något annat.

74. The Good, The Bad And The Ugly (1966)

Fängslande karaktärer spelade av legendariska skådespelare, otyglad, brutal skjutande action, häftig musik och intensiv filminspelning – den tredje delen av 'Dollars'-trilogin, som sägs vara födelsen av spaghettiwesterns, är överseende, fängslande, underhållande film när den är som bäst. Blondie or No Name (The Good), en professionell revolverman och Tuco (The Ugly), en eftersökt fredlös, bildar en ovillig trohet när de får reda på en viktig detalj om ett guldförråd gömt av en flykting förbundsmedlem. som Angel Eyes (The Bad), en mördare, är kontrakterad att döda. Trions resa utgör kärnan i en fängslande intrig som slutar i en klassisk westernstil. Clint Eastwood som Blondie är bilden av machismo, Lee Van Cleef som Angel Eyes är ond personifierad och Eli Wallach som Tuco lägger till en karaktärskomplexitet av impuls och ilska till de enklare men mer pråliga Good Vs Evil-akterna från de två större stjärnorna. Men tyglarna är alltid regissören i Sergio Leones händer – han använder vidsträckta långa bilder och intensiv närbildsfilm som krävs för att skapa en spänning i processen. En genredefinierande film Quentin Tarantino, en av de största exponenterna för den moderna västern, en gång kallad den bäst regisserade filmen i världen.

73. The Travelling Players (1975)

Alltför länge var Theo Angelopoulos intima, noggrant sammansatta epos känt för få filmentusiaster, och kanske uppskattat av ännu färre. Dess ståtliga, gradvisa uppförande av ett filmiskt monument över vårt esoteriska, kryptiska förhållande till tiden är förståeligt nog inte för alla. Men för de nyfikna bland oss ​​har det varit känt att ge tröst, skänka visdom och gåva en uppfattning som hjälper till att hitta konstanter att hänga på i denna universellt och grymt dynamiska värld. Bland de många saker som den här filmen får rätt till är dess orörda grepp om uppenbarelserna i berättelsen om 'Orestes'. Mytologin förknippad med den tragiska figuren fångas med en bedövande ödmjukhet och ändå lyckas filmen föra oss genom sin smidiga vision till en melankolisk, kvardröjande syn på mitten av 1900-talets Grekland. Dess tidsmässiga elegans motiverar att se historien genom att stå bredvid truppen: från utsidan och in. Du tenderar att både känna av hårdheten i den och reflektera över dess skapelse. Det är en sällsynt antifascistisk historielektion eftersom den aldrig talar om för oss vad vi ska tänka. Det visar oss bara vad vi ska känna. Angelopoulos och filmfotografen Giorgos Arvanitis placerar oss i hjärtstoppande lokaler och tvättar bort dem med periodens förödande ondska. 'The Traveling Players' är en ödmjuk, sällsynt pärla som känns som om den räddades från upploppstyngda gator och överlevde genom svält. I enklare termer, vi förtjänar det inte.

72. Cache (2005)

Michael Haneke anklagas ofta för att alltid syssla med dystra berättelser. Den karaktäriseringen är helt orättvis eftersom det han i huvudsak gör är att ge humana insikter i mörkret som omsluter oss alla, hur våra felaktiga uppfattningar leder till plågsam isolering och hur våra vanföreställningar minskar våra chanser att övervinna denna isolering. 'Caché' är inte bara ett massivt, brännande dokument som pekar på ondska i Seineflodmassakern 1961 och vår omänsklighet som samhälle, utan också en poetiskt universell karaktärsstudie. Georges, vår protagonist, uppfattar livet och sin närvaro som en social varelse i en förvrängd känsla av glädje. Han flyr från bekvämligheten av att lita på och kommunicera med andra. Han njuter av sin alienation, precis som han alienerar så många som håller honom så kär. Med det hånar Haneke den generation som vill bli lämnad ifred. Hans kamera är stundtals ovanligt avlägsen, precis som så många av oss är i förhållande till vår omgivning. Men i hans kontroll måste vi konfrontera vår oanständighet, vår hänsynslöshet, vår verklighet. En av de mest utmanande filmerna du någonsin kommer att se.

71. Spirit of the Beehive (1973)

Den spanske mästaren Victor Erice gjorde bara tre långfilmer innan han gick i pension. Fortfarande vid liv idag, filmer som El Sur, Quince 'Sunens träd' och speciellt Spirit of the Beehive, hans odefinierbara debut, får oss alla att önska att han fortfarande gjorde filmer. En parabalisk berättelse om två barn, det ena utforskar hans tillvaro med oskyldig, ofta förvirrande fascination och det andra besatt av filmen 'Frankenstein' som spelades på deras lokala teater. Dess mystifierande porträtt av det spanska hjärtat lämnas i lockande tvetydighet av Erices karaktäristiskt neutrala regi - som sällan vågar sig på filmisk metod till förmån för tyst observation. Det resulterande verket är förbryllande, fängslande och kommer att få dig att undra över själva livets inneboende gåta: dess obesvarbara frågor, dess stora mysterier och deras förbryllande ointaglighet. För att lämna dig helt förkrossad eller ojämförligt rörd, det råder ingen tvekan om att 'Spirit of the Beehive' kommer att vara en viktig upplevelse till någondera extrem.

70. Alla presidentens män (1976)

Watergate. Ett ord som drog ner gardinerna för Richard Nixons presidentskap och fick folk att inse att även en person av presidentens ställning kan böja sig ner i lägsta möjliga utsträckning för att få sina saker gjorda. Medan presidentens kumpaner var upptagna med att städa upp röran som han skapade, var det två reportrar som fick känslan av det. Trots hotande hot arbetade de outtröttligt, följde även de minsta av ledtrådarna och förde ibland fara över sig själva i processen för att få ut fakta till folket. Baserad på boken med samma namn, skriven av reportrar, Bob Woodward och Carl Bernstein, är 'All the President's Men' en skarpsynt observation av vad sann journalistik borde vara. Den regisserades av Alan J Pakula och nominerades till åtta akademipriser, vann till slut tre och förlorade för övrigt den bästa bilden till 'Rocky'.

69. Army of Shadows (1969)

Jag tycker att en utmärkt jämförelse att göra för nykomlingar i Jean-Pierre Melvilles arbete är Stanley Kubricks. Båda utövar extrem teknisk precision och utstrålar absolut självförtroende i varje rulle av arbete de utför under långa och kreativt lukrativa karriärer. Som sagt, ett billigt men utmanande klagomål som vem som helst kan lämna till den amerikanska regissören är hans 'själalöshet'. En vakans av mänskligt uttryck. Så är inte fallet med Melville. I 'Army of Shadows' brinner Melvilles karaktärer av en bitter förtvivlans gnista som gör att varje handling osar av mänsklighet. I krigsmotståndsrörelsens dödliga värld kan ett falskt drag resultera i total förstörelse och det är med ovannämnda grace och virtuosa kontroll över sin film som Melville syr frön till en helt trovärdig, övertygande död värld. 'Army of Shadows' är ett av de mest tysta, spännande och monumentalt påverkande verk som kommit ut från fransk film - och att missa en sådan kriminellt förbisedd klassiker skulle vara att göra dig själv en stor otjänst.

68. The Shining (1980)

Med sin adaption av Stephen King-klassikern skapade Stanley Kubrick 1980 en film som fortsatte med att omdefiniera skräckgenren. Här är det inte bara historien eller karaktärerna som föder rädsla. Miljön och hur den har filmats hjälper fantastiskt till att tillåta bedövande spänning att tränga igenom publikens sinnen. Filmen följer Jack Torrence, en nyutnämnd vaktmästare på The Overlook Hotel, och hans familj när de tillbringar en period av total isolering i den mystiska byggnaden. Genom fantastiska framträdanden och utmärkt kameraarbete ser Kubrick till att filmens innehåll sjunker djupt in i vårt undermedvetna. Sättet han manipulerar ljud och atmosfär på är helt otroligt och skapar för en oförglömlig och ryggrads-kylande två och en halv timme. Världen av 'The Shining' är vackert mörk och griper dig hårt i kragen under hela dess hisnande tredje akt.

67. Chinatown (1974)

Det finns film noir och neo-noir och mitt emellan de två sitter Jake Gittes, prydligt klädd med en skarp fedora för att komplimentera det flinet i ansiktet. Även om han är en stor beundrare av Polanki, finns det alltid något som inte matchar slutprodukten av hans filmer. Förutom Chinatown. Detta banbrytande mästerverk skapade inte bara en identitet för sig själv, utan betraktas alltid av filmskapare som lånar dess stil för att skapa en identitet för sin film. Polanski är en magiker på jobbet och lurar oss med urskiljbara leads samt klassisk noir-tempo och setting. Men så kommer Chinatowns sista akt, som så snabbt bryter ner varje konvention som ursprungligen var kopplad till liknande mysteriefilmer, att du lämnas med en överväldigande känsla av chock och förtvivlan. Dess misslyckande att slå Godfather II förbryllar mig fortfarande, men efter ett halvt sekel har folk glömt Sicilien, men aldrig Chinatown.

66. Satans tango (1994)

Bekännelse nummer ett: Jag såg nästan aldrig Béla Tarrs vidsträckta, fantastiska mästerverk. Man skulle anta dess genom tiderna cinefilfavoritstatus och det enastående rykte den har samlat på sig bland amerikanska art house-kretsar och bland några av de mest informerade filmkritikerna över hela världen skulle få mig att fascineras. Men den enorma varaktigheten av dess längd (cirka 432 minuter) och det lorisliknande tempot som jag hade haft så mycket i Tarrs 'Werckmeister Harmonies' verkade skrämmande. Bekännelse nummer två: Jag såg 'Sátántangó', för första gången, i ett svep. Jag hypnotiserades av dess pragmatiska känsla för den verkliga världen och dess tålmodiga, försiktiga känsla för film. Den observerade mer än den reflekterade och övervägde mer än den levererade prydligt utformade uttalanden. Dess mytiska, dystra realism var för bra för att vara sann och alldeles för brutal för att ha förverkligats med ett sådant öga för skönhet.

Allt jag ville göra till slutet var att stänga alla mina fönster och svepa in mig i mörkret eftersom filmen för mig hade varit som den där galningen i kyrkan och dess jämmer hade varit för meningsfullt. Bekännelse nummer tre: Jag är glad över att rapportera att 'Sátántangós' kloka sociala och politiska reflektioner har börjat göra sig tydliga för mig när jag har återkommit till det upprepade gånger. En sommar tillbringade med att sluka László Krasznahorkais roman, som fungerar som källmaterial till filmen, var särskilt minnesvärd. Allt jag kan göra nu är att hoppas kunna fortsätta skörda utdelningen av denna lyckliga olycka.

65. Exorcisten (1973)

William Friedkins 'Exorcisten' är perfekt regisserad. Mannen är ökänd för en oberäknelig karriärväg som ser klassiker falla in med shlock (och ofta går de två grupperna över för några fascinerande upptäckter av filmisk skamlöshet). Med sin bästa film bestämde sig Friedkin för att spela in ett drama som bara råkade handla om demonisk besittning: Sy patos för sina komplexa karaktärer och visceralt översätta originalförfattaren William Peter Blattys text fångade mellan tro och förlamande tvivel. Slutresultatet av två underbara artister som arbetar på toppen av sitt spel för att leverera en skimrande klassiker från amerikansk film: en som överskuggar nästan alla filmer i sin genre (förutom kanske det omedvetet skrämmande 'Wake in Fright' eller Tobe Hoopers otroliga tour-de -tvinga Motorsågsmassakern ). Helt enkelt fantastisk.

64. Suspiria (1977)

För i våra drömmar går vi in ​​i en värld som är helt vår egen – J.K. Rowling. Och tänk om en av filmens mest förvrängda sinnen bestämde sig för att spraya sitt undermedvetna på ett stycke film. Dario Argentos Suspiria anses trotsa filmisk logik med sin konstigt strukturerade berättelse. Men jag tror att det är ett neo-expressionistiskt mästerverk som fångar filmens sanna essens, som är att få oss att känna oss riktigt, verkligen levande. Argento förstår värdet av rymden och visar därför större fokus på film och scenografi, som är de dominerande invånarna i hans film. 'Suspiria' representerar inte bara Argentos stil utan hela den italienska skräcken, en genre som väcks av konstens estetik.

63. En man flydde (1956)

Oklanderligt exakt och inspirerande ekonomisk, Robert Bressons ack så sällsynta bullseye slogs med 1956:s 'A Man Escaped'. Toppen av mannens kvicksilverkrafter som filmskapare följer den franska motståndsagenten Fontaines försök att fly ett allt farligare nazistiskt fängelse och finner mening i varje enskild bildruta. Från den häpnadsväckande mänskliga gestaltningen av huvudrollen av icke-skådespelaren François Letterrier, vars insjunkna kinder och utsprängda ögon så övertygande uttryckte den förkrossande tyngden av att leva i krigstid, till Bressons minimalism som lyckades odla en brännande intimitet mellan publiken och sa det desperata. man: Från frekventa POVs och eleganta kompositioner som inte ägnade sig åt tekniker har Bressons omgivande verk ibland drunknat i. Jag skulle inte skära bort en enda bildruta - och därmed fungerar filmen som en absolut viktig utbildningsform för blivande filmskapare: Att måla något så levande och tätt utan att det någonsin känns ansträngande.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

I tider som dessa finns det ingen bättre film än 'To Kill A Mockingbird' för att förklara nynazisterna om den sanna innebörden av kast, tro och ras. Utspelad i tidslinjerna för ett rasmässigt delat Amerika, anklagas en afroamerikansk man för att kränka en vit kvinnas blygsamhet. På toppen av rasmässiga orättvisor, när en domstol full av vita människor längtar efter hans blod, kommer det upp till en man att bekämpa hans fall. En vit man som heter Atticus Finch. Han kämpade tappert för att föra fram det faktum att alla människor är skapade lika i domstolen, vare sig den är färgad eller inte. Hans ansträngningar är meningslösa, eftersom domstolen förklarar mannen skyldig. Men det som stannar kvar hos tittaren är den läxa som Atticus Finch inskärper sina barn. Det vill säga, 'man förstår aldrig riktigt en person förrän man överväger saker ur hans synvinkel'. Baserad på Harper Lees bästsäljare med samma namn är 'To Kill A Mockingbird' en av de bästa filmerna genom tiderna.

61. Bakruta (1957)

Det som skiljer en mästerverks thrillerfilm från det rinnande avloppsvattnet som regelbundet staplas över oss, är att i den senare kommer vändningar i ett nafs, mer vilande på vår chock än på sanningshalten i vändningen för att få effekt. Men i filmer som 'Rear Window' är små saker uppenbara från den tid då den rullstolsburna professionella fotografen L.B. Jeff Jeffries tittar ut genom sin bakruta och samlar sig droppe för droppe tills de svämmar över, vilket får den ofarliga Jeff att misstänka att en man som bor på andra sidan gården har begått ett mord. Hitchcock använder sin kamera mästerligt som en illusionists verktyg för att hålla sina tittare spända, lurade och gissande tills det häpnadsväckande avslöjandet. Genom Jeffs tvångsmässiga förföljelse av sitt ämne av intresse kommenterar Hitchcock voyeurismens villfarelser, hur lockande det kan vara och den dysterhet i en ensam urban livsstil som leder till det. Ännu mer otroligt är det lika mycket en kommentar om tittarens voyeurism som Jeffs; eftersom vi är fängslade av Jeffs fängelse. Att titta på när man inte blir bevakad är en ond glädje; Hitchcock vet det, beundrar det och drar in oss med det.

60. 4 månader 3 veckor och 2 dagar (2007)

Vissa filmer rör dig; vissa får dig att skratta; vissa krossar ditt hjärta. ’4 Months, 3 Weeks and 2 Days’ tillhör en speciell kategori av filmer: de som gör dig orolig och nervös. Som du skulle ha gissat är sådana filmer förmodligen de sällsynta av en sällsynt ras. Filmen följer två vänner som försöker ordna en abort i den brutala kommunistregimen Ceausescu i Rumänien. Visceral och kompromisslös, filmen tar tag i dig i nacken och släpper dig aldrig. Att se den här filmen är som att uppleva den magslitande känslan du får när du nervöst väntar på att någon av dina nära och kära ska komma ut från en operationssal efter operationen. Det är inte bara realistisk film när den är som bäst; det är också en av de mest livsförändrande filmerna du någonsin kommer att se.

59. Förra året på Marienbad (1961)

Alan Resnais film från 1961 'Last Year At Marienbad' är det närmaste vi har kommit att visualisera en dröm, och det är gjort på ett så udda sätt som möjligt. Musiken som tar upp bakgrunden under större delen av körtiden fungerar som ett lugnande medel som försätter publiken i ett somnolent tillstånd. Trots detta är det ganska omöjligt att hålla ögonen borta från skärmen, eftersom det händer så mycket i hela bilden, även om det bara är lite som visas. Jag tycker om att tänka på 'Förra året på Marienbad' som en film föreställd utifrån det undermedvetna, på grund av dess repetitiva och förvirrande karaktär. Karaktärerna är förvirrade över den bisarra värld de också har hamnat i. Det är ett moget och sofistikerat stycke, och jag tycker att kärnan i handlingen – som involverar en man och hans relation med en främmande kvinna som han tydligt minns att han träffade året innan, även om hon inte minns detsamma om honom – mycket uppslukande, originell, passionerad, romantisk, drömlik och naturligtvis lysande.

58. Vilda jordgubbar (1957)

Har du någonsin varit på en roadtrip där du inte har något bättre än att titta ut genom fönstret? Under en viss tid stirrar du på utsikten utanför, innan dina tankar rusar in och det som finns utanför nu bara är en mall – det håller inte din uppmärksamhet längre. Så händer med Isak Borg, huvudpersonen i Bergmans klassiska stämningsverk som har hittat sin plats i otaliga listor över bästa filmer genom tiderna, inklusive en som sammanställdes av Stanley Kubrick 1963. Han reser med sin svärdotter för att ta emot examen av doktor Jubilaris från hans alma mater. Hon gillar honom inte och planerar att lämna sin son. Men vår professor, som spelas av den briljante Victor Sjöström, är inte särskilt intresserad av framtiden. Hans tankar och som en konsekvens av filmen, slungad av de många människor han stöter på sin resa, kastar bara ett ljus över hans förflutna. Sett genom Bergmans förlåtande, trygga lins är hans minnen enkla, välbekanta och mänskliga. De glorifierar inte hans liv eller förkastar hans prestationer. De är röriga, som de flesta av våra och medvetet förvrängda. När han äntligen kommer till platsen för att tilldelas äran inser vi att han aldrig behövde någon belöning. Han fick det redan i de jordgubbar som han samlade med sin barndomsälskling, köpmannen som kom ihåg honom, det oroliga förhållandet till sin fru, det goda och det onda, det förlösande och det oförlåtliga. Liksom vi, i form av denna mystiska, oförklarligt rörande film.

57. Spelreglerna (1939)

Jean Renoirs geniala, bitande sederkomedi lyckas hålla sig förvånansvärt bra efter alla dessa år, samtidigt som den förblir lika lekfull och spöklik som alltid. Den avvisades när den släpptes av både kritiker och publik, vilket resulterade i att Renoir klippte bort en betydande del av filmen efter den katastrofala premiären – en del som mestadels innehöll karaktären Octave, som spelades av Renoir själv. Knappast förvånande är dess tillväxt i växtlighet sedan dess. Filmen, i sin slug, auktoritativa jonglering av karaktärer, teman, toner och miljö, är alltid ljuvligt underhållande, men aldrig mindre flitig eller mindre överdådigt utformad än världens bästa film från perioden. Dess noggrant smidda bilder pulserar av sofistikering, men ansträngningen syns aldrig och filmen lämnar dig gapande i förundran över hur djupt intrasslad du var i dess skickligt byggda atmosfär. Filmfotografen Jean Bachelet och Renoir leker med kameran på ett sätt som ger filmen en luftighet, men deras obevekliga kontroll är det som gör den till en ständigt spännande satsning. Om allt detta inte räcker bör du veta att Alain Resnais en gång sa att filmen var den enskilt mest överväldigande upplevelse han någonsin haft på bio. Det skulle vara svårt att hitta en mer lysande rekommendation.

56. Den tredje mannen (1949)

Film-noir är en genre förknippad med filmer som överdådigt mörka gränder, hemlighetsfulla, förföriska karaktärer, en känsla av mystik och krämigt svartvitt för att täcka det hela. Även om många av dessa bilder är spännande och erbjuder en trevlig stund, är det få som provar något innovativt och annorlunda. The Third Man är en av de bästa film-noir som någonsin gjorts, eftersom den berättar sin häpnadsväckande historia exceptionellt bra, med hjälp av imponerande holländska lutningar, slående ljus och vacker musik. Filmen har att göra med en man och hans självgjorda utredning om mordet på hans ekonomiskt välbeställda vän. Handlingen av Den tredje mannen är kantad av romantik, mörk humor, vändningar och spänning. I sitt hjärta kan filmen kallas en ljuv kärlekshistoria, men med allt annat inkastat lämnas den förälskelsen att tvivla på. Med ett mästerligt skrivet manus, är Carol Reeds magnum opus en som håller dig vid kanten av din stol hela vägen från dess ödmjuka, lättsamma första akt till ett slut som mycket väl kan vara den smartaste finalen till vilken bild du än har. kommer någonsin se.

55. Cries and Whispers (1972)

Ingmar Bergmans tragiska familjedrama handlar om en sorg som är både obefläckat desperat och febrilt akut. Det är inte tålmodigt byggt scen för scen och levereras på ett fat i slutet. Du är gjord att andas in det redan från början av filmen som introducerar huvudspelarna och deras förhärdade, brännbara sorg med underbara närbilder som gör deras kvävande obehag tydligt. Allt detta är täckt av en oförlåtlig uppsjö av rött, i form av det karmosinröda som väggarna i huset som berättelsen utspelar sig i är målade med. Bergman gör oss medvetna om den stanken av död som omger kvinnorna med en så påträngande riktning att ett verkligt dödsfall inte är någon anledning till oro. Kvinnornas inneboende våldsamma längtan gjorde allt i filmen till ett hemskt, bloddränkt minne i mitt sinne. Sven Nykvists genomgående fascinerande bilder dämpas av Bergmans subtila författarskap och skådespelarnas mästerligt inlevda framträdanden. Den självlysande Liv Ullman tycks mystifiera och trollbinda varje gång kameran är på henne, medan de otroliga Ingrid Thulin och Harriet Andersson är så oförskämda i sitt arbete att det känns invasivt att komma i kontakt med deras känslor. Bergman ger oss inga tydliga idéer att ta hem, men förnekar oss alla andra sensationer än de som hans karaktärer upplever. Vi undrar hur långt hans tillgång till våra känslor går och han förlänger den vid varje tur. I slutändan är 'Cries and Whispers' inte att tro, det är att leva.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Kanske är det Morricones hemska partitur eller kanske Delli Collis vision som är lika vidsträckt som väst eller kanske det orubbliga gruset som pulserar i ögonen på Bronson och Fonda och kanske är det kulmen på alla dessa aspekter i nästan varje bild av maestro, Sergio Leone . Om du behöver en Western som har både John Fords skönhet och Sam Peckinpahs oförlåtande vildhet, så finns det helt enkelt ingen i närheten av Leone. I sin magnum opus uppnår han vad som tog honom tre filmer tidigare, för att skapa en mystisk värld mitt i ingenstans. Även om det kanske inte finns något andligt på ytan, har filmen gudar. Guds sportiga kronor fyllda med 10 liter krut och grus som de sväljer med vatten. Dessutom var Henry Fondas rollbesättning som antagonist förmodligen beslutet under det decenniet, eftersom hans isiga blå ögon inte liknade något som västvärlden någonsin sett.

53. Annie Hall (1977)

Ingen kan göra anspråk på att förstå den förvirrande, alltförtärande gåtan som är kärlek som Woody Allen. Och ingen Woody Allen-film kommer i närheten av att visa den i sin genuina, udda härlighet än den här berättelsen om Alvy Singer, en neurotisk, nihilistisk komiker i New York som blir 'mer än kärlek' i den snåla, flyktiga, glada Annie Hall, och faller sedan ur den. Filmen utforskar också könsskillnader i sexualitet genom Alvys och Annie 'Yin och Yang' slags relation. I slutet accepterar även Alvy kärlek som irrationell och galen och absurd men nödvändig i livet. Användningen av flera innovativa berättartekniker, såsom improviserad brytning av den fjärde väggen, snabb växling av dåtid och nutid genom smidiga snitt, visning i undertexter hur Alvy eller Annie känner sig medan de faktiskt talar något helt annat, och tillägget av en ' berättelse i en berättelse' som klimax, lyft den redan engagerande berättelsen. 'Annie Hall' är förmodligen den första riktigt modernistiska romansen på celluloid och har inspirerat en generation av romantiska komedier i dess ställe. Ingen är dock så charmig som den de försöker imitera.

52. M (1931)

Uppkomsten av röstinspelningsteknik, ett fenomen för vilket masttoppen stod som 'The Jazz Singer' från 1927, ledde till en absurd mättnad av dialog i filmer. Tekniken togs för given som en direkt uppgradering, snarare än ett verktyg som skulle användas i samband med det etablerade filmiska språket. Fritz Lang, en man som började sin karriär inom stumfilm med en rad mästerliga verk, inklusive Destiny, Dr Mabuse the Gambler, Die Nibelugen och den exceptionella Metropolis. Hans migration till ljud nådde sin höjdpunkt i 1931 års 'M' - en film som i motsats till alla omgivande källor hade tagit bort nästan allt omgivande brus. Resultatet är en tyst talkie med en överväldigande livlös atmosfär: En som så effektivt underbygger dess berättelse. Berättelsen i fråga slår ut mot en barnmördare och den tyska regeringens inkompetens när det gäller att fånga honom - att bilda en egen kängurudomstol för att straffa mördaren. Vad Lang kommunicerar här är av otrolig mognad i budskap: Rättvisan som förtjänar att tjänas fullständigt undergrävd av dåtidens politiska kontext - med Nationalsocialistiska partiets nedtecknade politik för dödshjälp och allt mer våldsamma ideal som manifesterar sig som en ond tumör på folkets anklagelser . Peter Lorres framträdande, rikt på patos och torterad humanism, hjälper till att hamra på det djupa sveket hos 'M' - ett som förblir omåttligt rörande än i dag.

51. 12 Angry Men (1957)

Svaret på om pojken var skyldig eller inte får vi aldrig veta. Men en sak som 12 Angry Men bekräftar är att logiken alltid kommer att segra över intuitionen, om det finns en vettig man mitt i en värld av dårar. Och är dårskap en sjukdom eller bara en biprodukt av okunnighet? Sidney Lumets drama ber dig inte att använda din hjärna över hjärtat, utan strävar efter att nå en punkt där du kan fatta ett beslut, och båda arbetar tillsammans. Tillsammans med sitt fängslande manus, som sitter stolt i läroplanen på varje filmskola runt om i världen, är kameraarbetet och iscensättningen direkt ur en japansk New Wave-klassiker. 12 Angry Men har en oförglömlig prestation från ensemblebesättningen och är ett monument för amerikansk film.

50. City Lights (1931)

Inte många tidiga filmskapare har det erkännande och popularitet i dagens kultur som Chaplin åtnjuter. Detta kan bero på många anledningar. Hans filmer talar till alla och är magiskt roliga, men mer än så ser hans berättelser på melankoliska situationer i ett humoristiskt ljus. Så är fallet med vad som förmodligen är hans mest personliga bild, 'City Lights', som berättar historien om en luffare och hans ansträngningar att imponera på och hjälpa en stackars blind blomsterflicka. Han gör det under en fasad, låtsas vara en rik man för att fånga hennes uppmärksamhet, men hamnar i problem när han gör det. När en film fortsätter att vara lika rolig och rörande i nutid som den var för över 75 år sedan, betyder det vanligtvis att det är något den gör rätt. 'City Lights' har satt sin prägel på världen med sin skildring av fattigdom och liv under depressionens hårda år, som är så väl genomförd och upplevd att den aldrig misslyckas med att röra publiken, samtidigt som den ger dem hopp om en bättre morgondag.

49. Kom och se (1985)

Den senare hälften av ett otroligt skickligt filmskaparteam, regissören Elem Kilmov, var gift med Larisa Shepitko - den lysande virtuosen bakom 'Wings' och 'The Ascent'. När hon så sorgligt nog dog i en bilolycka avslutade Kilmov arbetet med sitt exceptionella oavslutade projekt 'Farväl' (som lätt kunde ha tagit den här platsen) - och jag tror att det som gör allt det här sammanhanget så kraftfullt är sättet mannens sorg blöder in i varje ram av hans verk. Kilmovs biograf sjuder av outtryckt ilska och desperation: Hulking i sin egen överväldigande tyngd av känslor - och få filmer som någonsin gjorts har pulserat med en så kraftfull känsla som Kom och titta . Förmodligen, den bästa krigsfilm som någonsin gjorts, dess helvetiska skildring av Wehrmacht-invasionen av Vitryssland ekar med öronbedövande explosioner, mardrömslika bilder och en värld som sakta dräneras på liv - dess scener inspelade i ett underbart, ihåligt ljus. Men i all denna ångest finner Kilmov sin väg till förståelse i dess transcendentalt mogna slutsats. Kanske, i sitt engagemang för att begrunda livets oförgänglighet, finner han äntligen styrkan att begrava sin avlidna hustrus ben. Man kan bara hoppas.

48. Det sjunde inseglet (1957)

Från de allra första bilderna av Bergmans ikoniska dokument om tro, rädsla och förnöjsamhet förtrollas dig. Den skarpa, korniga blicken på havet, kusten och på det en modig riddare och hans ödesdigra möte med personifieringen av döden definierar filmens objektivitets klarhet, även om den lämnar utrymme för en förförisk, nästan skrämmande tvetydighet att ständigt vara närvarande. Dra nytta av en magnetisk föreställning från den makalösa Max von Sydow och ett gäng skådespelare som lyfter Bergmans häpnadsväckande material, baserat på hans pjäs Trämålning, till oväntade nivåer, har 'Det sjunde inseglet' på sina ynka 90 minuter inflytande från en gammal fabel som gått i arv genom generationer som driver fantasin mycket mer expansiv än den själv kan hoppas kunna innehålla. Gunnar Fischers gnistrande, skarpa svart-vita ser till att den skakande intensiteten kryper under huden. Den strömliknande flytligheten är ett resultat av en berättelse som utvecklats med sublimt självförtroende och en påtaglig sanslöshet. Det kan vara en helt och hållet enkel berättelse, som ändå hyser värdefulla idéer i sin famn, men den är sydd med ett tyg som är så intrikat och djärvt att du inte kan låta bli att titta på det om och om igen för att det ska översättas till ett bestående minne.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinis försiktigt, tålmodigt och poetiskt uppmjukade virtuos visas för fullt i hans Guldpalmsvinnare som i sin själfulla och skuggiga glamour fångar ett sätt att leva som verkar för svårfångat och på något sätt alldeles för verkligt. Dess takt understryker huvudpersonens känsla av planlöshet och tvingar oss att bada i det symfoniska arrangemanget av livets puls och hur flyktigt det hela är. Den här huvudpersonen spelas av den bästa karriären Marcello Mastroianni, som använder denna gåva av tid för att fylla hans ögon med en oemotståndlig världströtthet. Att ifrågasätta betydelsen av vissa avsnitt av 'La Dolce Vita' som kan tyckas sakna filosofisk betydelse eller narrativ relevans är att förkasta möjligheten att låta de pikanta detaljerna skölja över dig och sedan överväga konsekvenserna. När Nino Rotas himmelska partitur för oss in i Roms svindlande värld, sett genom Fellinis illusoriska öga, ser du bara vad han vill att du ska se och det blir snabbt vad du vill se också.

46. ​​Psycho (1960)

Människor kan i bästa fall beskrivas som egendomliga. Det mänskliga sinnet, som är kapabelt till många häpnadsväckande saker, är också kapabelt att degenerera sig självt till bortom begriplighet. Alfred Hitchcocks 'Psycho' behöver inga introduktioner eftersom den håller huvudet högt, mitt i tidlösa biografer. Förutom att det är en klassiker, är det också en sorglig kommentar om människors sviktande moral. Och det är inte Norman Bates att tänka på! Det frätande greppet från Mrs. Bates som satte Normans liv i dvala hela hans barndom och så småningom vuxen ålder är en påminnelse om hur kärlek kan vara kvävande. Berömd, Mr. Hitchcock antog konstiga riktlinjer för 'Psycho', som inkluderade att inte tillåta sena deltagare in i filmen. Den antogs för att säkerställa full rättvisa till filmens pulserande klimaxscen. En thriller till sin sannaste form, 'Psycho' är en berättelse om en son, hans mor och deras ohälsosamma ägandeskapsband. Hitchcock var så hårt bevakad inför finalen att han marknadsförde filmen denna tagline – Ge inte bort slutet – Det är den enda vi har!

45. Solaris (1972)

Tarkovskys 'Solaris' liknar fenomenet som skildras i filmen. Från att förbrylla mig med dess djupt rotade koncept, till att utvecklas till en varelse som jag inte kan skiljas från, det är en upplevelse som får mig att undra över den omedvetna naturen hos varje molekyl som utgör universum. Vi kanske är medvetna om de vetenskapliga dimensionerna, men kan vilket instrument som helst beräkna mängden kärlek eller sorg man har i ett nanogram av hjärtat? Kan någonting hitta hjärncellen där ett oförglömligt minne finns? Från Bachs trollbindande musik i öppningssekvensen till den perenna motorvägsscenen är Tarkovskys användning av tid för att frigöra betraktaren från hur en normal värld fungerar. Solaris är ett rike där känslor skickar dig på en snurr med galenskap, men vem skulle inte känna känslor när galenskapen är vacker att röra vid och tillräckligt visceral för att befria dig från ditt eget jag.

44. Schindlers lista (1993)

En viktig film som drar stor nytta av Spielbergs känsla för det dramatiska, det är en lika störande och känslig upplevelse i sig själv. Filmen är, som många andra på den här listan, en mästerklass i något jag gärna kallar förenklat, slagkraftigt berättande. Berättelsen följer Oskar Schindler, en tysk affärsman som räddade livet på mer än tusen judar genom att anställa dem i sina fabriker under Förintelsen. Alla de tre huvudrollerna, Liam Neeson som Oskar Schindler, Ralph Fiennes som Amon Goth och Ben Kingsley som Itzhak Stern är i fantastisk form, och gör de mest uppriktiga prestationerna. En scen i synnerhet mot slutet av filmen, där Schindler bryter samman med tanke på hur många fler liv han kunde ha räddat, är djupt rörande och förblir etsad i mitt sinne som en av de mer kraftfulla, hjärtåtergivande scenerna i film. Att filmen spelades in i svartvitt, med sällsynt, enstaka användning av färg för att symbolisera eller lyfta fram ett viktigt element, förhöjer upplevelsen. Enkelt, Spielbergs bästa film, den förblir en viktig filmupplevelse.

43. Lawrence of Arabia (1962)

Bio som medium blir allt större. Med den senaste tekniken till sitt förfogande erbjuder dagens filmskapare oss några viscerala filmupplevelser. Men det finns några filmer som gjordes innan CGI var på modet, vars stora och monumentala omfattning inte har hittat en jämnårig. David Leans episka historiska drama baserat på livet av T. E. Lawrence , en av Storbritanniens mest kända figurer, är en sådan film. Den spelar Pater O’Toole som Lawrence och berättar om hans äventyr på den arabiska halvön under första världskriget. Redan från början målar David Lean en strålande rörlig bild av den oändliga öknen i all sin glans, med hjälp av filmfotografen Freddie Young och ett gripande partitur av Maurice Jarre. Men det offrar inte på något sätt känslor för extravagans. Kärnan är 'Lawrence of Arabia' en häpnadsväckande karaktärsstudie av Lawrence – hans känslomässiga kamp med det personliga våld som är inneboende i krig, hans egen identitet och hans delade lojalitet mellan hans hemland Storbritannien och dess armé och hans nyfunna kamrater inom de arabiska ökenstammarna. Denna hälsosamma kvalitet gör 'Lawrence Of Arabia' till en av de mest inflytelserika filmerna som någonsin existerat.

42. Sökarna (1956)

Utan tvekan den bästa westernfilmen som någonsin gjorts, den finaste filmen under John Fords stora karriär, 'The Searchers' är en amerikansk klassiker, bland de finaste filmerna från femtiotalet. Även om den beundrades och respekterades vid den tiden, kände man inte igen dess rivande, häpnadsväckande kraft på några år, men i början av sjuttiotalet hyllades den som en klassiker i genren och kanske den finaste westernfilmen som någonsin gjorts. Visst har tiden urholkat en del av filmens kraft, men inte den höga, rasande prestationen från Wayne, inte heller rasismen i filmen som väcker ilska och ilska. Den drivande berättelsen om filmen, Ethan och hans sökande är tidlös, lika kraftfull idag som den var då, kanske mer eftersom så många av de subtila berättelsepunkterna nu är tydliga.

41. Pather Panchali (1955)

Filmen som förde fram indisk film till världen och gav film en av de bästa auteurerna, Satyajit Ray. Baserad på romanen om Bibhutibhusan Bandopadhay, berättar 'Pather Panchali' historien om en fattig familj som försöker trivas genom livets många motgångar. Man kan hävda att det romantiserar fattigdom, eftersom tittaren bevittnar de många prövningar som familjen möter och tjänar sitt uppehälle. Trots det är det ögonblicken, varvat med maestro Ravi Shankars musik som stannar kvar hos betraktaren. Det tillgivna förhållandet mellan Appu och hennes syster Durga, tågsekvensen, som är en av filmens höjdpunkter, tar filmen till en helt annan nivå. 'Pather Panchali' har genom åren blivit en av kultfilmerna och återkommer regelbundet i listorna över de bästa filmerna genom tiderna, och det är välförtjänt.

40. Casablanca (1942)

Den typiska amerikanska klassiska filmen. Det är kanske något så smittsamt med dess charm att du fortfarande blir kär i den, även under alla dessa år. Bortsett från dess enorma re-watchability faktor, dess minnesvärda partitur (As Time Goes By!) och enastående citerbara dialog ger ett starkt fall. Enkelt uttryckt är det en njutning när alla delar av en fantastisk filmupplevelse är närvarande i precis rätt mängd!

Handlingen är minst sagt enkel, nästan på gränsen till banal ibland. En cynisk, hjärtekrossad man som driver den mest kända nattklubben i Casablanca hamnar vid ett vägskäl när kvinnan han älskade dyker upp med sin man. Handlingarna här är de berömda transitbreven, men berättelsen handlar helt och hållet om de två älskande mot bakgrund av andra världskrigets tidiga skeden, och det svåra beslutet som Bogarts karaktär står inför, att hänga på eller släppa taget. Men som med många filmer i den här genren, gör utförandet susen och förvandlar 'Casablanca' till ett av de mest övertygande romantiska dramerna genom tiderna som också är otroligt välskådat; Humphrey Bogart och Ingrid Bergman är i toppklass och stöds skickligt av spelare som Paul Henreid, Claude Rains och Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

När man ser på film som en konstform går det inte att förneka Barry Lyndons perfektion, från vacker film, fascinerande scenografier, enastående musik till kraftfull regi. Som en berättelse berättar den om en ung mans liv i 1700-talets Europa när han klättrar upp för stegen mot aristokratin, bara för att ledas tillbaka av sitt olyckliga öde. Bilden har inom sig några av de bästa scenerna som någonsin filmats, och använder sig av ljus, färger, fysiska drag, etc. Det finns inget bättre sätt att sammanfatta en persons liv än att se objektivt på det, och det är det som denna film har gjort med hjälp av en opålitlig berättare. Det är kallt och avlägset och ger sällan publiken en chans att känna efter huvudpersonen. Ur detta perspektiv, Barry Lyndon är en påkostad karaktärsstudie, med rika karaktärer, en realistisk touch och ett poetiskt sätt att förmedla känslor. Det är helt enkelt bio när den är som bäst.

38. Generalen

En av de äldsta titlarna på listan, 'The General', tjänar som en påminnelse om att många moderna actionmästerverk sitter i en mycket lång skuggkastning av ingen mindre än det tysta komedi-geniet Buster Keaton. Med ett oeuvre lika imponerande som till och med Charlie Chaplin, byter den sistnämnde konstnärens älskvärda luffare plats med en kavalkad av härligt fåniga karaktärer i Keatons fall; allt omgivet av strånande filmisk nyfikenhet som tänjde ut gränserna för mediet i filmer som Sherlock Jr. och The Cameraman. Allt detta utan att ens nämna hans magnum opus, The General från 1927: Efter en konfedererad ingenjör som skyndar sig för att varna sin sida för de framryckande unionstrupperna under det amerikanska inbördeskriget. Dess berättelse bildar en mall för George Millers senaste 'Mad Max: Fury Road' och i stort sett alla katt-och-råtta-filmer som någonsin gjorts, bestående med dess roliga komedi, imponerande specialeffekter och bravad stuntverk som gör att Keaton sätter sitt liv i fara mer än en gång allt för hans kärleksfulla publiks hyllning. Generalen förblir en av, om inte den, finaste actionfilmen som någonsin gjorts – en som har kul med varje uns av sitt väsen och lyckas framkalla lika många fantastiskt hanterade ögonblick av episk skala för att konkurrera med alla CG-laddade spel som görs idag.

37. Blow Up (1966)

Tiden ? Det svängiga sextiotalet. Platsen? London. Staden som bländar och rasar. Livlig och glamorös. Sex, droger och rock'n'roll. Allt som allt, en dag i livet för Thomas, en modefotograf som lever ett liv av, ja låt oss säga tvivelaktig moral. Under en dag full av händelser, när han går igenom fotografierna av ett par som han fångade ganska i smyg i en park, upptäcker han en död kropp i den. Han går till samma plats och hittar kroppen som mannen från paret. Rädd kommer han tillbaka till sin studio för att hitta den genomsökt men med ett foto kvar, det av den döda kroppen. Nästa dag försvinner kroppen. Vem mördade honom? Och varför försvann kroppen? Varför kände Thomas att han blir förföljd? 'Blow Up' är regissören Michelangelo Antonionis klassakt som har inspirerat många filmskapare genom åren, inklusive Brian De Palma och Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Den svindlande, surrealistiska uppenbarelsen av kärlek och hjärtesorg har aldrig utforskats på det sätt och i den grad av framgång som 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind' gör. Frodigt med vackra bilder och uppfinningsrika partitur som liknar ljudspåret från en tyst era, det är omöjligt att förklara allt om 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Utan tvekan har filmen en berättelse som är svår att följa – men det är faktiskt enkelt när du väl börjar följa – det är en av de filmer som är rikt givande helt enkelt för att du inte kan stoppa dig själv från att svimma över det mycket genomtänkta konceptet och djupt röra. film som det är. Men den verkliga stjärnan i programmet är dess författare, Charlie Kaufman , som i form av 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind', mycket väl kan ha skrivit det mest djupt briljanta manuset någonsin i filmhistorien. En film som inte bara är unik på sitt sätt utan som också kan ses oändligt igen med något nytt att hitta inom varje visning.

35. Taxichaufför (1976)

I 'Taxi Driver' ger Martin Scorsese oss en av vår tids mest störda, osannolika men ändå nyckfulla huvudpersoner i Travis Bickle. Filmen följer honom när han blir taxichaufför för att klara av sin sömnlöshet och ser hur han sakta övervinns av all galenskap i staden omkring honom. Det verkliga sättet Taxi Driver vinner på som film är hur den lyckas smyga sig på dig, sakta arbeta sig igenom sleaze och skräck som verkar kränka Travis Bickle. I det förtjänar den med rätta sin utmärkelse som en psykologisk thriller mer än ett drama, som ofta arbetar på fler nivåer än bara de två. Filmen kan vara en störande klocka för vissa, på grund av dess mörka ämne, en ännu mörkare behandling och en handfull våld, men för tittare som är villiga att se förbi den är den inget mindre än ett briljant försök att förstå delen av filmen. mänskligt psyke som oftast härstammar från sig själv i form av vigilantism. Jag menar, vem funderar inte över att ta sig upp till vår tids inkorrekthet och ge tillbaka det? Det är den där djupt rotade fantasin om önskeuppfyllelse som 'Taxi Driver' leker med på ett mycket effektivt sätt. Filmen anses nu allmänt vara en av de viktigaste filmerna som någonsin gjorts och introducerade världen till kraften som var Scorsese.

34. Paths Of Glory (1957)

Innan Stanley Kubrick marscherade vidare för att utforska de oförklarliga aspekterna av samhället som inte bara överträffade tiden, utan också tittarnas förväntningar på sitt eget jag, gjorde han detta fängslande krigsstycke som jag rankar vid sidan av 'Come and See'. Till skillnad från den senare, utvinner Paths of Glory sin hjärtskärande tolkning av WW från samma ytlighet av mänskligheten, som dominerade Kubricks senare verk. I Kubricks värld är demonerna inte täckta av blod och lera, utan med medaljer och stolthet, och helvetet gräver ner sig på de heligaste platserna, domstolen. Vid en tidpunkt då industrin hade antagit den attraktiva 3-remsan, målade Kubricks monokroma kriget med en enda nyans. Kropparna, trasorna, barackerna, röken, askan, allt kamouflerat med den vanliga synen av plågsamma vånda.

33. Tre färger: Röd (1994)

Den sorgligaste delen av en konstnärs bortgång är när du tror att deras slutliga verk råkar vara deras största någonsin. Detta var fallet med den polske auteuren Krzysztof Kieslowski och hans sista film 'Red'. Kieslowski hade redan meddelat sin pensionering från filmskapande efter filmens premiär i Cannes 1994, men det är hans tragiska bortgång nästan två år efter att han tillkännagav sin pension som gör det ännu mer djupt sorgligt. 'Röd' är den sista delen i hans mycket hyllade 'Tre färger'-trilogi och handlar om en ung kvinna som stöter på en gammal man efter att hon av misstag slagit hans hund med sin bil. Den gamle mannen är en pensionerad domare, fristående från livet och alla slags känslor och spenderar sin tid med att spionera på andra människor. Ett osannolikt band med subtila romantiska undertoner utvecklas mellan de två. 'Röd' handlar om slumpar och tillfälligheter som drabbar oss varje dag och vår oförmåga att inse skönheten och betydelsen av det. Det finns en oförklarlig känsla av melankoli som går igenom hela filmen om tragedin med mänskligt öde och tid och hur vi som människor i världen alla är sammankopplade på ett eller annat sätt. 'Röd' är en häpnadsväckande bedrift inom filmskapande och är helt enkelt en av de bästa filmerna som någonsin gjorts.

32. Treasure of Sierra Madre (1948)

Som namnet antyder förknippar vi ofta skattjakt med det pulserande äventyret och den adrenalinkick som förknippas med det. Men det finns väldigt få historier som talar om de känslor som människor genomgår när de ger sig ut på en resa för att få det guldet. Det sägs ofta att motgångar tar fram din sanna karaktär. 'The Treasure Of Sierra Madre' berättar en historia där lusten efter guldet för med sig obehagliga förändringar i karaktärerna, vilket i slutändan resulterar i deras individuella ödeläggelse. Medan fokus ligger på girigheten som korrumperar samvetet, är det studiet av mänsklig karaktär under ogynnsamma situationer som stannar kvar hos tittaren. En tragisk berättelse om girighet och svek, den här filmen vann akademipriset för bästa regissör, ​​bäst anpassade manus och bästa manliga biroll. Med åren har detta blivit en kultklassiker för filmälskare runt om i världen.

31. Pulp Fiction (1994)

Pulp fiction, en term som betecknas för tidskrifter eller böcker som lyfter fram våld, sex och brottslighet. Dessa element fick tidningarna att sälja som heta pannkakor. Tarantino tog dessa element, blandade dem runt tre berättelser och skapade en berättelse som inte var mindre än ett filmiskt geni. En av de mest unika popkulturfilmerna som har gjorts, tittaren blir introducerad till maffiahitman Vincent Vegas värld, hans partner in crime och motormunnen Jules Winnfield, gangsterns fru Mia Wallace, boxaren Butch Coolidge och blir imponerad med dess stilfulla behandling av brott och våld. En av de viktigaste aspekterna av filmen som bidrog till dess framgång var Samuel L Jacksons framträdande. Som mördaren Jules Winnfield som citerar bibelverser som punchlines var han fenomenal. En av de största filmerna i denna tid, 'Pulp Fiction' har blivit en lärobok för blivande filmskapare över hela världen.

30. Slaget vid Alger (1966)

Få filmer har utövat bördan av politiken på ett sätt som berikar deras filmiska effekt, men överlåt det till den italienska mästaren Gillo Pontecorvo att ta den fortfarande sjudande flampunkten från det franska koloniala förtrycket av det algeriska folket i slutet av 50-talet och förvandla det till något. fullkomligt övertygande. De fortfarande framträdande paralleller som Pontecorvos beundransvärt neutrala observation av terror och terrorism begångna av båda sidor drar idag gör att uppleva 'Slaget om Alger' till en fascinerande intellektuell utmaning för vår förståelse av svart-vitt krigföring, a-la Miklós spetsande kyla. Jancsós outplånliga filmografi. Dessutom är dess redigeringstekniker för nyhetsfilmer ett landmärke inom filmisk kommunikation och använde i mitt sinne mycket starkare Nouvelle Vagues frenetiska klipptekniker än många av dess utforskande mastheads. En gång sedd, aldrig glömd - 'Slaget om Algiers' är helt enkelt en framstående del av världsfilmen.

29. Goodfellas (1990)

Det är en regissörs dröm att skapa en filmepok för perioden den är gjord i. Men för Martin Scorsese är det en vana. För varje decennium han har varit A-Lister har han gjort en film som anses vara en av de bästa under perioden. Han gjorde 'Taxi Driver' på 1970-talet, 'Raging Bull' på 1980-talet, 'Goodfellas' på 1990-talet, 'The Departed' på 2000-talet och 'The Wolf Of Wall Street' på 2010-talet. Och det är gangsterdramat från 1990 baserat på den sanna historien om gangsterpartnern Henry Hill som blev en av riktmärkena i genren. Filmen, som berättas i första person av Hill, beskriver hans uppgång och fall som en del av New Yorks maffia från 1955 till 1980. I motsats till all gangster-extravagans i 'Godfather' eller 'Scarface', handlar 'Goodfellas' om autentiska detaljer i det dagliga gangsterlivet, med fokus på lika mycket fokus på Hills relation med sin fru Karen som hans bedrifter med sina gängkamrater. Men Scorsese använder alla pilar i sitt koger av trick för att göra den här affären lockande, som detta legendariska långa spårningsskott , några minnesvärda dialoger och en explosiv handling av Joe Pesci som Tommy DeVito, Hills stormiga medarbetare. När det kommer till kriminalgenren är 'Goodfellas' hur bra som helst.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese är känd för att i sina filmer skildra historier om trasiga, felaktiga, ofta självdestruktiva huvudpersoner. Och han har ofta letat igenom historiens annaler för att hitta sina fallna hjältar i sanna berättelser. 'Raging Bull' är livsberättelsen om den legendariske boxaren Jake LaMotta, vars självdestruktiva och tvångsmässiga ilska, sexuella svartsjuka och djuriska aptit, som hade gjort honom till en mästare i ringen, förstörde hans förhållande till hans fru och familj. Filmen är helt och hållet inspelad i svart-vitt, för att verkligen skildra eran den utspelade sig i och den mörka, deprimerande stämning den definierade. Scorsese förväntade sig att detta skulle bli hans slutprojekt. Således var han mödosamt krävande i sitt filmskapande. Lika hängiven var Robert De Niro, som spelar huvudrollen. Han gick upp 60 pund och tränade faktiskt som boxare. Han insuper LaMottas kortvariga manér med brinnande perfektion när han helt sänker sig in i karaktären. Han fick en välförtjänt för sina besvär. Detta är Scorsese-De Niros största triumf. En intensiv, kraftfull magnum opus.

27. The Godfather: Part II (1974)

I den andra delens historia har få filmer varit kända för att leva upp till den förstas glans, lämna ensam överträffa dem i vissa aspekter. Om en lista med sådana filmer görs kommer 'The Godfather: Part II' att vara kronjuvelen. Att leva upp till arvet från den första var en enorm uppgift i sig, men den här fortsättningen av 'The Godfather'-sagan lyckades inte bara med det, den utökade också sitt arv till att bli en del av den största amerikanska historien om organiserad brottslighet som någonsin berättats. Filmen presenterar två parallella berättelser; den ena handlar om Michael Corleone som ny chef för Corleones 'familjeverksamhet', den andra visar upp en utmärkt Robert De Niro som en ung Vito Corleone, och hans uppgång till makten. De två berättelserna är skickligt vävda och ger en lockande berättelse som inte släpper sitt grepp om betraktaren en enda gång. Al Pacino gör några av sina bästa arbeten här, hans nyfunna blick nästan tuggar upp landskapet varje gång han dyker upp på skärmen. En av dessa nästan perfekta filmer som kan ses oavsett tid, plats och din senaste visning, och du hamnar fortfarande i total underkastelse och vördnad för den. Om del I är det heliga altaret, är del II brödet och vinet.

26. A Clockwork Orange (1971)

Det första som förmodligen kommer att tänka på när man blir ombedd att beskriva den här filmen med ett ord är 'störande'. Den enda filmen på listan som jag vågar återbesöka, tog mig själv med att rycka till flera gånger när jag såg den här filmen. 'A Clockwork Orange' är social kommentar när den är som mest kompromisslös, och ger skarpa bilder som man aldrig kan återhämta sig från. Det är mörkt, det är vridet och det ger inte förlossning för dem som söker det i en film med den förmodligen dystopaste tolkningen av en dystopi i samhälleliga termer. Och däri, tror jag, ligger filmens framgång med att driva ett störande budskap hem. Okonventionellt på alla sätt du kan föreställa dig, det förser oss med huvudpersoner som är illvilliga till kärnan och ägnar sig åt ultravåldshandlingar och våldtäkt; den kommenterar sakers sociopolitiska tillstånd på det hårdaste sätt du kan föreställa dig, försätter dig i ett tillstånd av förvirring när Alex DeLarge (spelad av en karismatisk Malcolm McDowell) utsätts för omänskliga sätt att rekonditionera och slutar lämna publiken i en långt borta från allt som denna störande upplevelse får dig att känna på en gång. Verkligen ett verk av Kubrickiska proportioner.

25. Vertigo (1958)

Berättelsen om 'Vertigo' går så här - den tidigare detektiven Scotty (James Stewart) lider av akrofobi på grund av en incident som hände i tjänsten. Han blir kontaktad av en gammal vän för att hålla ett öga på sin fru Madeleine som han tror är besatt. Inledningsvis skeptisk, Scottie blir snart självdestruktivt besatt av den vackra damen, som verkar vara mycket mer än hon låter. Alfred Hitchcocks briljans ligger i det faktum att hans bästa filmer, spännande att se första gången, verkar öppna ett nytt lager av förståelse för tittaren vid varje efterföljande titt. Visst, med en översiktlig blick, 'Vertigo; är ett välarbetat psykologiskt mordmysterium. Men när du tittar på det om och om igen, börjar dess teman om manlig aggression och konstruktion av kvinnlig bild i en mans sinne att utvecklas som en oändlighetslåda och uppsluka dig. Förmodligen den mest fint åldrande filmen som någonsin gjorts, den långsamma brinnande briljansen hos Vertigo vittnas av det faktum att filmen vid öppnandet för blandade recensioner anses allmänt vara en av de bästa filmerna som någonsin gjorts. Ett mästerverk från thrillers mästare.

24. Hiroshima, min kärlek (1959)

'Hiroshima mon amour' är född från den franske vänsterbankens visionär Alain Resnais, en film som gråter av transcendental kraft. Dess berättelse om tid sammanflätad med minnet och ärrbildningen av båda som ägde rum i Hiroshima under andra världskriget, berättad genom två personer - en fransman, en japan - när de försöker sätta ihop det rådande budskapet om den förödelse som orsakades där. Förutom att det inte finns något att vinna, intellektuellt eller känslomässigt, på en sådan dårskap. Det är ett arbete genomsyrat av internationell sorg – som sträcker sig längre än själva konflikten och in i de sanningar och förtryck som förföljer människor varje dag. Genom atomexplosionens efterklang hittar vi en liten del av det som är så fel på oss själva. Det faktum att Resnais helt enkelt förstår denna oberörda förvirring, snarare än att försöka fixa den, är det som gör 'Hiroshima mon amour' till ett av filmens stora mästerverk.

23. At Random Balthazar (1966)

Robert Bressons ödsliga mästerverk är en övning i känsla. Den avviker från att definiera en tydlig huvudperson eller ett centralt tema om du inte räknar med den mirakulösa naturens kraft som är Balthazar och om du tar filmen på nominellt värde, gör du det inte. Men om du tillåter honom att vara din tillgång till filmens känslomässiga och tematiska landskap, är det svårt att återvända från det obelönad. Balthazars säregna, magra och coola visuella stil verkar nästan glamorös i efterhand; dess lugna bräcklighet insvept i en resignerad, synnerligen klok känsla av kontroll. Till och med dess påtagliga ärlighet döljer en studerad ansträngning att hålla tillbaka lite, att i sin enkelhet i miljö och karaktär ge näring till en rikedom som lämnas åt publiken att upptäcka och i några hisnande fall föreställa sig. Eftersom skådespelarna talar så lite om sin situation upplever vi de slumpmässiga, orimliga grymhetshandlingarna och känner den kvävande sorgen för dem. I en form där även de mest skickliga artisterna bara strävar efter att höja tittarnas sinnen genom att anpassa sig till det beprövade, gav Bressons bilder mig en lyrisk mall att basera storleken på min medkänsla på, för att till och med bedöma hur medveten den medkänslan är. .

Allt detta för mig tillbaka till min ursprungliga tanke. Att tilldela varje ögonblick betydelse i 'Balthazar' beror inte på om vi antar att dess innehåll är allegorier av social eller till och med politisk karaktär, utan hur de gör oss känna genom att njuta av deras komplexitet och tystnad, istället för att förlita sig på den tanklösa utläggning de flesta filmer tar till. Det är alltså helt logiskt att huvudpersonen är den självbetitlade åsnan.

22. Andrei Rublev (1966)

Jag tror att 'Andrei Rublev' är det största exemplet på den ryske auteuren Andrei Tarkovskys idé om att skulptera i tiden. Mycket av hans senare arbete var abstrakt, eftersom han behandlade otroligt personliga teman och visualisering, som var utspridda över tidsperioder. Med 'Andrei Rublev' fångade Tarkovsky själva tiden och strök den sedan med de djupaste nyanserna av en konstnärs själ. Tarkovsky är förmodligen den enda filmskaparen som kunde uppnå den högsta prestationen när det gäller att skildra en konstnärs förtryck. Han utforskar Rysslands förtryckande regimer som är lika inhemska i landet som dess djupgående litteratur som överraskande nog har ifrågasatt de mest övertygande frågorna om det andliga och metafysiska. Många av Tarkovskys senare drag, inklusive att filma naturens flöde, kan observeras på Andrei Rublevs resa. Det är en film som filmar dig, krossar dig och får dig att tänka – både under film och långt efter att krediterna har rullat.

21. Äventyret (1960)

Hur känner du inför ett olöst mysterium? Eller en oavslutad historia? Söker du avslutning genom att desperat leta efter det? Eller accepterar du fakta och går sedan vidare? Handlar inte livet om? Kompromissa och gå vidare? Filmen som gav Michelangelo Antonioni erkännande över hela världen, 'L'Avventura' är berättelsen om en ung kvinna som försvinner under en seglingstur över Siciliens kust. Sökandet efter henne sammanför hennes före detta älskare och bästa vän och ett oroande förhållande börjar. Medan berättelsen vävs runt sökandet efter en försvunnen kvinna, är dess sanna syfte att konstruera en berättelse, utan att vara centrerad kring en stor händelse och ändå kunna fängsla publiken. De centrala karaktärernas verkliga motiv förklaras aldrig fullständigt och när filmen slutar tvingas tittaren acceptera att vissa händelser förblir oförklarade, precis som livet gör. Ett obestridligt mästerverk!

20. Andlös (1960)

Långt innan Quentin Tarantino slog sig vidare till den amerikanska indiescenen med sin vilda maverick-inställning till filmskapande som förstärkte fokus på stil framför substans, fanns det den här mannen vid namn Jean Luc-Godard som orädd tog sig an de traditionella filmiska grammatikerna och vårdslöst bröt dem ned, omdefinierar och formar filmer som vi ser det idag med en film som heter 'Breathless'. Kanske har ingen annan film lyckats fånga ungdomens flyktiga galenskap på ett sätt som 'Breathless' gör med sin hänsynslösa energi och berusande stämning. Den freaky användningen av jump cuts uppmuntrar premissens inneboende galenskap när Godard våldsamt armbågar dig bort från sina karaktärer och ber dig att fokusera på de fragmenterade aspekterna av handlingen istället för berättelsen som helhet. 'Breathless' är en av de viktigaste filmdebuterna i filmhistorien och även om den fortsätter att polarisera filmfiler och kritiker, går det inte att förneka det inflytande den har på modern film.

19. Sju samurajer (1958)

Akira Kurosawa är en av de mest originella, inflytelserika och refererade regissörerna som någonsin har levt. Roger Ebert sa en gång om Kurosawa. Det kan hävdas att den här största regissören gav sysselsättning åt actionhjältar under de kommande femtio åren och han kunde inte ha varit sannare. Sergeo Leones 'A Fistful Of Dollars', som sägs ha fött spaghettiwesterngenren, var inspirerad av Kurosawas 'Yojmbo'. Vår nuvarande ingång är också en teknisk och kreativ vattendelare och har inspirerat till otaliga direkta återberättelser, samt många visuella inslag i modern film . Det episka dramat krönikar historien om sju ronin (mästarlösa samurajer) som tar till vapen för att försvara en fattig civilisation som inte längre har en plats för dem från att attackera banditer i 1500-talets Japan, vilket kulminerar i en hård klimatstrid. Men briljansen med 'Seven Samurai' ligger i det faktum att den berättar en mängd välgjorda historier som sträcker sig över genrer inom huvuddramat. Det finns inslag av action, äventyr, romantik och uppkomst över hela filmen. Den består också av karaktärer lika rikt utvecklade som en sällsynt biff, som senare skulle bli stapelvara i flera genrer. Verkligen ett inspirerande konstverk.

18. Livets träd (2010)

'The Tree of Life' är den högsta formen av film: den berättar bara inte en historia utan syftar till att förändra ditt liv. Det är en film som kommer att ta tid att växa på dig, och när den gör det kommer du att ha svårt att inte hela tiden tänka på den. En filmisk dikt av extraordinär räckvidd och ambition, 'Livets träd' ber inte bara sin publik att observera, utan också reflektera och känna. Som enklast är det en berättelse om resan att hitta sig själv. När det är som mest komplext är det en meditation över mänskligt liv och vår plats i det stora hela. Det spelar ingen roll vilken tro du tror eller om du alls tror på en högre enhet. Den verkliga känslan av förundran i filmen uppstår ur den magi som livet i sig är. Den vackraste aspekten av filmen är att den blir bättre med tiden, som ett fint vin.

17. Närbild (1990)

Den bortgångne store iranske auteuren Abbas Kiarostami såg ofta skönhet och poesi i de mest absurt vardagliga episoder av människoliv. Med bedrägligt enkla intriger och naturalistiska miljöer utforskade Kiarostami universella teman som sömlöst översteg kulturella barriärer på grund av den typ av mänsklighet som hans biograf innebar var insvept i. 'Close Up' är utan tvekan hans mest fulländade verk och ett av de mest originella, uppfinningsrika verken av filmkonst som någonsin producerats. Filmen har formen av en doku-fiktion för att krönika den verkliga rättegången mot en man som imiterade den iranske filmregissören Mohsen Makhmalbaf. I rollistan finns personer som faktiskt var inblandade i rättegången och spelar sig själva i filmen. 'Close Up' är ett häpnadsväckande utforskande av mänsklig identitet sedd genom ögonen på en vanlig man som kämpar för att hantera sig själv och sitt liv och av desperat sorg och genuin kärlek till filmkonsten kliver han i sin idols skor för att vet hur det känns att verkligen vara levande, beundrad och respekterad. Det här är filmskapande av högsta klass.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bryssel (1975)

Denna franska avantgardefilm med Delphine Seyrig i huvudrollen som titelkaraktär är inte bara en filmupplevelse. Det är närmare en övning – ett test, och påverkar dig på ett sätt som få andra filmer har gjort tidigare eller senare. Det oberoende stycket fokuserar på tre dagar i livet för en ensam, orolig hemmafru, när hon går igenom sitt strikta schema fyllt av vardagliga hushållssysslor. Hon är en mamma och en änka som utför sexarbete för herrar på kvällen för att försörja sig. Problem uppstår när hennes rutin på den andra dagen störs något, vilket leder till en sorts dominoeffekt som återspeglas i timmarna efter det. Jeanne Dielman drar en in i sin långsamma och meditativa värld med Akermans distinkta regissörsignatur, som involverar diegetisk atmosfär och en hypnotisk aura framkallad av mästerverkets lugna, subtila och tålmodiga personlighet, som är en smärtsam hyllning till tillvarons monotoni.

15. Rashomon (1950)

En av de mest okonventionella och experimentella delarna av filmskapande för sin tid, 'Rashomon' tittar på mästaren i arbete och går ut med sina berättande färdigheter. För att uttrycka det enkelt är det en redogörelse för en incident som inträffade genom fyra vitt skilda synpunkter, de anklagades, offrens och de som påstår sig vara ögonvittnen. Den sticker ut på alla tekniska grunder med nästan felfri redigering och mästerlig regi, men filmen säkrar sina vinster på de tematiska frågor den behandlar; frågorna om existensen av en absolut sanning. Är sanningen verkligen så objektiv och orättvis som man låter den vara, eller är det någon subjektivitet relaterad till den? Normalt är det objektivt eller anses åtminstone allmänt vara det, utan till synes inga andra versioner av det. Den här filmen ifrågasätter det på ett sätt att tittaren själv lämnas irriterad med frågor, och kommenterar ofta hur människor ibland inte är helt ärliga mot ens sig själva. Det är så tematiskt komplext som det blir, men ändå till synes så enkelt som du vill att det ska vara.

14. Stalker (1979)

Att hålla sina mindre ättlingar, som inkluderar den enormt framgångsrika tv-serien 'Westworld', på avstånd, kan 'Stalkers' kolossala inflytande på visuellt berättande inte överskattas. Idéer – filosofiska, andliga och vetenskapliga – såväl som deras skickliga, härliga filmiska utforskning i 'Stalker' har fått sina intryck på många science-fiction som kommer efter den. Det är inte så mycket det glidande, tranceframkallande och punktvis abstrakta tempot eller den själsliga användningen av monokromatisk sepia utanför zonen och de präglande färgerna på platserna i Estland, som har speglats i filmskapare som Terrence Malicks arbete. och Lav Diaz, för att nämna några, men det bestående tålamodet och ödmjukheten. Tarkovskij lämnar till största delen över de filosofiska makterna till publiken och lämnar så mycket utrymme för tittarna att upptäcka flera metafysiska aspekter av filmen för sig själva, att även dess oöverträffade bokstavliga och visuella poesi verkar lika mycket ett påhitt av vår tillverkning som den är av hans och hans medarbetare'. Och ändå förblir filmen distanserad och guidar oss in i sinnets och hjärtats outgrundliga mysterier, och vi slutar aldrig med att reda ut dem, för den raka vägen är aldrig den rätta.

13. Fanny och Alexander (1982)

Nästan 35 år efter den första utgivningen är Bergmans sista regifilm lika fascinerande att dissekera som det var för kritiker över hela världen vid den tiden som alla verkade kämpa för att se till att deras åsikter om den blev hörda. Dessa åsikter var mycket mer splittrade än de är idag, men filmens plats i Bergmans filmografi verkar fortfarande svår att definiera. Det är till skillnad från, till ton, struktur och omfattning, allt Bergman hade gjort till den punkten. Men det är också en otvivelaktig sammanslagning av alla hans tematiska och visuella instinkter på kors och tvärs i denna livsbejakande gobeläng av en familj i början av 1900-talets Sverige. Dess pittoreska överflöd verkar locka all din uppmärksamhet vid första visningen med sina djupt uppslukande variationer av röda, gröna och milda, varma gula nyanser som bildar en så berusande färgpalett att dess frånvaro – när allt är draperat i vitt, svart och hårda blått – verkar straffande. Bergmans minutiöst utformade krönikor strålar av en familjepicknick och besitter förtrogenhet med mänskliga band som hållits samman i årtionden av genuin, bräcklig tillgivenhet. I denna generöst monterade återgivning av livet är både födelse och död tillfälligheter. I den lilla världen lever dessa karaktärer, liksom de flesta av oss, runt omkring glädjeämnen är allt man kan hoppas på och de räcker för dem, som de borde vara för oss. Är allt en illusion? Att se denna gigantiska ensemble göra sådana underverk kan man tycka det. Om det är det, tro mig, du vill inte att det ska krossas.

12. Apocalypse Now (1979)

Det finns krigsfilmer som visar krigföringens krångligheter (som 'Enemy At The Gates'), några andra som avskyr och avskyr föreställningen om det (som 'The Pianist') och så finns det den djärva 'Apocalypse Now', som inte erbjuder något åsikt eller slutsats, utan avslöjar istället en grafisk skildring av krigets fasor samtidigt som man glorifierar de soldater som tar del i det. Debatten rasar till detta datum om 'Apocalypse Now' är pro-krig eller anti-krig. Älska det eller hata det; det säkra är att du kommer att komma ihåg det. En av de mest problematiska produktionerna i Hollywoods historia, författaren och regissören Francis Ford Coppolas sista klipp slutade med hans mest tekniskt briljanta verk. Förutsättningen är enkel – kapten Willard måste avsluta med extrema fördomar överste Kurtz som har tagit sig in på fiendens territorium och blivit AWOL. Men det är Willards försvagande resa över Vietnams upprörande slagfält (förhöjt av Vittorio Storaros hisnande film) som förblir etsad i medvetandet långt efter att krediterna rullats. Med den ena minnesvärda scenen efter den andra och definitiva framträdanden av Martin Sheen som Willard, Marlon Brando som Kurtz och Robert Duvall som 'napalm-entusiasten' Överstelöjtnant Kilgore, handlar 'Apocalypse Now' som Coppola med rätta påstod inte om Vietnam. Det är Vietnam.

11. De 400 slagen (1959)

François Truffauts 'The 400 Blows' är ett verkligt konstverk som härrör från verklig smärta. Ett verkligt uppriktigt och djupt personligt verk, dedikerade Truffaut filmen till sin andlige far och internationellt hyllade filmteoretiker André Bazin. Truffauts egen barndom var tydligt självbiografisk till sin natur, och det återspeglas mycket tydligt i filmen. På utsidan handlar filmen om ungdoms- och ungdomsbrottslighet som ofta drivs av samhällelig och föräldrarnas vanvård. Titta lite djupare så hittar du en film om hopp; hoppas det är både intensivt och terapeutiskt. Antoine Doinel, huvudpersonen, är på något sätt en skarp representation av själva samhället, ett samhälle som döljer sina egna misslyckanden bakom regler, straff och bedömningar. Filmen rinner som en flod och tar publiken med på en resa av hopp, förtvivlan, empati och till och med ren ilska. Om du någonsin velat se hur ett mästerverk ser ut, leta inte längre än 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch är ingen filmskapare. Mannen är en drömmare. Och 'Mulholland Drive' är den största dröm han någonsin drömt. En dröm som kapslar in varje känsla som omfattar människans existens. Det är svårt att förklara eller beskriva en film som 'Mulholland Drive' eftersom det här är en film om upplevelsen och vad du tar från den snarare än en handlingsdriven på ett konventionellt narrativ som matar dig med svar som du gärna skulle kunna ta hem med. Lynch har ofta sagt att hans vision för en film i grunden bygger på många idéer och känslor. Och detta blir en inkörsport till att förstå en film så komplex och skiktad som 'Mulholland Drive'. Det är en labyrint av drömmar, ambitioner, önskningar och mardrömmar. Lynch vet vad som skrämmer oss mest och vad som driver oss till ren galenskap. Och det är denna oroväckande intima reflektion av det mänskliga undermedvetna som gör 'Mulholland Drive' till ett så djupt upprörande konstverk. En som omsluter dig med en känsla av värme och ömhet innan den skär rakt igenom din skalle.

9. Cykeltjuvar (1948)

Enkelhet är den ultimata sofistikeringen – Leonardo Da Vinci. En av de svåraste uppgifterna inom filmskapande är att ta reda på när man ska avsluta sin film. Slutet i Bicycle Thieves är så tonmässigt i synk med början, när vi utgår från Antonio, en vardaglig man som dyker upp från mängden till Antonio, en vardaglig man, som skingras i mängden. Livet i efterkrigstidens Rom hade förvandlat vardagen till en kamp, ​​och det fanns knappt någon som tog sig ur detta träsk av elände. Det finns väldigt få filmer som ger en så djup inblick som Bicycle Thieves. Det är en film som kommer att krossa ditt hjärta i bitar och ändå inspirera dig att leva livet fullt ut. Sällan är en film så enkel i sin premiss så briljant effektiv i sitt budskap. Det är praktiskt taget omöjligt att glömma filmen när man väl har sett den. Även om filmens största prestation ligger i hur många oberoende filmskapare den inspirerade, som fram till denna dag citerar 'Bicycle Thieves' som sin inspiration.

8. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' är vad varje filmskapare som vill berätta en meningsfull historia strävar efter. Uppenbarligen kommer alla till korta! Det finns inget bättre exempel på en film som återger en episk historia på ett så enkelt men mästerligt, effektivt och oförglömligt sätt. Med 'Tokyo Story' uppnådde Yasujiro Ozu något som är drömmen för varje levande filmskapare: att för alltid bo i publikens hjärta och sinne. Alla som har sett 'Tokyo Story' vet vad jag pratar om. Filmen berättar historien om ett åldrande traditionellt japanskt par som besöker sina barn i Tokyo bara för att komma till den hårda insikten att deras barn är för upptagna med sina liv för att ta hand om dem och har växt oerhört långt från dem, kulturellt och känslomässigt. . Det som också är så bra med filmen är dess universella tema som vem som helst, var som helst kan relatera till. Ozus filmskapande stil säkerställer också att du är uppslukad av en berättelse som ger djupgående insikter i det föränderliga mänskliga psyket med föränderliga tider. Helt enkelt lysande!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' är helt enkelt den största kärlekshistoria som någonsin satts på film. Period. Det kunde så lätt ha varit en pjäs eller till och med poesi. Med vackra, fängslande bilder och utsökt, själsgenomträngande musik berättar 'In The Mood For Love' den komplexa historien om två enkla individer. Två individer som går igenom rädslan och lockelsen att bli kär; och en gång kär, den rena smärtan av att lämna det ofullständigt. ’In the Mood for Love’ skildrar kärleken i sin mest sårbara form. Och genom att göra det avslöjar det våra egna sårbarheter och hur hjälplösa vi är inför kärleken. Det är sällan en film som är så diskret och så reserverad har en sådan effekt efter visning.

Jag är inte säker på om regissören Wong-Kar-Wai hade för avsikt att göra filmen han gjorde, med tanke på att han oftast spelade in filmen utan manus. Om man tittar på historien är de mest avgörande konstverken lyckliga olyckor. Räkna 'In the Mood For Love' bland dem.

6. 8 1/2 (1963)

Nummer åtta och en halv i den italienska maestrons filmografi, detta svällande, ljuvliga epos av fantasier, mardrömmar och en alltför grumlig verklighet är som en biscotti – resolut absurd i sin form och bakad på ett sätt som inte tillåter att sluka den helt i en gång. Dess skrämmande, rastlösa kameraarbete komplimenterar Fellinis medvetna vision av en filmskapare som försöker kanalisera de många förändrade upplevelser han har haft under loppet av sitt knutna liv i sin nya film. Hur halvsjälvbiografiskt det än må vara, blåser '8 1/2' sig förbi sin publik med all sin förtjusande komplexitet intakt i en så radikal takt att jag fann mig själv försöka dekonstruera dess skickligt komponerade bilder i syfte att hitta min egen plats i Fellinis höga specificitet, men kunde aldrig landa stadigt på marken.

Genom att utnyttja Marcello Mastroiannis skuggade gravitas kan Fellinis rena elektricitet vara överväldigande. Du hänger på din uppfattning om ett visst ögonblick och känner igen dess kvava rikedom bara för att upptäcka att filmskaparen har gått vidare till en annan fladdrande, ljuvligt balanserad sekvens. Hans idéer om konstnärer och deras förbryllande, löjliga besatthet av sig själva kan verka föråldrade – eller ännu värre, irrelevanta – men fräckheten i deras konstruktion och uttryck går aldrig förlorad för oss. Den förhäxar och förför oss, tillåter oss aldrig att ta blicken från den och glider sedan mellan fingrarna när det går upp för oss att vi aldrig haft det i vårt grepp. Fellini skiljer sig inte mycket från den klärvoajanta Maya i filmen som verkar veta vad alla tänker: en färdighet som hennes assistent tillskriver telepati. När vår huvudperson, Guido, frågar assistenten om hur hon gör det, konstaterar han tydligt: ​​Det är delvis ett trick, och delvis verkligt. Jag vet inte, men det händer. Inga ord kan vara mer passande att beskriva filmen med.

5. Person (1966)

Jag tror att det är säkert att säga att 'Persona' på egen hand bröt bio. Som en skräckfilm på ytan är Ingmar Bergmans klassiker från 1966 mer en studie av individuell identitet än något annat. Med hjälp av innovativa redigeringstekniker, skarpa kameravinklar, kalla uttryck, uppslukande dialoger och fantastisk regi, berättar den här filmen på ett så perfekt tvetydigt sätt som möjligt historien om en berömd skådespelerska som tappar rösten och sjuksköterskan som tar hand om henne i ett avskilt hem, där deras särpräglade personligheter sakta börjar smälta samman med varandra. Som regissörens mest filmiska satsning ser 'Persona' till att vrida på alla konventionella regler för filmskapande för att försöka få fram en fräsch och fängslande upplevelse. Med något av det bästa skådespeleriet någonsin på celluloid, hjälper filmens atmosfär oss att uppskatta frågorna vi har om den genom att smart flytta vårt fokus till hantverket som sätts i spel. Det finns helt enkelt ingenting som 'Persona', och det kan mycket väl vara ett faktum.

4. Gudfadern (1972)

Kanske den mest inflytelserika filmen som någonsin gjorts. En av de sällsynta anpassningarna som faktiskt är bättre än källmaterialet – i detta fall Mario Puzos roman med samma namn – filmen har bestått genom tiderna och är en klassiker i ordets rätta bemärkelse som bara blir bättre för varje visning. Filmen berättar om en maffiafamilj under Don Vito Corleone och fokuserar på hans sons övergång när han tar över familjeföretaget efter patriarkens bortgång. Utan tvekan är framträdanden en av de största styrkorna med den här filmen, med storheter inklusive Marlon Brando som Vito Corleone och Al Pacino som Michael Corleone som omdefinierar skådespelarstandarden med sina framträdanden. Allt annat, särskilt manuset och stämningssättningen film och partitur, förväntas vara A-grad och genredefinierande. Med rätta finns det inte en cinefil som inte har sett detta mästerverk av en film. Det är altaret dit vi går för att be.

3. Citizen Kane (1941)

Den amerikanska filmens heliga gral. 'Citizen Kane' definierade nästan varje aspekt som omfattar filmkonsten. En film som bröt otaliga konventioner inom filmskapande bara för att skapa nya. Redan från dess banbrytande tekniker inklusive ljuset, ljudet och det visuella till dess mycket innovativa berättarstil, förändrade 'Citizen Kane' sättet på filmer gjordes. Filmen är en djupt djupgående karaktärsstudie som tar formen av ett mysteriumdrama i att avslöja sanningarna om livet för en gåtfull förlagsmagnat vars sista ord har väckt en reporters intresse. Han ger sig ut på en resa och utforskar en människa som en gång började sitt liv med råa ambitioner och önskningar men som snart skulle ge efter för girighetens och auktoritetens förföriska krafter. 'Citizen Kane' är ett oerhört kraftfullt konstverk som svepande i sin utforskning av djupa teman och fångar de oändligt komplexa känslomässiga aspekterna av att leva livet som människa.

2. The Mirror (1975)

Kan konst någonsin vara så personlig att man inte kunde särskilja den från dess skapare? Det här är en fråga som slog mig när jag först såg Andrei Tarkovskys 'The Mirror'. Det här är ett konstverk där konstnären helt ger sig på sitt verk som du inte kan skilja mellan honom och det arbete han gör. Det är nästan som om Tarkovsky andades hela filmen. Författare har gjort sina mästerverk genom att förändra och forma film så som vi ser det idag, men Tarkovskij tog ett steg bortom det och nådde det ouppnåeliga; ge liv åt sin konst. 'The Mirror' är bara en andningsfilm. Du kunde se Tarkovsky, hans familj, kulturen han växte upp i. Faktum är att du kunde se dig själv i den, din mamma och det är den här känslan av Deja Vu som slår dig när du tittar på dessa platser. Det är nästan som om du har varit där, kanske i livet eller i en dröm borta någonstans. Och för en konstnär att skapa något som är personligt och intimt är något som verkligen går bortom ord. Det är en film som underbygger det vi alltid visste: film är den största konstformen.

1. 2001: A Space Odyssey (1967)

Som alla andra poster på den här listan är '2001' också en lektion i filmskapande. Flera filmskapare, inklusive sådana som Christopher Nolan och Denis Villeneuve, har talat om hur filmen har varit deras inspiration. Så, ja, filmen är ett tekniskt under. Men det är inte därför filmen toppade den här listan över så många fantastiska filmer. Den sitter högst upp för att det är en film som vågat gå till en plats där ingen film har gått förut. För helvete, ingen visste ens att det fanns ett sådant ställe dit bio kunde sikta på att gå. Och om filmkonsten någonsin krävde ett skäl eller ett bevis för att bekräfta att dess syfte med existensen är mycket mer än bara underhållning, så är den här: den ytterst övertygande och ytterst mytiska '2001: A Space Odyssey'.

Stanley Kubrick vidgade filmens horisont med nästan alla sina filmer. Med '2001: A Space Odyssey' gav han också en ny mening till vad film kan åstadkomma. Majoriteten av filmskapare använder film som ett medium för att berätta en historia. Men Kubrick använde film för att ifrågasätta. Vad frågade han? Allt, från Gud till syftet med vår existens. Medan '2001: A Space Odyssey' är en mycket intelligent science fiction-film i sig, är den också så mycket mer. Jag tror att det är en film som är mer av en filosofisk strävan att avgöra om Gud finns. Snacka om att sikta högt!