18 bästa existentiella filmer genom tiderna

”Existentialism” är en term som myntades av europeiska filosofer från slutet av 1800- och 1900-talet som trodde att filosofiskt tänkande börjar med det mänskliga subjektet - inte bara det tänkande subjektet utan den handlande, känslan, levande mänskliga individen. Enligt dem söker människor för att ta reda på vem och vad de är under hela livet när de gör val baserat på sina erfarenheter, övertygelser och syn. Ja, jag vet att det är komplicerat. Men för att uttrycka det enkelt är 'existentialism' filosofi som syftar till att hitta själv och meningen med livet genom fri vilja, val och personligt ansvar.

Nedan listas listan över de bästa existentiella filmerna genom vilka deras tillverkare har försökt att förstå vad som finns i den här världen. Hur mycket formar våra erfarenheter vår tro? Och är livet verkligen meningslöst? Det här är några av de många frågor som dessa filmer ställer. Vilken av dessa bästa upplysningsfilmer är din favorit. Förresten kan du strömma några av dessa bästa existentiella filmer på Netflix, Hulu eller Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Bursting och full av rå energi, ”Birdman” leker med konsten att göra film som du känner till och ger den en ny dimension. Det överraskar, utmanar och bländar; ibland allt på en gång. Det är otroligt, spännande och en upplevelse som du med all sannolikhet aldrig skulle ha haft på biografer. En kaustisk och mörkt rolig titt på den omedelbara berömmelseskulturen och kändisarna i denna tid av Facebook och Twitter, det hånar mot dem som är fångar av sin egen image. I slutändan är det en film om en skådespelare som går igenom en existentiell kris.

17. Synecdoche, New York (2007)

'Synecdoche, New York' är en svår film att titta på och till och med mage. Det är inte något som behöver förstås; filmer som detta måste observeras, kännas och reflekteras. Intensivt cerebrala, ofta chockerande, ”Synecdoche, New York” skulle inte tilltala alla; det är en hyllning till allt som en konstnär strävar efter att vara, och ändå är det i slutändan en tragedi som visar baksidan av konstnärlig ambition, där det verkliga möter det overkliga och kastar det konstnärliga sinnet i de mörka djupen av osäkerhet och depression.

16. Person (1966)

Det är svårt att lägga till en film som ”Persona” i några genrebaserade listor på grund av det stora djupet och tvetydigheterna i teman som behandlas i filmen. 'Persona' är en film som är öppen för många tolkningar och som fortfarande diskuteras, debatteras och analyseras av kritiker, forskare och biofilmer över hela världen. Filmen berättar historien om två kvinnor, en sjuksköterska och hennes stumpatient och deras kusliga personas kusliga bindning. Filmen utforskar mänsklig identitet, suddar ut och skakar vår uppfattning om drömmar och verklighet och störtar sig in i de djupaste och mörkaste aspekterna av den komplexa mänskliga psyken och de bisarra fantasier som omfattar den. 'Persona' är en djupt intim och personlig upplevelse och är en ren filmpoesi.

15. Taxichaufför (1976)

'Taxichaufför' berättar historien om en veteran i Vietnam som känslomässigt förstörs av hans liv grumlat av ensamhet och elände. En mycket karaktärsdriven film, 'Taxichaufför', har en häpnadsväckande skådespel av Robert De Niro som skildrar en mans härkomst i galenskap när vi ser honom dras av extremiteterna i det mänskliga mörkret. Kanske var Travis Bickle en gång en härlig, charmig kille och det var krig som fick honom att känna sig främmande för en värld som en gång var hans hem. Hans oförmåga och desperation att komma i kontakt med människor och den ständiga kampen för att passa in i en bisarr, freakish värld ridad med mord och förseelser är ett djupt, störande mörkt porträtt av en mänsklig själ.

14. Vår, sommar, höst, vinter ... och vår (2003)

Räknat som det bästa arbetet från stallarna till den sydkoreanska auteur Kim Ki-duk, 'Spring, Summer, Fall, Winter ... and Spring' är en berättelse som berättar livet för en buddhistmunk när han passerar genom de olika stadierna av liv. Filmen kan betraktas som en metafor för människolivets eviga kontinuitet och cykliska natur. Längs vägen utforskar den också teman kärlek, uppoffring, hängivenhet, avskildhet och trohet. Filmen är känd för att ha mycket få dialoger och är djupt kontemplativ och tar publiken med på en lugn resa.

13. Den sjunde kontinenten (1989)

Att kalla Michael Hanekes ”The Seventh Continent” en skräckfilm låter mycket fel för mig, men det är så det hänvisas till av de flesta som har sett det. Det är svårt att argumentera med dem, för en titt på den här filmen gör att man känner sig hopplös, deprimerad och rädd. Att ha att göra med en familj som hatar världen och livet i allmänhet tar denna klassiker från 1989 en kall och avlägsen hållning för att ytterligare isolera de tre spelarna från resten av samhället, vilket långsamt men säkert får publiken att känna djupt för dem som deras existensen tar en mörk vändning. Haneke är en av de mest störande filmerna som någonsin prydde silverskärmen och hånar tittaren och släpper aldrig. Om publiken kallar det en skräckfilm, gör de det med hänvisning till en läskig film som inte liknar någon annan. Täckt av tvetydighet och realism, Den sjunde kontinenten är en personlig, intim och skrämmande återberättelse av en sann berättelse som lämnar dig i tystnad, för åtminstone ett par minuter efter det att det slutar blir du oförmögen att yttra ett enda ord.

12. Spirit of the Beehive (1973)

Den spanska mästaren Victor Erice gjorde bara tre långfilmer innan han gick i pension. Fortfarande vid liv idag, dess filmer som El Sur, Quince 'Tree of the Sun' och särskilt Spirit of the Beehive, hans obestämbara debut, som får oss alla att önska att han fortfarande gjorde filmer. En parabelsaga om två barn, det ena som utforskar hans existens med oskyldig, ofta förvirrande fascination och den andra besatt av filmen 'Frankenstein' som spelade i deras lokala teater. Dess mystificerande porträtt av det spanska hjärtlandet lämnas i lockande tvetydighet av Erices karakteristiska neutrala riktning - sällan vågar sig in för filmmetoder till förmån för tyst observation. Det resulterande arbetet är förvirrande, uppslukande och kommer att låta dig undra över själva livets gåta: Dess obesvarbara frågor, dess stora mysterier och deras otroliga otillgänglighet. För att lämna dig helt förkrossad eller ojämförligt rörd, råder det ingen tvekan om att antingen extrem “Bikupans ande” kommer att vara en viktig upplevelse.

11. Satan Tango (1994)

Jag blev hypnotiserad av Béla Tarrs vidsträckta, underbara mästerverk när jag först såg det. Dess pragmatiska känsla av den verkliga världen och dess tålamod är dess definierande egenskaper. Den observerar mer än den reflekterar och överväger mer än den ger snyggt formade uttalanden. Dess mytiska, dystra realism är för bra för att vara sant och alldeles för brutal för att ha förverkligats med ett sådant öga för skönhet. Allt jag ville göra i slutet var att stänga alla mina fönster och omsluta mig i mörkret, för filmen för mig hade varit som den galna i kyrkan och dess klagan hade gett för mycket mening. Jag är glad att rapportera att ”Sátántangós” saga sociala och politiska reflektioner har börjat göra sig tydliga för mig när jag har återkommit till den upprepade gånger.

10. La Dolce Vita (1960)

Fellinis försiktigt, tålmodigt och poetiskt mjukgjorda virtuos visas i full utställning i sin Palme d’Or-vinnare som i sin själsliga och skuggiga glamour fångar ett sätt att leva som verkar för svårfångat och på vissa sätt alldeles för verkligt. Dess tempo understryker huvudpersonens känsla av mållöshet och tvingar oss att bada i det symfoniska arrangemanget av livets livlighet och hur flyktigt det hela är. Denna huvudperson spelas av karriärens bästa Marcello Mastroianni, som använder denna tidgåva för att fylla ögonen med en oemotståndlig trötthet i världen. Att ifrågasätta betydelsen av vissa delar av ”La Dolce Vita” som kan verka saknar filosofisk betydelse eller berättelse är att avvisa möjligheten att låta de pikanta detaljerna tvätta sig över dig och sedan överväga konsekvenserna. När Nino Rotas himmelska poäng för oss in i den svimlande världen i Rom, sett genom Fellinis illusoriska öga, ser du bara vad han vill att du ska se och det blir snabbt det du vill se också.

9. 8 1/2 (1963)

Att utnyttja Marcello Mastroiannis skuggade gravitationer, Fellinis rena elektricitet kan vara överväldigande. Du hänger fast vid din uppfattning om ett visst ögonblick och känner igen dess kvaviga rikedom bara för att upptäcka att filmskaparen har gått vidare till en annan fladdrande, förtjusande klar sekvens. Hans idéer om konstnärer och deras förvirrande, löjliga besatthet med sig själva kan verka daterade - eller värre, irrelevanta - men djärvheten i deras konstruktion och uttryck går aldrig förlorad för oss. Det förtrollar och bedrar oss, tillåter aldrig att vi tar bort ögonen från det och glider sedan genom fingrarna när det går upp för oss att vi aldrig har haft det i vårt grepp. Fellini skiljer sig inte mycket från den klarsynta Maya i filmen som verkar veta vad alla tänker: en färdighet som hennes assistent tillskriver telepati. När vår huvudperson, Guido, frågar assistenten om hur hon gör det, konstaterar han tydligt: ​​”Det är delvis ett trick och delvis verkligt. Jag vet inte, men det händer. ” Inga ord kunde vara mer lämpliga att beskriva filmen med.

8. Det sjunde sigillet (1957)

Från de allra första bilderna av Bergmans ikoniska dokument om tro, rädsla och tillfredsställelse finns det en förtrollning på dig. Den skarpa, korniga blicken på havet, kusten och på den en modig riddare och hans ödesdigra möte med personifieringen av döden definierar filmens klarhet av objektiv, även om det lämnar utrymme för en förförisk, nästan skrämmande tvetydighet att ständigt vara närvarande. Att dra nytta av en magnetisk föreställning från den ojämförliga Max von Sydow och ett skådespelare som lyfter Bergmans häpnadsväckande material, baserat på hans pjäs 'Wood Painting', till oväntade nivåer, 'The Seventh Seal' i sina magra 90 minuter har inflytande av en gammal fabel som gått genom generationer som driver fantasin mycket mer expansiv än den själv kan hoppas att innehålla. Gunnar Fischer's mousserande, skarpa svartvita ser till att den skakande intensiteten kryper under vår hud. Den strömliknande flytningen är ett resultat av en berättelse som vecklas ut med sublimt självförtroende och en påtaglig jämnhet. Det kan vara en helt enkel historia som ändå rymmer värdefulla idéer i sin fäst, men den är sydd med ett tyg som är så invecklat och djärvt att du inte kan låta bli att titta på det om och om igen för att det ska översättas till ett bestående minne.

7. Stalker (1979)

Att hålla sina mindre ättlingar, som inkluderar den enormt framgångsrika tv-serien 'Westworld', borta, kan inte 'Stalker's' kolossala inflytande på visuell berättande överdrivas. Idéer - filosofiska, andliga och vetenskapliga - liksom deras skickliga, härliga filmutforskning i ”Stalker” har hittat sina intryck på många science-fiction som kommer efter den. Det är inte så mycket glidande, trance-inducerande och vid tidpunkter, abstrakt pacing eller själsrörande användning av monokromatisk sepia utanför 'Zonen' och präglingsfärgerna på platserna i Estland, som har speglats i arbetet med filmskapare som Terrence Malick och Lav Diaz, för att nämna några, men det bestående tålamodet och ödmjukheten. I stor utsträckning överlämnar de filosofiska regeringarna till publiken, lämnar Tarkovsky så mycket utrymme för tittarna att upptäcka flera metafysiska aspekter av filmen för sig själva, att till och med dess oöverträffade bokstavliga och visuella poesi verkar lika mycket en bild av vår tillverkning som den är av hans och hans medarbetare.

6. Apocalypse Now (1979)

En krigsfilm kan komma att vara ett osannolikt val. Men som sagt, stora filmer bryter från hinder i deras genrer. 'Apocalypse Now' betraktas allmänt som den största krigsfilmen som någonsin gjorts. Men i grunden är det en film som också utforskar existentialism. Kapten Willards resa in i en dunkel by i Kambodja för att mörda en gåtfull avsvunnen arméofficer tjänar som en visuell metafor för en människas tarmskruvande resa in i avgrunden av existensen. 'Apocalypse Now' handlar om Willards strävan efter svar. Med honom på sin resa ifrågasätter vi moralerna som skapats av ett civiliserat samhälle maskerat med hyckleri och storhet. Hans konstiga, mystiska fascination för överste Kurtz kulminerar i hans upptäckt av krigets extremiteter som kan förvandla en man till ett ociviliserat odjur.

5. De 400 slagna (1959)

François Truffauts 'The 400 Blows' är ett verkligt konstverk som härrör från verklig smärta. Truffaut är ett riktigt uppriktigt och djupt personligt arbete som ägnar filmen åt sin andliga far och den internationellt hyllade filmteoretikern André Bazin. Truffaits egen barndom var tydligt självbiografisk till sin natur, och det återspeglas mycket tydligt i filmen. På utsidan handlar filmen om ungdoms- och ungdomskriminalitet som ofta drivs av samhällelig och föräldralös försummelse. Titta lite djupare, så hittar du en film om hopp; hopp som är både intensivt och terapeutiskt. Antoine Doinel, huvudpersonen, är på något sätt en skarp representation av själva samhället, ett samhälle som döljer sina egna misslyckanden bakom regler, straff och domar. Filmen flyter som en flod och tar publiken med på en resa av hopp, förtvivlan, empati och ännu ren ilska. Om du någonsin ville se hur ett mästerverk ser ut, leta inte längre än 'The 400 Blows'.

4. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' är vad varje filmskapare som vill berätta en meningsfull historia strävar efter. Uppenbarligen faller alla av dem! Det finns inget bättre exempel på en film som återger en episk berättelse på ett så enkelt men mästerligt, effektivt och oförglömligt sätt. Med 'Tokyo Story' uppnådde Yasujiro Ozu något som är varje levande filmskapares dröm: att alltid bo i publikens hjärta och sinne. Den som har sett 'Tokyo Story' vet vad jag pratar om. Filmen berättar historien om ett åldrande, traditionellt japanskt par som besöker sina barn i Tokyo bara för att komma till den hårda insikten att deras barn är för upptagen med sina liv för att ta hand om dem och har vuxit enormt långt ifrån dem, kulturellt och känslomässigt. . Det som också är så bra med filmen är dess universella tema som vem som helst, var som helst kan relatera till. Ozus filmstil säkerställer också att du är uppslukad av en berättelse som ger djupgående insikter i den föränderliga mänskliga psyken med förändrade tider. Helt enkelt lysande!

2. 2001: A Space Odyssey (1968)

Geniet med '2001: A Space Odyssey' ligger i det faktum att den andliga resa som den tar oss inte abonnerar på teism eller agnosticism eller något särskilt - det är helt upp till publiken hur de vill tolka filma. Det sträcker sig från en teists tro på existensen av en ständigt så snäll och kärleksfull Gud till en agnostikers cynism till den deprimerande meningslösheten i livet som en nihilist kan välja. Icke desto mindre fastställer Kubrick åtminstone hur obetydliga vi är och hur små våra så kallade tekniska framsteg är! Vi har ljusår att gå innan vi får svar på några av de existentiella frågor som uppstår i vårt sinne.

3. Livets träd (2011)

Terrence Malick ifrågasätter aldrig Guds existens i ”Livets träd”. Men hans verkliga känsla av förundran uppstår inte ur det; snarare gläder han sig över den magi som livet självt är. I en era där Gud har blivit ett medel för att bevisa överlägsenhet och en ursäkt för att skada och till och med döda presenterar 'Livets träd' ett vackert men ändå rimligt sätt att se på Gud. I slutändan är ”Livets träd” en filmdikt av extraordinär omfattning och ambition. Det ber inte bara sin publik att observera utan också reflektera och känna. På sitt enklaste sätt är ”Livets träd” en berättelse om att hitta sig själv. När det är som mest komplext är det en meditation om människolivet och vår plats i det stora ordningen. I slutändan kan ”Livets träd” förändra hur du ser på livet - det förändrade mig.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bryssel (1975)

Denna franska avantgarde-funktion med Delphine Seyrig som huvudkaraktär är inte bara filmupplevelse. Det är närmare en övning - ett test och påverkar dig på sätt som få andra filmer har gjort tidigare eller sedan. Det oberoende stycket fokuserar på tre dagar i en ensam, orolig hemmafru, när hon går igenom sitt strikta schema fylld med vardagliga hushållssysslor. Hon är mamma och änka som utför sexarbete för herrar på kvällen för att tjäna pengar. Problem uppstår när den andra dagen hennes rutin störs något, vilket leder till en slags dominoeffekt som återspeglas i timmarna efter den. Jeanne Dielman drar en in i sin långsamma och meditativa värld med Akermans distinkta regissignatur, som involverar diegetisk atmosfär och en hypnotisk aura som framkallas av mästerverkets lugna, subtila och tålmodiga personlighet, vilket är en smärtsam firande av existensens monotoni.

1. Slumpmässig Balthazar (1966)

Robert Bressons öde mästerverk är en känslaövning. Det avviker från att definiera en tydlig huvudperson eller ett centralt tema såvida du inte räknar den mirakulösa kraften i naturen som är Balthazar och om du tar filmen på nominellt värde gör du det inte. Men om du låter honom vara din åtkomstpunkt till filmens känslomässiga och tematiska landskap, är det svårt att återvända från det obetalt. Balthazars märkliga, magra och svala visuella stil verkar nästan glamorös i efterhand; dess lugna bräcklighet insvept i en avgiven, enastående klok känsla av kontroll. Till och med dess påtagliga ärlighet döljer en studerad ansträngning att hålla tillbaka lite, att ge näring i sin enkla inställning och karaktär en rikedom som lämnas åt publiken att upptäcka och i några hisnande fall, föreställ dig. Att tilldela varje ögonblick betydelse i 'Balthazar' beror inte på om vi antar att innehållet är allegorier av social eller till och med politisk karaktär, utan hur de gör oss känna genom att njuta av deras komplexitet och tystnad istället för att förlita sig på den tanklösa exponering som de flesta filmer tillgriper. Det är alltså helt vettigt för huvudpersonen att vara den eponymous åsnan.