25 största kortfilmer som någonsin gjorts

Det finns många som inte kan avsätta 90 till 120 minuter om dagen för att titta på en film. De är upptagna och har olika uppgifter att bry sig för tiden. Tja, kortfilmer är en perfekt upplösning för sådana människor. Det finns människor som överväger alternativ i olika konstformer men hardcore-filmbuffarna måste ha en visuell filmliknande upplevelse och jag är i slutet av spektrumet, tro mig att jag vet vad de går igenom. En film eller en film är en serie stillbilder när de visas på en skärm som skapar en illusion av rörliga bilder och det finns ingen tidsbegränsning alls.

Som en ivrig lärare måste du förstå att allt börjar med en kortfilm, ett experiment för att mäta din egen talang och underhålla samtidigt. Några bra kortfilmer har påverkat och definierat film i en utsträckning som många inte är medvetna om och de fångar vanligtvis en blommande regissörs essens sublimt. Med begränsningarna vid din sida och filmlöshet, har du alltid möjlighet att utforska kortfilmer och några av de största filmerna hade tagits fram efter de korta filmerna. Det finns tusentals kortfilmer på nätet, med inte alla nödvändigtvis av kvalitet och det är uppgiften att söka med den minimala informationen om dem helt uppenbart på grund av den minsta exponeringen.

Nu som en skräckfilm-fan tenderar jag alltid att leta efter shorts som skramlar på mig och inte bara tjänar syftet att skrämma mig, du måste vara överens om att hoppskräcken bara är spännande under deras varaktighet men har ingen minnesvärd effekt. Psykologiska eller atmosfäriska skräckfilmer är vanligtvis det bästa av partiet och trots deras relativt låga budget är det svårt eftersom de kräver finess genom teknik, medan tekniken kan vara av visuella bilder eller berättelser eller föreställningar.

Med det sagt, här är listan över de bästa kortfilmerna någonsin som kommer att blåsa dig. Du kan titta på några av dessa bästa kortfilmer online på Youtube, Netflix, Hulu eller Amazon Prime.

25. Kod 8

'Code 8' producerades 2016 av Stephen Amell (Arrow) och Robbie Amell, regisserad av Jeff Chan som också gjorde 'Operation Kingfish', prequellen kort till Call of Duty: Modern Warfare 2. Amell-bröderna och Chan gjorde detta kort filmen som en teaser för en fullängdsfunktion som de hade planerat, och avsåg att använda den här videon för att få deras projekt crowdfunded. Beslutet att gå längs indievägen var att utöva fullständig kreativ kontroll på deras film, eftersom produktionshusens inblandning med filmer har ökat kraftigt. Anledningen till att jag gillade det var att det inte går vidare med sina cyberpunkelement, det vilar någonstans mellan vår värld och det i 'Blade Runner', som liknar Carpenters 'Escape from New York'. Filmen har också ett liknande koncept som 'X-Men' med en minoritet av muterade människor som står inför tyngden av den exklusivt förtryckande regeringen.

24. Jiminy

Människor som känner till karaktären av Pinocchio måste vara medvetna om Jiminy Cricket, och det är här filmen får titeln från. Nu har historien om Pinocchio två versioner, den ursprungliga som är dyster och störande och den av Disney tonad för en bredare publik. 'Jiminy' är en futuristisk återföreställning av en värld där människor har cricketliknande kontrollchips som ger dem ett alternativ för att utföra varje uppgift till perfektion. Chipsen på ytan verkar vara mycket hjälpsamma och stödjande som Disneys version, men när vi fortsätter förstår vi omfattningen av kontroll som de har på människors tänkesätt och förvandlar dem till ett mentalt ihåligt tillstånd i sitt underskott.

23. Darth Maul: Lärling

När jag gick igenom olika kortfilmer var detta ett namn som jag vanligtvis inte skulle ha valt på en miljon år. En fan skapade en '21st century' Star Wars-film, man kan bara förvänta sig det minsta av det. Men jag blev förvånad över kvaliteten på filmen och för att vara ärlig är detta ett av de bästa live-action ”Star Wars” -arbeten jag har sett. Som en Star Wars-fanboy föraktade jag behandlingen av Darth Maul som var begränsad till en språngbräda för den hemska Anakin Skywalker-utvecklingen. Här får vi se den skickliga krigaren växa till en Sith-herre och dödar det som liknar en vag version av Obi-wan och hans lärjungar i processen. Kampscenerna är mycket väl koreograferade och utförs med smidighet som förväntas av människor som har ägnat sina liv åt konsten.

22. Kung Fury

Jag vet inte vad som lämnade mig mer uppfriskad efter att ha sett 'Kung Fury', hyllningen till 80-talets retrounderhållning med sin groovy syntetiserade atmosfär eller det faktum att jag äntligen hittade källan till 'Hackerman' memes. Kortfilmen av David Sandberg sträcker sig in i den fantasiserade framtiden och parodierar också liknande filmer från retro-eran. Kung Fury, vår hjälte blir slagen av blixtar som gör honom till en oslagbar kampsportkrigare, och det som följer är något du bara tror om du kolla in det. Filmen spelas bäst med en upplösning på 240p, så att du kan låta dig uppslukas av VHS-nostalgi, och om det inte räcker, gör riddarföraren David Hasselhoff en komo också.

21. Frankenweenie

Tyvärr såg jag denna 30 minuters klassiker av Tim Burton före det 21: a århundradet efter att ha satt i 90 minuter genom 'Corpse Bride' rippad version. Det var den tiden då Burton inte fyllde varje tum på skärmen med en expressionistisk palett inspirerad av era. Denna kortfilm fick regissören sparken eftersom Disney ansåg det vara olämpligt för den riktade unga publiken. Det fungerar som en modern återgivning av Frankenstein med en hund som återuppväcks av sin hjärtskakade unga vän. Hunden har varit människans mest trogna vän, och man kan fråga vuxna hur mycket deras barndoms husdjur betydde för dem, och om de skulle göra något för att rädda det. Även om vuxna kan komma överens med döden, men barn kan inte och detta ger en mycket solid grund för filmens syfte.

20. Nostalgisten

'The Nostalgist' kan verkligen skymma nostalgi över fans av Steven Spielbergs 'A.I. Artifical Intelligence ”. Filmen äger rum i en dystopisk värld där människor kan använda modifierade visirer som presenterar en virtuell verklighet. Filmen presenterar bandet mellan en far och son och fick mig att tänka på hur termen 'far-son' är mycket subjektiv. I själva verket kan den ena älska och ta hand om den andra som en far, och den andra kan återvända den respekt som är förknippad med söner. Även om den är 17 minuter lång, tillsammans med de senaste sci-fi-filmerna, ignorerar den här vad som anses 'förutsättningar' för att vara i ett förhållande.

19. Jag är här

Jag läste Shel Silversteins 'The Giving Tree' när jag var liten och även om jag stötte på olika versioner av den, står ingen så hög som Spike Jonzes kortfilm. 'I'm Here' spelar Andrew Garfield som en robot i en värld där de behandlas som underlägsna, de 'missbrukas inte' utan betraktas som freaks. Garfield's Sheldon är en introvert som lever ett monotont liv, som liknar Theodore från 'Her', som modellerades efter detta. Sheldon blir kär i den hänsynslösa roboten Francesca som är den polära motsatsen till honom, och filmen utforskar hans ovillkorliga kärlek till henne. Till skillnad från berättelsen är Francesca inte självisk, hon gör oskyldiga misstag som kostar paret mycket.

18. Elektronisk labyrint: THX 1138 4EB

Även om George Lucas är känd för att starta Star Wars-serien, förblir hans debutfilm 'THX 1138' hans bästa verk och en av de bästa science fiction-filmerna genom tiderna. Förutom att vara en chillande skildring av den orwellska världen, hjälpte filmen till att starta en kategori av filmer som blandade sci-fi med social satir. ”Electronic Labyrinth” är grunden för funktionen, och Lucas gjorde det för sitt filmuniversitetsprojekt. Även om det kanske saknar kvalitet på grund av en kort budget, fick Lucas tillgång till begränsade marinkvarter och därmed känns det som en projektion av en avlägsen värld.

17. En resa till månen

Det har gått 115 år sedan En resa till månen gjordes, ta en stund och låt den sjunka in. George Melies skildrade rymdresor 1902, decennier innan den första raketen som kunde täcka långa sträckor till och med byggdes, och mer än en halv århundrade innan någon ens kom med designen som kunde skicka människan till rymden. Om detta inte räckte avbildade han till och med Martian som liknade utomjordingar på skärmen. Melies var en sann visionär och hans arbete indikerar tidig surrealism och magisk realism, och hans förälskelse i geometri är nästan hypnotiserande. Den finns i både svartvitt och färgversion på YouTube, och jag skulle rekommendera den förra eftersom den senare känns rånad av äkthet på grund av den eviga restaureringsprocessen.

16. Jetee

Jag antog en situation, antar att Chris Marker såg La Jetee på en lokal teater en dag som barn, och år senare om han skickades tillbaka i tiden och skulle ha insett att han var skaparen, skulle han förändra hur filmen var gjord? Jag hörde att han inte hade råd med en videokamera och valde därför att kompilera stillbilderna, vilket jag tycker synkroniserar mycket bra med den plötsliga tidflödet ur huvudperspektivets perspektiv. Intressant nog, enligt sin egen skapelse kunde han inte, för oavsett hur vagt och metafysiskt tidsresan är i filmen finns det helt enkelt ingen flykt från nuet. Ditt existensplan är begränsat till nuet, vilket förmodligen är det enda som betyder något, för det är det enda som kan påverka dig. La Jetee är experimentell, det finns knappt något realistiskt med filmen; förutsättningen, processen, kärleken, allt är bara en övning i bedrägeri.

15. Alexia

Börjar med 'Alexia', en argentinsk kort med en dominerande social media-cyber-skräckplott. Den har en övernaturlig redogörelse för händelser, som saknar visshet, men kompenserar för sina brister med stor uppmärksamhet på detaljer. Alexia var en tjej som begick självmord efter att hennes pojkvän (ledningen) släppte upp med henne och vi ser honom gå igenom hennes profil, ett tecken på skuld och tillgivenhet som troligen finns inom. Efter att ha pratat med sin nuvarande flickvän på nätet bestämmer han sig för att göra vän med Alexia, vilket resulterar i att hans dator går i höjled och meddelanden från den döda Alexia inklusive en bild som rippats från 'Ringu'.

Kameran och redigeringen är fenomenal med närbilder som fångar den fullständiga förvirringen i ledarens ögon och hans ökande ångest genom fingrarna och den fördröjda markörrörelsen. Kameravinklarna och omkopplingen är något överdrivna men de begär rätt uppmärksamhet och lyckas skapa en förvirrande stämning. Tekniskt sett är filmen väldigt sund, med VFX trots att budgeten inte bedrar publikens intellekt, spöket och irisskottet är fina prestationer. Alexia visar sig vara mer än bara ett virus som förstör datorn och utsikterna i slutet är skrämmande och får dig att fundera över ledningens öde. Manuset är inget bra och det förlitar sig på hoppskräcken, men filmens sanna inverkan sker bara när man berättar om det på en mer vanlig nivå och tänker på det utan att lutas mot den övernaturliga aspekten.

14. Den le mannen

'The Smiling Man' slår ett barn mot djävulen, och barnet har inga superkrafter eller förmågor som är karakteristiska för en Hollywood-film. Nej. Barnet är tänkt att konfrontera rent ont och födelsens födelse, eftersom ordet 'rädsla' blir begränsat till spöken och häxor under barndomen, och allt detta sker mitt i döden. Jag har ingen avsikt att diskutera handlingen eftersom det inte finns något möjligt sätt att fokusera på viktiga plotpunkter under dess 7 minuters körtid eftersom det helt skulle förstöra upplevelsen.

Intrång är ett rutinmässigt ämne för skräckfilmer och det som gör att vissa av dem sticker ut är hur de skjuts. Redan från början får du ett intryck av närvaron av en övernaturlig kraft, men vad du upptäcker är en fysisk utföringsform av den och inte en gasig varelse eller en osynlig närvaro. Den använder alla knep i boken för clowner för att locka barnet mot en mycket olycklig händelse, och denna behandling kan inte utgöra hoppskräck men det stör dig, och en skräckfilm fungerar bara när den dröjer kvar i ditt sinne efter att du är klar med Det. Denna film är inte föreskriven för någon person som tenderar att vara orolig i sällskap med clowner.

13. Han tog av sig huden för mig

Att bara placera det under skräck skulle vara synd. Detta är den del av listan där vi lämnar utsliten konventionell skräck åt sidan och fokuserar på skräck som orsakas av materia och dess realistiska egenskaper. Den 12 minuter långa kortfilmen följer titeln och fokuserar på en man som tar av sig huden för att bevisa sin kärlek till sin flickvän. Den hudlösa huvudpersonen är förstärkt av fantastisk smink och nollanvändning av CGI, en syn att se (när det gäller teknik för publiken och känslomässigt för sin flickvän, som inte kan uttrycka sin reaktion på hans överväldigande skönhet). Den hudlösa killen kommer under din hud (ordspel avsedd), men detta dräneras långsamt av parets acceptans för den situation som fungerar riktigt bra som en mörk komedi. Längre in i filmen växer spänningen och modet börjar slita och lämnar spår av det överallt, spår som de inte vill känna eftersom de inte är bekväma med det längre.

Filmen är härlig med felfri skrivning, skådespel och kamerafunktion (närbildscenen av stekt kött och det långa skottet av avtryck över hela huset är mycket smart) och kan tolkas som en metafor för öppenhet. Genom att ta av sig huden visar ledningen allt och förblir ärlig mot deras förhållande genom att öppna upp trots att hans partner inte återger. I början blir de mer intima med sanningen som höjer deras band men när tiden går framåt märker vi självbelåtenhet i honom, eftersom hans partner bara hjälper till att lösa sina frågor men aldrig följer honom, till den punkt där det finns en uppenbar spänning mellan dem vilket resulterar i chockerande sista scenen.

12. Canis

Canis är en horror-kortfilm med stop motion som kretsar kring en pojke som fångats i ett hus omgivet av hundar som skulle ha varit det perfekta husdjuret för ghouls i 'Night of the Living Dead'. Det är dyster, hjärtskärande och är ett stort NEJ för människor som inte kan stå ut med våld på grund av den otänkbara utforskningen av blod, men detta bör inte låta dig distrahera dig från det mästerverk det är. Inställningen känns post-apokalyptisk på grund av de överlevande punkter som konservering av mat, civilisationens ruiner, människans födelse, rasande djur och den bleka monokroma.

Karaktärerna gjordes av tråd, tyg och trä och väcktes till liv (ett mycket hårt uttalande) genom stop motion-tekniker av Anna Solanas och Marc Riba. Trots sin nihilistiska ton har den ett slut som med rätta klassificerar detta som en saga, med 'fe' -delen lika dominerande som en nypa blod i havet. En äldre berättelse som skulle få en 'R!' betyg som handlar om våldtäkt, artsdysfori, mord på en älskad, manätare och avskärda kroppsdelar. Det är allt annat än en film för barn. Tekniskt sett kan det bara förbättras med valet # 1 på den här listan med oklanderlig detaljinformation om produktion och ljuddesign, varje ärr är skuret med perfekt mängd galenskap och ett enda blick kan förmedla historien bakom det.

När han flyttar till tomten överlever Teo med sin hund och en gammal man (som möjligen kan vara hans farfar) och har svårt att komma överens med gravitorna i situationen de sitter fast i. Allt förändras när ett misstag leder till hans vårdnadshavares död vid de vilda hundarnas käkar, och han måste ta steget upp för att skydda honom och sin hund genom att döda inkräktare. Han våldtages av en kvinna som klär sig ut som en hund för att överleva och måste tillgripa att äta hundkött, medan vi ser att hans hund blir allt mer rastlös och vild på grund av motgångar och det enda som skiljer den och de andra manätarna är bara ett utseende. Berättelsen utvecklas till en jämn grotesk och oroande fas som äntligen indikerar fullbordandet av Teos omvandling till en man, redo att ta på sig världen.

11. FUCKKKYOUU

'FUCKKKYOUU' är en störande surrealistisk film och ett bevis på påverkan av Lynchian-skräck. Skottet i kornig monokrom med suddiga syner och partituret av Flying Lotus som spelar symfonierna 'Eraserhead', det här är en film Lynch skulle vara stolt över. Filmen börjar med en orientering som påminner om 30-40-talets skräckflickor och en vansinnad varelse som liknar 'The Elephant Man'. Jag fann det svårt att konstruera en teori som förklarade händelserna och mina hjärnceller lockades helt av Element of Surprise, och jag var tvungen att hänvisa till virtuella källor. Filmen kretsar i grunden kring en humanoid varelse som kämpar med sin identitet och kön när den ställs inför avstötning som äger rum genom utbytbara tidsperioder, det förflutna förfaller av verkligheten efter det att den vändes av den injektion som vi visas i början.

Filmen är fylld med skrikande smärta och tjutande förtvivlan, med den själlösa musiken som verkligen kan störa skiten från någon förnuftig person. Filmens titel är ett inre skämt, och det kom upp under en session där Flying Lotus jammade ut låtar slumpmässigt och en av dem lät som 'F * ck you'. Det kan också tolkas som det sista ropet från det muterade väsen, ett passande svar på de växter som rivs igenom honom. Eftersom jag är förlorad för ord kan jag bara be dig att kolla in det själv eftersom upplevelsen är nittande och även om du kanske slutar göra någonting av det, kommer det att blåsa ut din hjärna. Ta mitt ord för det!

10. Skärmoment

Jag skulle ha lagt 'Cutting Moments' lite högre på listan på grund av dess mycket störande grafik och ämne, men 'The Big Shave' som en viktig inspiration för detta hade en större inverkan vid en tidpunkt då bara Peckinpah vågade använda färg röd mer än vad som ansågs normalt. Cutting Moments kretsar kring en amerikansk familj som ser normal utifrån; en man, hans fru och deras son men lider av problem som plågar en stor mängd familjer i det västerländska samhället, vilket resulterar i rubriker som får dig att darra.

Sarah och Patrick lever med undertryckta känslor och har föredragit isolering, med Patrick som helt förnekar Sarahs existens. Kylan mellan dem är både på en fysisk och känslomässig nivå, med Patrick som avviker sina sexuella drifter mot sin son under en händelse som presenteras vagt. Sarah försöker klä sig på ett erotiskt sätt för att behaga Patrick, men när detta försök misslyckas gör det också hennes mentala stabilitet. I ett helt nedbrutet tillstånd ägnar hon sig åt allvarlig självstympning som en sista utväg, vilket följs av händelser som helt enkelt är otänkbara och skulle ha påverkat Lars von Triers ”Antrichist” i viss utsträckning.

9. The Big Shave

Martin Scorseses första kortfilm är det perfekta förordet till hans karriär. Riddled med hans varumärke katolska extremistiska undertext av synd, fysisk dödliggörelse och den inre striden mellan tro och verklighet överlappade av teman våld, ansträngning och spänning. Hela filmen spelas in i ett badrum och under sin 5 minuters körtid involverar 'The Big Shave' en man som lägger ansiktet två gånger, en gång i avsikt att bli av med ansiktshår och nästa gång med avsikt att bli av med han själv. Det är experimentellt och det finns för många närbildsskott än vad Scorsese normalt skulle använda, men han får det rätt att balansera mellan direkt (spegeln) och indirekt (rakbladet) framställning av handlingen, vilket ger den en identitet som skiljer sig från en prickig hippiefilm .

Nu ska jag diskutera handlingen eftersom den fungerar som en metafor gömd i dess alternativa titel 'Viet 67' som visas under slutkrediterna. Viet 67 är en hänvisning till Vietnamkriget, en starkt kritiserad fråga under den tid som detta sköts med en tydlig bild av kriget och president Johnson avslöjades för landet. Självstympningen återspeglar USA: s självförstörande engagemang i kriget, vilket resulterade i förlusten av 1 miljon amerikanska liv, män som var normala människor som publiken och hade minimal kunskap om de händelser som de var tvungna att konfrontera.

8. Sakramental melodrama

Helt motbjudande och elak biografbit. Melodrama Sacramental är en 17 minuter lång inspelning av Alejandro Jodorowskys spel med samma namn med sin teatergrupp The Panic Movement. Gruppen kan betraktas som en kult och deras motiv var att uppnå vad Bunuel och Dali gjorde på 20-talet genom att chockera publiken och återuppliva surrealismen som hade blivit liten bourgeoisi. Den spelade främst Jodorowsky klädd som en motorcyklist och presenterade honom som slog halsen på två gäss, tejpade två ormar i bröstet och fick sig avklädd och piskad. Andra scener inkluderade nakna kvinnor täckta av honung, en korsfäst kyckling, det iscensatta mordet på en rabbin, en jätte vagina, kastet av levande sköldpaddor i publiken och konserverade aprikoser.

I förklädnad av originalitet innebär detta kort djurgrymhet och sexuell abstraktion men till skillnad från Bunuels verk blir det så rå, det varken chockar eller ger sin surrealistiska patos till konstformen. Det fungerar som 'Human Centipede' eller 'A Serbian Film', att använda meningslös fysisk skräck för att uppnå ingenting och detta är ett mycket överväldigande bevis på Jodorowskys ovanligt magnifika vision, som förmedlades genom 'El Topo' och 'The Holy Mountain'. Jag ogillar inte det, jag citerar Rick Blaine 'Om jag tänkte det skulle jag förmodligen göra'.

7. Sex män blir sjuka, sex gånger

David Lynch 'S första film, gjord med en budget på 200 $, var en animerad kortfilm med stop-motion som gav honom ett minnespris vid hans filmskolas tävling för experimentell målning och skulptur. Filmen består av en animerad målning, som visar sex dysmorfiska figurer som återupplivas i följd med ljudet av en sirenslinga i bakgrunden. Kritiker har beskrivit det som ett användbart paradigm för Lynchs berättande känsla med många som pekar på likheterna som de delar med 'Eraserhead'.

Den faktiska tomten (för enkelhets skull) löper i en minut med tillståndet för figurerna som genomgår omvandlingar, deras inre organ blir synliga och deras magar fylls med en färgstark substans som färdas upp till huvudet och får dem att kräkas , och detta spelas 4 gånger för att ta hänsyn till dess 4 minuters körtid. Lägg märke till de onormala utseendena, avsikten att äckla (kräkas), användningen av fysisk skräck (skildring av inre organ), den blomstrande ljuddesignen som fanns i hans tidigare filmer och det roliga är att vissa tittare kan känna sig sjuka eller desorienterade efter att ha sett detta och människor som är helt okej med det, hur som helst är skämtet på dig och du representerar de sex sjuka människorna.

6. Kärlek finns

Även om han är en mästare av film i sin egen rätt, har Maurice Pialat undgått ett stort rykte lika mycket som han undvek redan existerande filmregler. Ändå kommer de som är bekanta med hans arbete att uppskatta hur bestämt hans inflytande på otaliga moderna filmer är. Det är svårt att förena Pialat i någon konkret kategori eftersom hans filmer var rotade i en så osentimental och känslomässig realism att den verkade formalistisk. Ett av hans tidigaste verk är den 20 minuter långa dokumentarfilmen, L'Amour Existe, som är hans kommentar till stadsutbredningen i Frankrike efter kriget och dess underliggande klasskonflikt. Den konstruerar en skott för skott berättelse om den sörliga verkligheten i den parisiska utvecklingen med förorterna förfallna i försummelse, med en voice-over av Jean-Loup Reynold. Pialat belyser med utarbetat tålamod hur dyster liv i förorterna var i efterkrigstiden när reklam tog över verkligheten och människor omfamnade ett materialistiskt och tråkigt liv.

L'amour Existe påpekar också hur den parisiska medel- och överklassen har bättre utbildning inte bara akademiskt utan också kulturellt medan förortsbarnen saknar tillgång till teatrar eller konserthus. Pialat beskriver de nya bostadshusen som snabbt växte upp som ”koncentrationsläger” med små, horisontella fönster där det inte finns något att se på. Denna kortfilm vann sedan priser på Venedigs filmfestival och Prix Lumieres. Maurice Pialat fortsatte med att göra många lysande filmer som A Nos Amours och Sous le Soleil de Satan, som vann Palme d'Or i Cannes.

5. Cigaretter och kaffe

Även om cigaretter och kaffe bara var P.T. Anderson Andra gången bakom kameran känns det inte som en amatörs arbete. Filmen spelas nästan uteslutande i en matsal och vi presenteras procedurellt för fem karaktärer, deras berättelser och en $ 20-anteckning som förbinder dem. Det finns en spänd & nervös man som berättar sin historia och söker hjälp från en mer komponerad gammal vän som är mycket speciell med att vänta tills kaffet hälls och cigaretterna tänds, annars kommer konversationen inte att ha någon verklig betydelse. I den andra båsen finns det ett par på deras smekmånad som har tappat alla sina pengar efter att frun blåser allt på spel. Ett tag senare går en skuggig man som till synes inte är relaterad till de andra in i matsalen. Men när en räkning på 20 USD tar sig från en av karaktärerna till den andra får vi veta att de kan vara kopplade till varandra.

Den här 23-min-korten har tillräckligt med historia för en film innan den och en annan efter den. Dialogen, inramningen och kameran i filmen visar att den är gjord av någon som vet exakt vad han vill. Det mest utmärkande för den här filmen är användningen av spårningsskottet för scenuppehåll. Skådespelet i den här filmen är också särskilt bra. Anderson anpassade senare och utvidgade detta kort till en långfilm, 'Hard Eight' - hans nästa satsning.

4. Six Shooter

Martin McDonagh, som har regisserat In Bruges and Seven Psychopaths, började först med att göra en 27-minuters svart komediefilm i Irland, kallad Six Shooter - som fortsatte att vinna en Oscar och är en av de mest kända kortfilmerna av alla tid. Det är nästan förvånande hur en film som är så belastad med död och personlig förlust lyckas vara så rolig och uttrycksfull samtidigt. Den korta är extremt välgjord och intelligent så att humor känns annorlunda från både amerikanska och brittiska märken av svartkomedi. Det följer en åldrande man, Donnelly, som just har tappat sin fru och på tågresan tillbaka från sjukhuset befinner han sig sittande med en otrevlig tonårspojke vars mamma just har dött. Bredvid dem sitter ett dyster par som just har tappat sitt nyfödda barn.

Denna till synes dystra inställning tar emellertid snart en mörkare vändning och saker blir roligare och roligare på samma gång, med avslöjanden av mord, självmord, vapenstrider med polisen, exploderande kor och husdjursdödsfall. Den som är bekant med McDonaghs andra filmer behöver inte ytterligare skäl för att se detta mästerverk. Men den här filmen är också viktig för alla som tycker om en intelligent svartkomedi, vilket helt enkelt betyder alla.

3. En Coquette-kvinna

Förmodligen den mest produktiva av alla New Wave-regissörer har Jean-Luc Godard gjort filmer sedan 1950-talet med samma uppfinningsrikedom som någonsin. Hittills har han regisserat över hundra filmer inklusive Contempt, Breathless och Band of Outsiders. Men Godard började sin regi med en mindre känd kortfilm, Une Femme Coquette, 1955. Baserat på en berättelse av Maupassant följer den 9-minuters svartvita korten en gift kvinna när hon plötsligt frestas att flirta med en främling efter att ha sett en prostituerad locka graciöst tilltalande män från ett fönster ovanför gatan. Hon är oerhört imponerad av det graciösa sättet som kvinnan lockar främlingar på - med ett avslappnat men ändå inbjudande leende som lika gärna skulle kunna betyda ”Vilken vacker dag!”.

Efter att ha bevittnat detta bestämmer hon sig impulsivt för att le flirtigt mot nästa man hon ser. Une Femme Coquette påminner om andra tidiga verk från Godard - med ett optimistiskt soundtrack, driven av artikulerad dialog, vidvinkelbilder och något snabbare redigering. Filmen ansågs försvinna under lång tid tills nyligen när den dök upp på YouTube. Den korta innehåller också en cameo av en 24-årig Godard, vilket borde vara tillräckligt skäl för att cinephiles ska kolla in det. (Se upp här )

2. Spårvagn

Krzysztof Kieslowski gjorde Tramwaj, en av de bästa kortfilmerna, medan han fortfarande var student på filmskolan. I den här fem minuter långa filmen följer vi en ung man på en vinternatt när han går ombord på en spårvagn där han märker en vacker ung flicka som sitter ensam. Deras ögon möts, flickan verkar orolig till en början men värms långsamt upp till hans närvaro när han stänger spårvagnsdörren för att se hur luften gjorde henne kall och sedan börja tugga en sockerbit barnsligt. Men innan någonting kunde hända når spårvagnen mannens stopp och han ombord den. Han ångrar omedelbart att han saknat ett sådant lämpligt ögonblick och är överväldigad av önskan att närma sig flickan, så han springer bakom spårvagnen i hopp om att fånga henne. I början hade vi sett mannen stå ensam i en klubb där alla dansar, och han verkar inte ha det bra. Han är nog inte så lycklig med damerna, varför han måste ha känt en tung klagomål och därmed hans impulsiva körning.

Nästan alla användningar har åtminstone en gång känt en liknande värme när de ser en slumpmässig främling, någon annan än resten, någon så tilltalande att vi vill lära känna dem. Samma problem uttrycktes också av Bernstein i Citizen Kane när han berättar hur han fortfarande kommer ihåg en tjej som han såg bara en sekund när han var ung, klädd i en vit klänning på en färja. Bortsett från handlingen är det som gör det kort intressant det Kieslowskis mästerliga skicklighet bakom kameran och hans stora talang för berättande. Kieslowski har sedan dess blivit ett av de största namnen inom arthouse-biografen och har gjort fantastiska verk som The Dekalog och Trois Couleurs-trilogin.

1. En andalusisk hund

Den andalusiska hunden är en ras med sitt ursprung i Spanien, födelseplatsen för Luis Bunuel och Salvador Dali, de två skaparna av denna monumentala kortfilm. På den iberiska halvön finns grottmålningar som representerar hundar som har en stark likhet med denna ras och uppriktigt sagt är elementet av disig verklighet från grottmålningar det enda filmen lånar från den andalusiska hundens existens. Även om den surrealistiska rörelsen redan hade börjat på 20-talet lyckades den inte dra världsomfattande uppmärksamhet och Bunuel-Dali uppnådde detta genom att chockera publiken med bilder som inte symboliserade annat än undertryckande av kreativitet.

Strax från det närbildskott som inleds med Bunuel själv, som skär en kvinnas öga med den spillda glaskroppen som rör din hjärna till den sista bilden av ett dött par begravt i strandsand, tappar filmen aldrig sin intensitet en gång och även om en kunde argumentera om det absurda mönstret av scener som hjälper den orsaken, är det viktigt att märka hur de är ordnade på ett sätt som ger dem en god kontinuitet. Teknik och bilder av kroppsskräck i de flesta scener har studerats och tillämpats i otaliga andra filmer byggda på drömmar eller skräck teman. De mest anmärkningsvärda exemplen är 'Oldboy', 'Spellbound', 'Quills' och 'The Poet of a Poet'. Även om ett stort antal kritiker har antagit olika teorier för att förklara händelserna i filmen, blir de begränsade till ordet ”teori” med Bunuel som skrattar åt någon trolig förklaring till den.