100 bästa filmer genom tiderna

Alejandro Jodorowsky Prullansky, den berömda chilensk-franska filmregissören, poeten, dramatikern och musikkomponisten, sa en gång: 'Jag har alltid trott att biografen är den mest kompletta konsten av alla konst.' Jag håller med. På mer än ett sätt är film faktiskt en sammanslagning av alla andra viktiga konstformer: måleri, skrivande och musik. Det kan inte vara en slump att biografen också är den modernaste av konstformerna. När allt kommer omkring var det nödvändigt att utveckla andra konstformer för att bio skulle kunna uppstå. Det faktum att den förblir den mest populära konstformen nästan från det ögonblick den tillkom berättar för dig både dess styrka och dess svaghet: den är lättillgänglig och därför mer kommersiell.

Med detta i åtanke är jag glad att presentera listan över The Cinemaholic's för dig 100 bästa filmer genom tiderna . Innan du fortsätter med att utforska vår lista över topp 100 filmer som någonsin gjorts, låt oss påminna oss om igen, att listor av sin natur aldrig är perfekta. Så vi hävdar inte att detta är den heliga gralen i listan över absolut bästa filmer i världen. Men vad jag kan försäkra er att mycket forskning har gått bakom att sätta ihop den här listan. Tusentals filmtitlar övervägdes och varje sista val diskuterades. Jag är säker på att många av dina favoritfilmer saknas i listan. Många av mina favoriter saknas också! Men istället för att bli frustrerad över det, ta tillfället i akt att se filmer som du inte har sett. Vem vet, kanske du kommer att upptäcka dina nya favoriter!

100. Paraplyerna i Cherbourg (1964)

Jacques Demy färgar sin romantiska opera med en mild, överdriven sofistikering som blir lite hipster. Men den här färgen är inte bara den på väggarna, kläderna och paraplyerna. Det är också på kinderna hos en ung tjej som är omöjligt förälskad när hon korsar gatan för att hälsa på sin älskare och dess frånvaro när vi ser ansiktet i en slöja, den unga flickan nu någon annans brud. Det finns också färg på hur människor pratar, eller för att vara mer exakt, sjunga för varandra. Men deras lyriska konversationer rimar inte som de flesta låtar. När allt från kärleksyrken till bekymmer om pengar snörs av oskiljaktig passion, skulle det inte göra dig mycket bra att fiska efter rim eller förnuft. Medan filmen och alla dess melodiska uppenbarelser, förstärkta av Michel Legrands jordiska musik, är hjärtrendande romantiska, är alla beslut som våra karaktärer fattar, som allt i livet, definitivt inte så.

För en plot så vältröttligt välkänd, efter att ha sett den vara grunden för otaliga poplåtar och tvåloperor, är varje ram av 'The Umbrellas of Cherbourg', sprickande av melankoli, lockande fräsch, obekant ens. Du kan tillskriva det hur äkta känslorna är och hur uppriktigt deras uttryck är. 'Paraplyer' fungerar på en så ödmjuk skala som den gör och förstör dig med minsta reflektion. Jag blev förvånad över hur stor påverkan två tomma stolar, en gång fyllda av de två älskarna, kunde ha. I Demys välsmakande delikatess marscherar vi i karnevaler fyllda med band och konfetti, vi dekorerar julgranar och ger varandra gåvor, tuckar alla våra känslor någonstans i våra hjärtor, för oavsett hur svårt någons frånvaro är att bära eller det förflutna är att glömma, allt vi kan göra är att leva i dagens fantasi.

99. Trainspotting (1996)

Det är lite svårt att förklara cinephiles som oss själva om fanatismen med 'Trainspotting'. Det kom runt en tid när drogernas verklighet precis började sjunka in. Man skulle säga att det glamoriserade narkotikamissbruk och till viss del är det sant. Det faktum som kom ut ur det var Danny Boyles försök att visa höga och låga drogmissbruk utan att ta sida. 'Trainspotting' är en kultfilm som berättar en historia om fyra vänner och deras försök med missbruk. Skandalöst och bisarrt är de enda två orden som beskriver det. En drogmissbrukare som vill bli ren, bara för att vackla vid varje steg på grund av sin djupaste önskan att bli hög. Generöst överdoserad med humor försöker filmen understryka ett faktum med fullständig allvar: Trots den lyx som livet erbjuder, förnekar ungdomen dem med mycket aplomb. Och orsakerna? Det finns inga skäl. 'Vem behöver skäl när du har heroin?'

98. The Graduate (1967)

Ah, ungdomars dagar! Bekymmerslös och glad. Kul fylld med inget att oroa sig för. Ingen vård för det förflutna, som har lämnats kvar och ingen oro för framtiden, som ännu inte kommer. Benjamin Braddock levde detta bekymmerslösa liv efter examen från college. Och när han äntligen kom tillbaka till sin hemstad mötte han fru Robinson. Flamman i en affär börjar brinna. Livet tar en lurvig vändning när den unga Ben misstänker sex för sällskap. Det blir krångligt när han faller för sin dotter. En tankeväckande film, i en komedis klädsel, 'The Graduate' är en av de roligaste filmerna någonsin. Med Dustin Hoffman i huvudrollen har den den ikoniska linjen - ”Fru Robinson, försöker du förföra mig?”

97. Veroniques dubbla liv (1991)

Kanske ingen annan filmskapare förstod kvinnor så djupt emotionellt som Krzysztof Kieslowski gjorde. Mannen älskade dem bara och han visade det med en sådan passion och intimitet att du inte kan låta bli att bli förälskad av dess råa emotionella kraft. 'The Double Life of Veronique' kan bara vara hans största konstnärliga prestation. Filmen handlar om en kvinna som börjar känna att hon inte är ensam och att det finns en del av henne som bor någonstans i världen i en annan själ. Veronique och Weronika är de två identiska kvinnorna som inte känner varandra och ändå delar en mystiskt intim känslomässig koppling mellan dem. Slawomir Idziaks mycket stiliserade filmmålning målar filmen med en ömt melankolisk känsla som omsluter dig och misslyckas med att släppa taget. Det finns känslor och känslor som vi har svårt att sätta ord på och filmen ger liv till de oförklarliga känslorna av eftertänksam sorg och ensamhet. 'The Double Life of Veronique' är ett fantastiskt konstverk som skildrar den mänskliga själen i alla dess vackra svagheter och ömhet.

96. Cinema Paradiso (1988)

Många betraktar film som en övergivenhet, en fritidsaktivitet, en nöje som inte har någon konsekvens i livet alls. Men jag, med en armé av ivriga cinephiles som ivrigt stöder mig, kan med absolut övertygelse konstatera att bio är lika nödvändigt för livet som livet är för bio. Och 'Cinema Paradiso' är ett vackert, om det är ironiskt, sätt att göra min poäng. Den framgångsrika filmregissören Salvatore återvänder hem en dag till nyheten att Alfredo har dött, varefter han blinkar tillbaka till sin hemstad på 1950-talet Sicilien. Den unga och busiga Salvatore (smeknamnet Toto) upptäcker en bestående kärlek till filmer som lockar honom till byns filmhus Cinema Paradiso, där Alfredo är en projektionist. Efter att ha tagit sig en pojke i pojken blir den gamla bubben en faderlig figur för honom när han noggrant lär sig Toto de färdigheter som skulle vara språngbrädan för hans filmframgång.

Att se Toto och Alfredo diskutera film med vördnad och att se Alfredo ge livråd genom klassiska citat, är ren glädje. Genom Totos berättelse om åldrande belyser 'Cinema Paradiso' förändringar i italiensk film och den döende handeln med traditionell filmskapande, redigering och screening medan han utforskar en ung pojkes dröm om att lämna sin lilla stad för att razzia i världen utanför. En av de bästa filmerna om någonsin.

95. One Flew Over the Cuckoo's Nest (1975)

En av de sällsynta filmupplevelserna som får dig att känna en uppsjö av känslor på en gång. Det är roligt i delar, upplyftande i vissa och rakt ut hjärtat krossar i andra. Det är också en av de andra sällsynta bedrifterna i förenklad, effektiv berättande, som berättar om Randle McMurphy, en brottsling som i hopp om att undvika fängelsetid, förfalskar att vara psykiskt sjuk och inte erkänner sig skyldig på grund av galenskap. När han anlände till en mentalinstitution gör han uppror mot den auktoritära sjuksköterskan Rached (spelad av en stela Louise Fletcher) i ett klassiskt scenario mot kaos. Filmen fastställer att det verkligen inte finns någon bättre att spela karaktärer med whack och charm i lika stor utsträckning än Jack Nicholson själv, och hämtar honom en förtjänst Oscar-vinst för sin prestation i filmen. Det som börjar som en bestående och hjärtvärmande film, eskalerar till ett tragiskt, om än hoppfullt slut, efter störande scener med självmord och elektrokonvulsiv behandling på patienter. Filmen ska ändå aldrig släppa betraktarens uppmärksamhet och patos för karaktärerna på skärmen, och framkalla äkta känslor och heja på den mänskliga andan som utgår även inför oönskad auktoritet.

94. Pyaasa (1957)

Tät med idéer om social förändring och svidande kommentarer om samhällets sittande illvilja och stigmas, 'Pyaasa' var inte bara en symbol för den indiska filmens guldålder utan var också en återspegling av den indiska borgerliga själva. Det är en film som har en subtil kvalitet om sig själv, där alla djärva sanningar och samhällets hårda verkligheter simrar under ytan och väntar på att bli utforskade och extrapolerade av den uppmärksamma publiken. 'Pyaasa' är en tidlös klassiker inte utan anledning. Även efter 60 år efter det att den släpptes är den fortfarande relevant i modern tid, eftersom Indien fortsätter att plågas av samma samhällsförbannelser - korruption, kvinnohat, materialism - som 'Pyaasa' direkt eller indirekt adresserar.

93. Modern Times (1936)

'Modern Times' är en humoristisk film med ett kraftfullt budskap. Med Chaplins varumärke teman hopp och fattigdom fokuserar den här bilden på de negativa effekterna maskiner och andra former av tekniska framsteg har på det vanliga folket, genom att driva en fabriksarbetare vars liv går igenom många vändningar när han försöker hantera den nya världen. Även om slapsticket är tår-jerkingly rolig, finns det allt i ett kärl av sorg. 'Modern Times' använder smarta, subtila element för att ställa viktiga filosofiska frågor då och då. Klimaxet är en av de mest rörande någonsin, med en sorglig form av lycka och inget riktigt svar eller upplösning. Denna film kan mycket väl vara Chaplins bästskrivna arbete, och det är förvånande hur relevanta idéerna som presenteras här är till och med idag. Efter att utan tvekan ha klarat tidens prov är den väg som Modern Times tar för att dela sina tankar förmodligen den bästa aspekten av denna filmiska triumf.

92. Den tunna röda linjen (1998)

Terrence Malick ”Återgången till filmskapande från en 20-årig paus kännetecknades av detta underbart fantastiska krigsdrama som inte utforskar krig utan känslorna av att slåss krig. Filmen är verkligen Malick-ian karaktär med mer tonvikt på det visuella än historien, så att du kan suga upplevelsen av den. Filmens geni ligger i Malicks vision att se skönhet i något så mörkt och blodigt som krig. Det krävs ett absolut geni för att förvandla något så brutalt och blodigt som krig till en sådan hypnotisk upplevelse som överskrider verklighetens krig och istället låter dig suga in i karaktärernas känslor. Det är en sådan uppslukande upplevelse som ber dig att känna människorna bakom vapen och bomber. Dessa är förstörda själar precis som vi, som längtar efter en känslig känsla, saknar värmen i andan från sina älskare och hustrur medan de måste ta itu med den fulaste verkligheten långt ifrån dem. 'The Thin Red Line' är helt enkelt en upplevelse som ingen annan; en som måste ses, kännas och reflekteras över.

91. Blade Runner (1982)

Final Cut av Ridley Scotts 'Blade Runner', tror jag är den största dystopiska filmen som någonsin gjorts. Även om Metropolis är ett tvivelaktigt val, måste man observera de inautentiska bilder som är associerade med tyska expressionistiska biografen. 'Blade Runner', å andra sidan, är mer än perfekt för att bygga upp en värld som lider av finansiell ojämlikhet, befolkningsboom, brist på något naturligt eftersom även kött inte kan lita på här. Den lysande belysningen är sammanhangsnaturlig, för den är en elektronisk värld och Jordan Cronenweth använder den på samma sätt som de vardagliga belysningsobjekten i film noir. Även om det kanske inte ställer frågor så långtgående som 'A Space Odyssey', men får oss att undra om 'androider drömmer om elektriska får'.

90. Fargo (1996)

Våldsamt, roligt, varmt och brutalt intensivt, 'Fargo' är en av de finaste amerikanska filmerna på 90-talet och en av de största brottdramorna som någonsin gjorts. Filmen handlar om en man som anställer två män för att kidnappa sin fru och utpressa pengar från sin rika svärfar. Coen Brothers briljanta användning av mörk humor genomsyrar filmen med en värme som ger filmen en mycket distinkt ton. Det är denna mästerliga blandning av komedi, drama och våld som gör 'Fargo' till en minnesvärd filmupplevelse. Det underbara öppningsskottet av en snöfylld Minnesota, vackert komplimangerad av en skrämmande poäng, sätter tonen för filmen och skapar en känsla av djup sorg som ligger under det våld och humor som filmen är full av. Frances McDormand är helt klart filmens stjärna och stjäl showen och visar en gravid polischef som fångats upp i en värld av ondska och brutaliteter men lyckas hitta ljus och hopp. 'Fargo' är en känslomässigt rå, brutalt intensiv, förtjusande rolig och smärtsamt realistisk bit av ren nitar bio.

89. Eraserhead (1977)

'Eraserhead' är en lärobokbit om atmosfärisk skräck. Berättar historien om en man med konstigt hår som själv försöker uppfostra en familj, den här filmen blir mer till en surrealistisk mardröm med varje minut som går. Med hjälp av ljud och närbilder för att ge en känsla av klaustrofobisk rädsla och anpassa detta till en plot som är lite meningsfull vid en första klocka, visar sig David Lynchs debut vara en av mästardirektörens allra bästa, vilket i sig är högt beröm. Vad ”Eraserhead” gör är att skapa en dystopisk värld - stänkte med fula byggnader och mekaniska föremål som doppats i ond svart-vitt - och slänga i sig karaktärer som är mer eller mindre förvirrade av sin omgivning. Även om det är nästan omöjligt att räkna ut 'innebörden' av denna bild, måste man inse att detta aldrig är avsikten. 'Eraserhead' placerar i publikens sinnen en känsla av fullständigt obehag, med både dess visuella och surrealistiska stil, och hittar ett sätt att manipulera sina tankar. Bara en handfull bilder är lika vackert strukturerade men obestridligen hotfulla som den här, och det är något som bara någon som Lynch skulle kunna dra.

88. Boyhood (2014)

'Boyhood' är en kär påminnelse om svunna år av obehindrad glädje, orubblig optimism och bubblande oskuld. Det förlitar sig på att hämta skönhet, glädje och känslor ur människors vanliga liv och inte från någon ökad dramatik (bröd och smör för de flesta filmer). Det är fascinerande att se hur man från scen till scen inte bara förändras karaktärers fysikalitet utan också kommer att märka omvandlingen i deras mode, frisyr, musiksmak och i allmänhet perspektiv på livet. ”Boyhood”, på ett sätt som mycket få filmer gör, överskrider filmens gränser och blir en liten del av vår egen existens och upplevelse. Linklater påminner oss igen varför han är den bästa i branschen när det gäller att berätta enkla historier om vanliga människor.

87. Heaven's Days (1978)

Terrence Malicks utveckling till en helt kontrollerad, auktoritativ filmvisionär är en av de största saker som någonsin har hänt med amerikansk film. Det är tydligt från hans tidiga verk att han var desperat att hoppa ut ur filmens konventionella gränser. Filmer som 'Badlands' och 'Days of Heaven' hade till synes enkla berättelser men det var filmer som försökte vara något mer. Något mer än bara en historia. En upplevelse. 'Days of Heaven' uppnår detta mer lysande än 'Badlands'. Många har ofta kritiserat filmen för sin svaga historia. Jag kunde inte säga att de är helt fel men historien är i alla fall inte den viktigaste aspekten av en film. Vad Malick gör här är att använda filmens visualitet som lägger tonvikten på berättelsens stämning snarare än själva berättelsen. Hans avsikter är inte att göra dig emotionell med hjälp av karaktärernas situation, utan att låta dig observera dem, känna skönheten i landskapet och doften av dess plats. Och att skapa en sådan typ av en visceralt rörlig upplevelse är inget annat än ett mirakel.

86. Fireflies Grave (1988)

En gripande, rörande film som är i nivå med alla aspekter du kan tänka dig, med de andra live-actionfilmerna som lyfter fram krigets byte. Den här japanska animerade filmen centrerade sig på fasorna i andra världskriget genom att fokusera på ett syskonpars liv, bröt mitt hjärta på ett sätt som ingen annan film lyckats och fortsatte att trampa på bitarna till slutet. Att vara en krigsfilm gör det också underverk på den mänskliga fronten, och förverkligar och utvecklar det anbudsförhållande mellan Seita och Setsuko vackert inför motgångarna under andra världskriget. Meddelandet är högt och tydligt. Inget krig vinns verkligen, och all ära som medför segrar åtföljs också av klagor från oskyldiga liv som förstördes i kriget. Jag skulle applådera filmen för att han inte var uppenbart känslomässigt manipulerande för att få oss att rota till dess karaktärer; men gör inget misstag, dess kraftfulla och kompromisslösa syn på kriget och de travestier som syskonparet genomgår kommer att reducera dig till en snyftande röra. Det är SÅ sorgligt. Med detta sagt, det finns inget annat sätt jag skulle ha det. Det är perfektion, i sin mest hjärtskärande form.

85. Manhattan (1979)

Romantik i Woody Allens filmer har alltid känts smärtsamt sanningsenligt och deprimerande realistiskt trots den utsökt gripande humor som han omsluter dem med. Medan 'Annie Hall' förblir hans mest djärva film, kommer 'Manhattan' ut som ett mer mognat verk, konstnärligt. Filmen har Allen som spelar en uttråkad, förvirrad New Yorker, nyligen skild, och träffar en gymnasieflicka men slutar bli kär i älskarinnan till sin bästa kompis. Allen tonade ner humor för denna film för att låta oss verkligen känna den sorg som sväljer hans karaktärer vilket gör den till en så känslomässigt dränerande upplevelse. Det är bara ett djupt gripande porträtt av slingrande förhållanden och bristfälliga människor som kämpar med sig själva och sin existens och söker desperat efter lycka som de aldrig skulle känna igen och uppnå. Och det är denna söta känsliga, gripande insikt om det mänskliga tillståndet som gör 'Manhattan' till en så kraftfull film.

84. Marketa Lazarova (1967)

Tjeckiska ikonen Franti & scaron; ek Vláčils inbyggda drömlandskap, Marketa Lazarová, är helt enkelt en av de mest otroliga konstverk som har kommit ut ur de 20^thÅrhundrade. Dess avantgardistiska förhållningssätt till filmspråket passar knappt gränserna för den ofta fördömande frasen - för det är något mer. En fantastisk sammansmältning av syn och ljud, som inte är knäckt av konvention, struktur eller någon skriftlig regel som upprörda filmforskare har slagit på filmformen genom åren. Som jämförelse ser allt annat så tätt kontrollerat ut - så onaturligt och konstruerat i utförandet. Marketa Lazarová är rå, visceral och häpnadsväckande dynamisk. Kort sagt: det är fri - ett verkligt höjdpunkt av möjligheterna att utforska varje centimeter filmmedium. För det ligger det bland de största filmerna som någonsin gjorts.

83. Singin 'In The Rain (1952)

Singin 'In The Rain är den mest definierande musikalen i Golden Age of Hollywood. Det är omöjligt att glömma bilden av Gene Kelly som dansar vid gatlyktan när vi pratar om de glänsande ögonblicken i bio. Filmen firar inte bara sin egen skicklighet med glädje, utan också filmens gång från att vara ett visuellt medium till ett resonans och stimulerande. En monumental prestation i Technicolor-biografen, Kellys regi-ansträngning kastades inledningsvis underhållande av kritiker och publik. Jag tror att relevansen av denna klassiker växer sig starkare dag för dag, eftersom klyftan mellan tidsperioderna som täcks av filmen (verkligt och hjulliv) och nutiden växer alltmer. Vi tappar kontakten med en viktig era, och den här filmen svärmar dig med sin nostalgi.

82. Titta inte nu (1973)

Det är väldigt svårt att hitta ett visuellt konstverk som är lika hypnotiskt som Nicolas Roegs 'Dont Look Now'. På många sätt är detta mästerverk som den hemska dvärgen i slutet. Det är vackert draperat i extatisk färg, men rymmer den värsta delen av livet: döden. Oavsett hur effektiv Sutherlands karaktär är, tror jag att det här är en känslomässig film, eftersom Roeg placerar strävan efter förlorad kärlek över en avgörande historia. Den gotiska grunden är en mycket kraftfull anordning för att utropa vikten av de banden den litar på, den av faderlig och familjär kärlek, liksom för att ge en vag form till de spöken som hemsöker huvudpersonen. 'Vissa platser är som människor, andra lyser och andra inte'.

81. Fight Club (1999)

Då och då kommer det ett konstverk som definierar en generations psyk. När det gäller biografen hade 50-talet 'Rebel Without A Cause', 60-talet hade 'The Graduate' och 70-talet hade 'American Graffiti'. Och till och med två decennier senare passar ”Fight Club” den grovande, missnöjda, anti-etableringsetiken i vår generation som en handske. Liksom så många fantastiska filmer är ”Fight Club” mycket splittrande och kan tolkas filosofiskt på många olika sätt - vissa tycker att det definierar samtida manlighet, medan andra tycker att det förhärligar våld och nihilisme.

I grund och botten en thriller, berättas filmen från POV av en namnlös huvudperson som lider av sömnlöshet och missnöjd med sitt monotona jobb som korsar vägarna med en kraftig tvåltillverkare som heter Tyler Durden. Durden och huvudpersonen startar snart en underjordisk ”Fight Club” som ett sätt för missnöjda medlemmar i samhället att tömma sin ilska. Men snart går Tylers planer och berättarförhållandena ur hans kontroll, vilket leder till ett explosivt klimax (bokstavligen!)

Tillsammans med den djävul-om-vård-attityd som den förökar är ”Fight Club” också ett kännetecken för någon essriktning från samtida legend David Fincher. Den dystra färgpaletten, den skarpa redigeringen och det smidiga kameran har inspirerat en horde mörka thrillers efter filmen. En vattendragfilm från 1990-talet.

80. Före solnedgången (2004)

Här är sanningen om mänsklig utveckling som ingen kommer att berätta för dig: mänskligheten kommer snart att förlora konversationskonsten. Tekniska framsteg har en stor bieffekt: Människor blir allt mindre intresserade av att slå riktiga konversationer - eftersom de har teknik att gömma sig bakom. Och det är precis därför Before Series kommer att hålla i decennier framöver. En serie filmer som handlar om två personer som deltar i riktiga konversationer är en sällsynthet även för denna generation. I framtiden kommer sådana filmer inte att göras alls. Det är därför som kommande generationer kommer att se tillbaka på före-trilogin i förundran och förundran. Och jag kommer inte bli förvånad om trilogin hittar sin förtjänade plats i inte bara filmhistoria utan också i varje filmskolas bibliotek.

Bland de tre Före-filmerna sticker 'Before Sunset' ut eftersom den är den mest hjärtskärande vackra. En film som till sin natur handlar om den starkaste mänskliga önskan: önskan att vara med någon du kan tillbringa resten av ditt liv med. Om du tittar noga blir 'Före solnedgången' i slutändan en spegel, genom att titta in i vilken, kan du bedöma dina egna relationer: Var gjorde du fel? Vem var egentligen ”den” för dig? Vilka möjligheter missade du? Vad kunde ha varit? Det är en av de sällsynta av sällsynta filmer där din egen erfarenhet i livet berikar och ger näring åt din upplevelse med filmen.

79. Matrisen (1999)

En genial, smart idé som gjordes på skärmen av Wachowskis, vilket resulterade i en film som gjorde att många tittare blev försiktiga med verkligheten de befann sig i. Det är sant, när 'The Matrix' skapades fanns det ingen väg tillbaka, det förändrades saker. Inte bara bröt filmen något ny mark i sin berättelse, den revolutionerade också hur science fiction och actionfilmer blev tänkta därefter. Framgången med 'The Matrix' som en film ligger också i hur den mästerligt dabbar mellan teman inklusive filosofi, existentialism och till och med religion, samtidigt som den bär på en handling och en sci-fi-film. Neos förmåga att manipulera den simulerade verkligheten för att utföra till synes omöjliga bedrifter och användningen av 'bullet time', en actionteknik som inte är mindre än ikonisk nu, ökar filmens uppfinningsrikedom. Genren kan vara överfylld nu, men när den kom ut först är det säkert att säga att publiken inte hade sett något liknande.

78. Den sjunde kontinenten (1989)

Att kalla Michael Hanekes ”The Seventh Continent” en skräckfilm låter väldigt fel för mig, men det är så det hänvisas till av de flesta som har sett det. Det är svårt att argumentera med dem, för en titt på den här filmen gör att man känner sig hopplös, deprimerad och rädd. Att ha att göra med en familj som hatar världen och livet i allmänhet tar denna klassiker från 1989 en kall och avlägsen hållning för att ytterligare isolera de tre spelarna från resten av samhället, vilket långsamt men säkert får publiken att känna djupt för dem som deras existensen tar en mörk vändning. Haneke är en av de mest störande filmerna som någonsin prydde silverskärmen och hånar tittaren och släpper aldrig. Om publiken kallar det en skräckfilm, gör de det med hänvisning till en läskig film som inte liknar någon annan. Täckt av tvetydighet och realism, Den sjunde kontinenten är en personlig, intim och skrämmande berättelse om en sann berättelse som lämnar dig i tystnad, för i minst ett par minuter efter det att du slutar blir du oförmögen att yttra ett enda ord.

77. Zodiac (2007)

'Zodiac' är inte din konventionella thriller; det är långsamt och fokuserar mer på humör och karaktärer än plot. Det finns en aura som David Fincher bygger så mycket att du kan känna filmens stämning i dina ben. Det är inte en film som lämnar dig glad när den slutar. Det är också en film där dåliga killen vinner, bra killar förlorar. Och det är därför det är så bra. Inte bara bra utan ett modernt mästerverk. När en film lyckas rycka dig i hela två och en halv timme och låta dig tänka i flera dagar, måste den ha fått många saker rätt som de rutinmässigt skapade thrillers inte gör. Enligt min mening är 'Zodiac' Finchers bästa film, där han med sin disciplin och sitt färdighetsområde visar varför ibland 'mindre är mer'.

76. Magnolia (1999)

'Magnolia' är utan tvekan Paul Thomas Andersons överlägset mest personliga arbete. Den hysteriska atmosfären Anderson infunderar filmen med ger en viss känslomässig flytning till melodrama som är så otroligt beroendeframkallande och katartisk i sin energi. Filmen äger rum helt och hållet i San Fernando Valley med olika sammanhängande karaktärer som går igenom olika faser i deras liv och kämpar för att hantera sina egna inre demoner och känslomässiga konflikter. Anderson älskar dessa människor, han känner dem och förstår dem men presenterar dem som unapologetically vem de är; skarpt nakna människor, råa och rena, konfronterar och övervinner sina djupaste rädslor och svagheter. Vad som gör 'Magnolia' så speciellt är att det är en film som berättar så mycket om sin filmskapare. Vi får en titt på Andersons liv, den plats han tillhör och folket i hans liv. Det finns bara så mycket av Anderson i hela filmen. En film som ”Magnolia”, om den hade regisserats av någon annan filmskapare, skulle ha känt sig daterad och verkade ganska mycket som en produkt av sin tid men med Anderson lägger den bara till filmen.

75. Rosemary's Baby (1968)

'Rosemary's Baby' är ett mörkt, vriden konstverk som spelar med oskuld för att bygga en känsla av skräck. Med att göra med en kvinna som upplever komplikationer under graviditeten tar filmen en helt ny väg med sin plot genom att låta rituella element spela en viktig roll. Det finns så mycket med den här filmen att älska, med början från de välskrivna karaktärerna hela vägen till den avlägsna grublande miljön som omger varje incident som inträffar. Det finns alltid en känsla av spänning genom hela bilden, och det är delvis tack vare den tysta, långvariga filmkopien som utförs med Polanskis strama regissätt. Mia Farrow ger karriärens bästa prestation här som Rosemary Woodhouse, en kvinna som blir svagare när hon kämpar med smärtan som följer med att bära ett barn. Sammantaget matchas atmosfären som fångas av den här filmen av få andra, och hur det sipprar in i din hud är verkligen något annat.

74. Det goda, det dåliga och det fula (1966)

Inträdande karaktärer spelade av legendariska skådespelare, obehindrad, brutal slängande action, hakande musik och intensiv film - den tredje delen av 'Dollars' -trilogin, som sägs vara födelsen av spagettivästern, är övertygande, fängslande, underhållande film när det är som bäst. Blondie or No Name (The Good), en professionell pistolslinger och Tuco (The Ugly), en eftersökt outlaw, bildar ett ovilligt lojalitet när de får reda på en viktig detalj om ett guldstopp gömt av ett flyktigt förbund. som Angel Eyes (The Bad), en hitman, är kontrakterad att döda. Trioresan utgör kärnan i en nittande plot som slutar i en klassisk västerländsk blick nedåt. Clint Eastwood som Blondie är bilden av machismo, Lee Van Cleef som Angel Eyes är onda personifierade och Eli Wallach som Tuco lägger till en karaktärskomplexitet av impuls och raseri till de enklare men mer pråliga Good Vs Evil-handlingarna från de två större stjärnorna. Men tyglarna är alltid regissör i Sergio Leones händer - han använder spretande långskott och intensiv närbildsfilm efter behov för att skapa en spänning i förfarandet. En genre-definierande film Quentin Tarantino, en av de moderna västerländarnas största exponenter, en gång kallad 'Den bäst regisserade filmen i världen.'

73. De resande spelarna (1975)

Alltför länge var Theo Angelopouloss intima, delikat sammansatta epos känt för få filmentusiaster, och kanske uppskattat av ännu färre. Dess ståtliga, gradvisa uppförande av ett filmmonument för vårt esoteriska, kryptiska förhållande med tiden är förståeligt, inte för alla. Men för nyfikna bland oss ​​har det varit känt att ge tröst, ge visdom och gåva en uppfattning som hjälper till att hitta konstanter att hänga på i denna universellt och grymt dynamiska värld. Bland de många saker som den här filmen får rätt är dess orörda grepp om avslöjandena i berättelsen om 'Orestes'. Mytologin associerad med den tragiska figuren fångas med en sinneslös ödmjukhet och ändå lyckas filmen transportera oss genom sin smidiga vision till en melankolisk, långvarig syn på Greklands mitten av 1900-talet. Dess tidsmässiga elegans motiverar tittarhistorien genom att stå bredvid gruppen: från utsidan inifrån. Du tenderar att både känna hur hård den är och reflektera över dess skapande. Det är en sällsynt antifascistisk historielektion eftersom den aldrig säger oss vad vi ska tänka. Det visar bara vad vi ska känna. Angelopoulos och filmfotograf Giorgos Arvanitis placerar oss i hjärtstoppande lokaler och tvättar ut dem med periodens förödande ondska. 'The Travelling Players' är en ödmjuk, sällsynt pärla som känns som om den räddades från upploppsbelagda gator och överlevde genom svält. I enklare termer förtjänar vi inte det.

72. Cache (2005)

Michael Haneke anklagas ofta för att han alltid har handlat med dystra berättelser. Den karaktäriseringen är helt orättvis för vad han i huvudsak gör är att tillhandahålla humana insikter i mörkret som omsluter oss alla, hur våra bristfälliga uppfattningar leder till plågsamma isolering och hur våra illusioner minskar våra chanser att övervinna den isoleringen. 'Caché' är inte bara ett massivt, brännande dokument som pekar på ondskan i massagen i Seinefloden 1961 och vår omänsklighet som ett samhälle, utan också en poetiskt universell karaktärstudie. Georges, vår huvudperson, uppfattar livet och hans närvaro som en social varelse i en förvrängd känsla av glädje. Han flyr från komforten att lita på och kommunicera med andra. Han njuter av sin alienation, precis som han alienerar så många som håller honom så kära. Med det hånar Haneke den generation som vill vara ensam. Hans kamera är ibland ovanligt avlägsen, precis som så många av oss är i förhållande till vår omgivning. Men under hans kontroll måste vi konfrontera vår oanständighet, vår obetänksamhet, vår verklighet. En av de mest utmanande filmbitarna du någonsin kommer att se.

71. Spirit of the Beehive (1973)

Den spanska mästaren Victor Erice gjorde bara tre långfilmer innan han gick i pension. Fortfarande vid liv idag, filmer som El Sur, Quince 'Tree of the Sun' och särskilt Spirit of the Beehive, hans obestämbara debut, som får oss alla att önska att han fortfarande gjorde filmer. En parabelsaga om två barn, det ena som utforskar hans existens med oskyldig, ofta förvirrande fascination och den andra besatt av filmen 'Frankenstein' som spelade i deras lokala teater. Dess mystificerande porträtt av det spanska hjärtlandet lämnas i lockande tvetydighet av Erices karakteristiskt neutrala riktning - sällan vågar hon sig in i filmmetoden till förmån för tyst observation. Det resulterande arbetet är förvirrande, uppslukande och kommer att låta dig undra över själva livets gåta: Dess obesvarbara frågor, dess stora mysterier och deras otroliga otillgänglighet. För att lämna dig helt förkrossad eller ojämförligt rörd, råder det ingen tvekan om att antingen extrem “Bikupans ande” kommer att vara en viktig upplevelse.

70. Alla presidentens män (1976)

Watergate. Ett ord som satte ned gardinerna på Richard Nixons presidentskap och fick människor att inse att även en person av presidentens storlek kan böja sig ned i lägsta möjliga utsträckning för att få sina saker gjort. Medan presidentens kamrater var upptagna med att städa upp den röran han skapade var det två reportrar som fick lukten av det. Trots hotande hot arbetade de outtröttligt, förföljde till och med de minsta ledningarna och ibland förde faror över sig själva i processen för att få fakta till folket. Baserat på boken med samma namn, skriven av journalister, Bob Woodward och Carl Bernstein, är 'All the President's Men' en skarp observation av vad riktig journalistik borde vara. Regisserad av Alan J Pakula nominerades detta till åtta akademipriser, så småningom vann han tre och förlorade för övrigt den bästa bilden till 'Rocky'.

69. Armén av skuggor (1969)

Jag tror att en utmärkt jämförelsepunkt som görs för nykomlingar till Jean-Pierre Melvilles arbete är Stanley Kubricks. Båda utövar extrem teknisk precision och utstrålar absolut förtroende för varje arbetsrulle de lägger ut under långa och kreativt lukrativa karriärer. Med detta sagt är ett billigt men utmanande klagomål som alla kan lämna in till den amerikanska regissören hans 'själslöshet'. En vakans av mänskligt uttryck. Så är inte fallet med Melville. I 'Army of Shadows' brinner Melville karaktärer med en bitter förtvivlan-gnista som gör att varje handling oser av mänskligheten. I den dödliga världen av krigstidens motståndsrörelse kan ett falskt drag leda till fullständig förstörelse och det är med den ovannämnda nåd och virtuosiska kontrollen över hans film som Melville syr frön till en helt trovärdig, övertygande död värld. 'Army of Shadows' är en av de mest tysta, spännande och monumentalt påverkande bitarna av arbetet som kommer ut ur fransk biograf - och att missa en sådan kriminellt förbisedd klassiker skulle vara att göra dig en allvarlig bett.

68. The Shining (1980)

Med sin anpassning av Stephen King-klassikern skapade Stanley Kubrick 1980 en film som fortsatte med att omdefiniera skräckgenren. Här är det inte bara historien eller karaktärerna som födelsen fruktar. Miljön och hur den har filmats hjälper fantastiskt till att låta sinneslösande spänning tränga igenom publikens sinnen. Filmen följer Jack Torrence, en nyutnämnd vaktmästare på The Overlook Hotel, och hans familj när de tillbringar en period av fullständig isolering i den mystiska byggnaden. Genom fantastiska föreställningar och utmärkt kameraarbete ser Kubrick till att innehållet i filmen sjunker djupt ner i vårt undermedvetna. Sättet han manipulerar ljud och atmosfär på är helt otroligt, och skapar för en oförglömlig och ryggradslingande två och en halv timme. Världen av 'The Shining' är vackert mörk och griper dig tätt vid kragen under hela hisnande tredje akt.

67. Chinatown (1974)

Det finns film noir och neo-noir och precis mellan dessa två, sitter Jake Gittes, klädd snyggt med en skarp fedora för att komplimentera det flin i ansiktet. Även om han är en stor beundrare av Polanki finns det alltid något som inte matchar slutprodukten av hans filmer. Förutom Chinatown. Detta banbrytande mästerverk skapade inte bara en identitet för sig själv utan ses alltid av filmskapare som lånar sin stil för att skapa en identitet för sin film. Polanski är en trollkarl på jobbet och lurar oss med urskiljbara ledningar såväl som klassisk noir-pacing och inställning. Men sedan kommer Chinatowns sista akt, som så snabbt bryter ner varje konvention som ursprungligen var knuten till liknande mysteriefilmer, du har en överväldigande känsla av chock och förtvivlan. Dess misslyckande med att slå Godfather II pussar mig fortfarande, men efter ett halvt sekel har folk glömt Sicilien, men aldrig Chinatown.

66. Satan Tango (1994)

Bekännelse nummer ett: Jag såg nästan aldrig Béla Tarrs vidsträckta, underbara mästerverk. Man skulle anta sin favoritstatus för cinephile genom tiderna och det enastående rykte som det har samlat bland amerikanska konsthuskretsar och bland några av de mest informerade filmkritikerna över hela världen skulle ha mig fascinerad. Men den enorma storleken av dess varaktighet (cirka 432 minuter) och den lorisliknande takt som jag hade haft så mycket i Tarrs 'Werckmeister Harmonies' verkade skrämmande. Bekännelse nummer två: Jag såg ”Sátántangó” för första gången på en gång. Jag blev hypnotiserad av dess pragmatiska känsla av den verkliga världen och dess tålmodiga, försiktiga känsla för film. Den observerade mer än den reflekterade och övervägde mer än den gav snyggt formade uttalanden. Dess mytiska, dystra realism var för bra för att vara sant och alldeles för brutal för att ha förverkligats med ett sådant öga för skönhet.

Allt jag ville göra i slutet var att stänga alla mina fönster och omsluta mig själv i mörkret eftersom filmen för mig hade varit som den galna i kyrkan och dess klagan hade gett för mycket mening. Bekännelse nummer tre: Jag är glad att rapportera att ”Sátántangós” saga sociala och politiska reflektioner har börjat göra mig tydliga när jag har återvänt till den upprepade gånger. En sommar tillbringad med att sluka László Krasznahorkais roman, som fungerar som källmaterial till filmen, var särskilt minnesvärd. Allt jag kan göra nu är hopp om att fortsätta att skörda utdelningen av denna lyckliga olycka.

65. Exorcisten (1973)

William Friedkins 'The Exorcist' är perfekt regisserad. Mannen är ökänd för en oregelbunden karriärväg som ser klassiker falla in med chock (och ofta går de två grupperna över för några fascinerande utforskningar av filmlös skamlöshet). Med sin bästa film bestämde sig Friedkin för att skjuta ett drama som precis så handlade om demonisk besittning: Sy patos för sina komplexa karaktärer och visceralt översätta originalförfattaren William Peter Blattys text instängd mellan tro och förlamande tvivel. Slutresultatet av två underbara artister som jobbar högst upp i sitt spel för att leverera en skimrande klassiker av amerikansk film: En som förmörkar nästan alla filmer i sin genre (bar kanske den medvetslöst skrämmande 'Wake in Fright' eller Tobe Hoopers serendipitous turné-de -tvinga Motorsågsmassakern ). Helt enkelt fantastisk.

64. Suspiria (1977)

'För i våra drömmar går vi in ​​i en värld som är helt vår egen' - J.K. Rowling. Och tänk om en av filmens mest vridna sinnen bestämde sig för att spraya sitt undermedvetna på en film. Dario Argentos Suspiria anses trotsa filmlogik med sin konstigt strukturerade historia. Men jag tror att det är ett neo-expressionistiskt mästerverk som fångar filmens verkliga essens, vilket är att få oss att känna oss riktigt, riktigt levande. Argento förstår värdet av rymden och visar därmed större fokus mot film och scenografi, som är de dominerande invånarna i hans film. 'Suspiria' representerar inte bara Argentos stil utan hela italienska skräck, en genre som präglas av konstens estetik.

63. En man flydde (1956)

Oklanderligt exakt och inspirerande ekonomiskt, Robert Bressons oh så sällsynta bullseye slogs med 1956: s 'A Man Escape'. Toppet av mannens kvicksilverkrafter som filmskapare följer den franska motståndsagenten Fontaines försök att fly från ett allt farligare nazistfängelse och finner mening i varje enskild ram. Från den otroligt mänskliga skildringen av huvudrollen av icke-skådespelaren François Letterrier, vars sjunkna kinder och utstrålade ögon så övertygande uttryckte den krossande vikten av att leva under krigstid, till Bressons minimalism som lyckades odla en brännande intimitet mellan publiken och den desperata mannen : Från frekventa POVs och eleganta kompositioner som inte överdrivit tekniker som Bressons omgivande arbete ibland har drunknat i. Jag skulle inte skära bort en enda bild - och därmed fungerar flickan som ett absolut viktigt utbildningssätt för spirande filmskapare: Till måla något så levande och tätt utan att det någonsin känns anmärkningsvärt.

62. To Kill A Mockingbird (1962)

I tider som dessa finns det ingen bättre film än 'To Kill A Mockingbird' för att förklara nynazisterna om den sanna innebörden av kast, tro och ras. En afroamerikansk man anklagas för tidslinjerna för ett rasuppdelat Amerika och anklagas för att ha brutit mot en vit kvinnas blygsamhet. På toppen av rasorättvisa, när en domstol full av vita människor strävar efter hans blod, kommer det ner till en man att bekämpa hans fall. En vit man, som heter Atticus Finch. Han kämpade tappert för att framföra det faktum att alla män är skapade lika i domstolen, vare sig det är färgat eller inte. Hans ansträngningar blir meningslösa, eftersom domstolen uttalar mannen skyldig. Men det som håller tillbaka hos betraktaren är den lektion som Atticus Finch lägger i sina barn. Det vill säga ”du förstår aldrig en person förrän du överväger saker ur hans synvinkel”. Baserat på Harper Lees bästsäljare med samma namn är 'To Kill A Mockingbird' en av de största filmerna genom tiderna.

61. Bakrutan (1957)

Det som skiljer ett mästerverk-thrillerfilm från det avloppsvatten som regelbundet läggs på oss är att i den senare kommer vändningar på ett ögonblick och vilar mer på vår chock än riktigheten av vridningen för att få inslag. Men i filmer som 'Rear Window' framgår små saker från den tid rullstolsridna professionella fotografen L.B. ”Jeff” Jeffries ser ut genom bakrutan ackumuleras droppe för droppe tills de översvämmer, vilket får den oskyldiga Jeff att misstänka att en man som bor över gården har begått ett mord. Hitchcock använder sin kamera på ett mästerligt sätt som en illusionists verktyg för att hålla tittarna spända, lurade och gissa tills käken släpps. Genom Jeffs tvångsmässiga förföljelse av sitt intresse, kommenterar Hitchcock felaktigheterna i voyeurism, hur lockande det kan vara och dysterheten i en ensam stadslivsstil som leder till det. Ännu mer otroligt är det lika mycket en kommentar om tittarens voyeurism som Jeff; när vi är fängslade av Jeffs fängslande. Att titta när man inte bevakas är en ond glädje; Hitchcock vet det, beundrar det och drar oss in med det.

60. 4 månader 3 veckor och 2 dagar (2007)

Vissa filmer rör dig; vissa får dig att skratta; några bryter ditt hjärta. ”4 månader, 3 veckor och två dagar” tillhör en speciell kategori av filmer: de som gör dig orolig och nervös. Som du skulle ha gissat är sådana filmer förmodligen den sällsynta av sällsynta ras. Filmen följer två vänner som försöker ordna en abort i den brutala Ceausescu kommunistiska regimen i Rumänien. Visceral och kompromisslös, filmen griper dig i nacken och låter dig aldrig gå. Att titta på den här filmen är som att uppleva den tarmförstörande känslan du får när du nervöst väntar på att en av dina nära och kära ska komma ut ur en operationssal efter en operation. Det är inte bara realistisk film som bäst; det är också en av de livsförändrande filmerna du någonsin kommer att se.

59. Förra året på Marienbad (1961)

Alan Resnais 1961-film 'Last Year At Marienbad' är det närmaste vi har kommit att visualisera en dröm, och det görs på ett så udda sätt som möjligt. Musiken som tar bakgrunden under större delen av körtiden fungerar som ett lugnande medel som sätter publiken i ett somnolent tillstånd. Trots detta är det ganska omöjligt att hålla ögonen borta från skärmen, för det händer så mycket i hela bilden, men bara lite visas. Jag tycker om att tänka på 'Last Year At Marienbad' som en film som föreställts utifrån det undermedvetna på grund av dess upprepade och förvirrande natur. Karaktärerna är förvirrade över den bisarra världen de också har införts i. Det är en mogen och sofistikerad bit, och jag tycker att kärnplottet - som involverar en man och hans förhållande till en konstig kvinna som han tydligt kommer ihåg att han träffade året innan, även om hon inte minns samma sak om honom - mycket uppslukande, original, passionerad, romantisk, drömlik och naturligtvis lysande.

58. Vilda jordgubbar (1957)

Har du någonsin varit på en biltur där du inte har något bättre än att titta ut genom fönstret? Under en viss tid tittar du på utsikten utanför, innan dina tankar rusar in och vad som är ute är nu bara en mall - det håller inte din uppmärksamhet längre. Så händer det med Isak Borg, huvudpersonen i Bergmans klassiska humörstycke som har hittat sin plats i otaliga bästa filmlistor, inklusive en sammanställd av Stanley Kubrick 1963. Han reser med sin svärdotter för att få examen av ”Doctor Jubilaris” från hans alma mater. Hon gillar honom inte och planerar att lämna sin son. Men vår professor, som spelad av den lysande Victor Sjöström, är inte mycket intresserad av framtiden. Hans tankar och som en följd av detta kastade filmen, bara katapult av de många människor han stöter på under sin resa, ett ljus på hans förflutna. Sett genom Bergmans förlåtande, säkra lins är hans minnen enkla, bekanta och mänskliga. De förhärligar inte hans liv eller avvisar hans prestationer. De är röriga, som de flesta av oss och medvetet förvrängda. När han äntligen kommer till platsen för att få hedern, inser vi att han aldrig behövde en belöning. Han fick det redan i de jordgubbar han samlade med sin barndomsälskling, köpmannen som kom ihåg honom, det oroliga förhållandet med sin fru, det goda och det dåliga, det förlösande och det oförlåtliga. Liksom vi, i form av denna mystiska, oförklarligt rörliga film.

57. Spelreglerna (1939)

Jean Renoirs geniala, bitande komedi av uppförande lyckas hålla sig överraskande bra efter alla dessa år, samtidigt som den förblir lika lekfull och hemsökt som någonsin. Det skakades vid tidpunkten för utgivningen av både kritiker och publik, vilket resulterade i att Renoir klippte ut en betydande del av filmen efter den katastrofala premiären - en del som mestadels innehöll karaktären av Octave, som spelades av Renoir själv. Knappast överraskande är dess tillväxt i statur sedan dess. Filmen är i sitt sluga, auktoritära jonglering av karaktärer, teman, toner och miljö, alltid underhållande underhållande, men aldrig mindre flitig eller mindre överdådigt utformad än det bästa av världsbio från perioden. Dess noggrant smidda bilder pulserar av sofistikering, men ansträngningen ses aldrig och filmen lämnar dig gapande i undring hur djupt intrasslad du var i sin skickligt byggda atmosfär. Filmfotograf Jean Bachelet och Renoir leker med kameran på ett sätt som ger filmen en luftighet, men deras obevekliga kontroll är det som gör den till ett ständigt spännande företag. Om allt detta inte räcker bör du veta att Alain Resnais en gång sa att filmen var den mest överväldigande upplevelsen han någonsin hade haft på bio. Det skulle vara svårt att hitta en mer lysande rekommendation.

56. Den tredje mannen (1949)

Film-noir är en genre associerad med filmer som påkostade mörka gränder, hemliga, förföriska karaktärer, en känsla av mysterium och krämig svartvitt för att täcka allt. Även om många av dessa bilder är spännande och erbjuder en bra tid, är det få som försöker något innovativt och annorlunda. The Third Man är en av de största film-noir som någonsin gjorts, eftersom den berättar sin häpnadsväckande historia exceptionellt bra, med hjälp av imponerande holländska lutningar, slående ljus och vacker musik. Filmen har att göra med en man och hans självföretagande utredning om mordet på hans ekonomiskt välbärgade vän. Handlingen av Den tredje mannen är fodrad med romantik, mörk humor, vändningar och spänning. Kärnan i filmen kan kallas en söt kärlekshistoria, men med allt annat som kastas in, är denna förälskelse tvivelaktig. Carol Reeds magnum opus spelar av ett mästerligt skrivet manus och är en som håller dig vid kanten av din plats hela vägen från dess ödmjuka, lättsamma första akt till ett slut som mycket väl kan vara den smartaste finalen till vilken bild du än ' Jag ser någonsin.

55. Cries and Whispers (1972)

Ingmar Bergmans tragiska familjedrama handlar om en sorg som är obefläckat desperat och feberaktigt brådskande. Det är inte tålmodigt byggt scen för scen och levereras på ett fat vid slutet. Du är gjord för att andas in från filmens första öppning som introducerar huvudspelarna och deras härdade, brännbara sorg med underbara närbilder som gör deras kvävande obehag tydligt. Allt detta är täckt av en oförlåtlig överflöd av rött, i form av den karmosinröda som husets väggar som berättelsen äger rum i är målade med. Bergman gör oss medvetna om dödsstanken som omger kvinnorna i en så imponerande riktning att en verklig död inte är någon anledning till oro. Kvinnornas inneboende våldsamma längtan gjorde allt i filmen till ett skrämmande, blodblött minne i mitt sinne. Sven Nykvists genomgående fascinerande bilder tempereras av Bergmans subtila författarskap och skådespelarnas mästerligt levande föreställningar. Den lysande Liv Ullman verkar mystifiera och fängsla varje gång kameran är på henne, medan den otroliga Ingrid Thulin och Harriet Andersson är så obotade i sitt arbete att det känns invasivt att komma i kontakt med sina känslor. Bergman ger oss inga klara idéer att ta med hem, men förnekar oss alla andra förnimmelser än de som hans karaktärer upplever. Vi undrar hur långt hans tillgång till våra känslor går och han utvidgar den vid varje tur. I slutändan är det inte att tro 'gråta och viska', det ska levas.

54. Once Upon A Time In The West (1968)

Kanske är det Morricones skrämmande poäng eller kanske Delli Collis vision som är lika vidsträckt som väst eller kanske den obevekliga grusen som brusar i Bronson och Fondas ögon och kanske är det kulminationen på alla dessa aspekter i nästan varje bild av maestro, Sergio Leone . Om du behöver en västerländare som har både John Fords skönhet och Sam Peckinpahs oförlåtliga vildhet, så finns det helt enkelt ingen nära Leone. I sin magnum opus uppnår han det som tog honom tre filmer tidigare, för att skapa en mystisk värld mitt i ingenstans. Även om det kanske inte finns något andligt på ytan, har filmen gudar. Gods sportkronor fyllda med 10 liter krut och korn som de sväljer med vatten. Henry Fondas roll som antagonist var förmodligen beslutet under det decenniet, eftersom hans isiga blå ögon inte liknade något som västvärlden någonsin sett.

53. Annie Hall (1977)

Ingen kan göra anspråk på att förstå den förvirrande, alltödande gåtan som är kärlek som Woody Allen. Och ingen Woody Allen-film kommer nära att visa den i sin äkta, knäppa härlighet än den här berättelsen om Alvy Singer, en neurotisk, nihilistisk komiker i New York som faller i 'mer än kärlek' med den snuskiga, flyktiga, glada Annie Hall och faller sedan ur det. Filmen utforskar också könsskillnader i sexualitet genom Alvy och Annie 'Yin och Yang' typ av förhållande. I slutet accepterar även Alvy kärlek som ”irrationell och galen och absurd” men nödvändig i livet. Användningen av flera innovativa berättande tekniker, såsom den improviserade brytningen av den fjärde väggen, snabb växling mellan förflutna och nutid genom smidiga skärningar, visar i undertexter hur Alvy eller Annie känner medan de faktiskt talar något helt annorlunda, och tillägget av en ' historia inom en berättelse 'som klimax, lyft den redan engagerande historien. 'Annie Hall' är förmodligen den första verkligt modernistiska romantiken på celluloid och har inspirerat en generation romantiska komedier i stället. Ingen är dock så charmig som den de vill efterlikna.

52. M (1931)

Uppkomsten av röstinspelningsteknik, ett fenomen för vilket masthuvudet stod som 1927: s 'The Jazz Singer', ledde till en absurd mättnad av dialog i filmer. Tekniken togs för givet som en direkt uppgradering, snarare än ett verktyg som ska användas tillsammans med det etablerade filmspråket. Fritz Lang, en man som började sin karriär i tyst film med en rad mästerliga verk inklusive Destiny, Dr Mabuse the Gambler, Die Nibelugen och den exceptionella Metropolis. Hans migrering till ljud nådde sin topp under 1931: s 'M' - en film som i motsats till alla omgivande källor hade tagit bort nästan allt omgivande ljud. Resultatet är en tyst talkie med en överväldigande livlös atmosfär: En som så effektivt stöder dess berättelse. Historien i fråga slår ut mot ett barnmordare och den tyska styrelsens inkompetens i att fånga honom - bilda en egen kängurudomstol för att straffa mördaren. Det Lang kommunicerar här är av otrolig mognad i budskapet: Den rättvisa som förtjänar att betjänas helt undergrävdes av tidens politiska sammanhang - med Nationalsocialistpartiets inspelade eutanaspolitik och alltmer våldsamma ideal som manifesterar sig som en ond tumör på folkets anklagelser . Peter Lorres föreställning, rik på patos och torterad humanism, hjälper till att hamra hem det djupa bedrägeriet av 'M' - som förblir oändligt rörligt även fram till i dag.

51. 12 Angry Men (1957)

Svaret på om pojken var skyldig eller inte får vi aldrig veta. Men en sak som 12 Angry Men bekräftar är att logiken alltid kommer att råda över intuition, om det finns en sund man i en värld av dårar. Och är dårskap en sjukdom eller bara en biprodukt av okunnighet? Sidney Lumets drama ber dig inte att använda din hjärna över hjärtat, men strävar efter att nå en punkt där du kan fatta ett beslut, med båda som arbetar tillsammans. Tillsammans med sitt nitande manus, som sitter stolt i läroplanen för varje filmskola runt om i världen, är kameran och iscensättningen direkt ur en japansk New Wave-klassiker. Med en oförglömlig föreställning från ensemblebesättningen är 12 Angry Men ett monument över American Cinema.

50. City Lights (1931)

Inte många tidiga filmskapare har det erkännande och popularitet i dagens kultur som Chaplin åtnjuter. Detta kan bero på många anledningar. Hans filmer talar till allmännen och är tarmfullt lustiga, men mer än så, hans berättelser ser på melankoliska situationer i ett humoristiskt ljus. Så är fallet med den troligen hans mest personliga bilden, ”City Lights”, som berättar historien om en luffare och hans ansträngningar att imponera och hjälpa en dålig blindflödesflicka. Han gör det under en fasad och låtsas vara en rik man för att fånga hennes uppmärksamhet, men stöter på problem medan han gör det. När en film fortsätter att vara lika rolig och rörande i dag som för mer än 75 år sedan, betyder det vanligtvis att det finns något den gör rätt. 'City Lights' har satt sitt prägel på världen med sin skildring av fattigdom och liv under depressionens hårda år, som är så väl genomförd och kände att den aldrig misslyckas med att röra publiken, samtidigt som de hoppas på en bättre morgondag.

49. Come & See (1985)

Den senare halvan av ett otroligt skickligt filmteam, regissören Elem Kilmov var gift med Larisa Shepitko - den lysande virtuosen bakom 'Wings' och 'The Ascent'. När hon så tyvärr dog i en bilolycka, avslutade Kilmov arbetet med sitt exceptionella oavslutade projekt 'Farväl' (som bara kunde ha tagit den här platsen) - och jag tror att det som gör allt detta sammanhang så kraftfullt är hur mannens sorg blöder in i varje ram i hans arbete. Kilmovs biograf ser med outtryckt ilska och desperation: Hulking i sin egen överväldigande vikt av känslor - och få filmer som någonsin skapats har pulserat med en så kraftfull känsla som Kom och titta . Förmodligen, den bästa krigsfilm som någonsin gjorts, dess helvetes skildring av Wehrmachtinvasionen i Vitryssland ekar med öronbedövande explosioner, mardrömmande bilder och en värld som sakta dräneras av livet - dess scener tagna i ett underbart, ihåligt ljus. Men i all denna ångest hittar Kilmov sin väg till förståelse i sin transcendentalt mogna slutsats. Kanske, i sitt åtagande att överväga livets förgänglighet, hittar han äntligen styrkan att begrava benen på sin avlidna fru. Man kan bara hoppas.

48. Det sjunde sigillet (1957)

Från de allra första bilderna av Bergmans ikoniska dokument om tro, rädsla och tillfredsställelse finns det en förtrollning på dig. Den skarpa, korniga blicken på havet, kusten och på den en modig riddare och hans ödesdigra möte med personifieringen av döden definierar filmens klarhet i målet, även om det lämnar utrymme för en förförisk, nästan skrämmande tvetydighet att ständigt vara närvarande. Att dra nytta av en magnetföreställning från den ojämförliga Max von Sydow och ett skådespelare som lyfter Bergmans häpnadsväckande material, baserat på hans pjäs 'Wood Painting', till oväntade nivåer, 'The Seventh Seal' i sina magra 90 minuter har inflytande av en gammal fabel som gått över generationer som driver fantasin mycket mer expansiv än den själv kan hoppas innehålla. Gunnar Fischer's mousserande, skarpa svartvita ser till att den skakande intensiteten kryper under vår hud. Den strömliknande flytningen är ett resultat av en berättelse som vecklas ut med sublimt självförtroende och en påtaglig jämnhet. Det kan vara en helt enkel historia som ändå rymmer värdefulla idéer i sin fäst, men den är sydd med ett tyg så invecklat och djärvt att du inte kan låta bli att titta på det om och om igen för att det ska översättas till ett bestående minne.

47. La Dolce Vita (1960)

Fellinis försiktigt, tålmodigt och poetiskt mjukgjorda virtuos visas i full utställning i sin Palme d’Or-vinnare som i sin själsliga och skuggiga glamour fångar ett sätt att leva som verkar för svårfångat och på vissa sätt alldeles för verkligt. Dess takt framhäver huvudpersonens känsla av mållöshet och tvingar oss att bada i det symfoniska arrangemanget av livets livlighet och hur flyktigt det hela är. Denna huvudperson spelas av en karriärbäst Marcello Mastroianni, som använder denna tidsgåva för att fylla ögonen med en oemotståndlig trötthet i världen. Att ifrågasätta betydelsen av vissa delar av ”La Dolce Vita” som kan verka saknar filosofisk betydelse eller berättelse är att avvisa möjligheten att låta de pikanta detaljerna tvätta sig över dig och sedan överväga konsekvenserna. När Nino Rotas himmelska poäng för oss in i den svimlande världen i Rom, sett genom Fellinis illusoriska öga, ser du bara vad han vill att du ska se och det blir snabbt det du också vill se.

46. ​​Psycho (1960)

Människor kan i bästa fall beskrivas som märkliga. Det mänskliga sinnet som har förmåga till många häpnadsväckande saker, kan också degenerera sig till förståelse. Alfred Hitchcocks 'Psycho' behöver inte introduktioner eftersom den håller huvudet högt mitt i tidlösa biografer. Förutom att vara en klassiker, är det också en sorglig kommentar till människans sviktande moral. Och det är inte Norman Bates! Det frätande greppet om fru Bates som satte Normans liv i botten hela hans barndom och så småningom vuxenlivet är en påminnelse om hur kärleken kan kvävas. Berömdt antog Mr. Hitchcock konstiga policyer för 'Psycho', som inkluderade att inte tillåta sena deltagare till filmen. Det antogs för att säkerställa full rättvisa för filmens pulserande klimaxscen. En thriller till sin verkligaste form, 'Psycho' är en historia om en son, hans mor och deras ohälsosamma band av besittningsförmåga. Hitchcock var så våldsamt bevakad över finalen att han marknadsför filmen denna tagglinje - 'Ge inte bort slutet - det är den enda vi har!'

45. Solaris (1972)

Tarkovskys ”Solaris” liknar de fenomen som avbildas i filmen. Från att förvirra mig med sitt djupt rotade koncept till att utvecklas till en enhet som jag inte kan skilja mig från, det är en upplevelse som får mig att undra över den omedvetna naturen hos varje molekyl som utgör universum. Vi kanske känner till de vetenskapliga dimensionerna, men kan något instrument beräkna mängden kärlek eller sorg man håller i ett nanogram av hjärtat? Kan något hitta hjärncellen där ett oförglömligt minne finns? Från Bachs trollbindande musik i öppningssekvensen till den ständiga motorvägsscenen är Tarkovskys tid för att frigöra betraktaren från en normal världs funktion mästerlig. Solaris är ett område där känslor skickar dig till en snurr med vansinne, men vem skulle inte avge när vansinne är vackert att röra vid och tillräckligt visceralt för att befria dig från dig själv.

44. Schindlers lista (1993)

En viktig film som drar stor nytta av Spielbergs känsla för det dramatiska, det är en lika störande och känslig upplevelse för sig själv. Filmen är, som många andra på den här listan, en mästarklass i något som jag vill kalla förenklad, effektfull berättande. Berättelsen följer Oskar Schindler, en tysk affärsman som räddade livet för mer än tusen judar genom att anställa dem i sina fabriker under förintelsen. Alla de tre ledningarna, Liam Neeson som Oskar Schindler, Ralph Fiennes som Amon Goth och Ben Kingsley som Itzhak Stern är i fantastisk form, vilket ger de mest uppriktiga föreställningarna. Särskilt en scen mot slutet av filmen, där Schindler går sönder med tanke på hur många fler liv han kunde ha räddat, rör sig djupt och förblir etsad i mitt sinne som en av de mer kraftfulla, hjärtegivande scenerna i Cinema. Att filmen spelades in i svartvitt, med sällsynt, enstaka färganvändning för att symbolisera eller lyfta fram ett viktigt element, höjer upplevelsen. Lätt, Spielbergs bästa film, förblir den en viktig filmupplevelse.

43. Lawrence Of Arabia (1962)

Bio som medium blir alltmer storslagen. Med den senaste tekniken till sitt förfogande erbjuder dagens filmskapare oss några viscerala filmupplevelser. Men det finns några filmer gjorda innan CGI var i modet, vars rena och monumentala skala inte har hittat en jämnårig. David Leans episka historiska drama baserat på T. E. Lawrence , en av Storbritanniens mest kända personer, är en sådan film. Det spelar stjärnor Pater O'Toole som Lawrence och berättar om sina äventyr på den arabiska halvön under första världskriget. Strax från början målar David Lean en strålande rörlig bild av den oändliga öknen i all sin prakt, med hjälp av filmfotograf Freddie Young och en gripande poäng av Maurice Jarre. Men det offrar inte på något sätt känslor för extravagans. I sitt hjärta är 'Lawrence of Arabia' en fantastisk karaktärstudie av Lawrence - hans känslomässiga kamp med det personliga våldet i kriget, hans egen identitet och hans uppdelade trohet mellan sitt hemland Storbritannien och dess armé och hans nyvunna kamrater inom de arabiska ökenstammarna. Denna hälsosamma kvalitet gör 'Lawrence Of Arabia' till en av de mest inflytelserika filmer som någonsin funnits.

42. The Searchers (1956)

Förmodligen den största western som någonsin gjorts, den finaste filmen från John Fords stora karriär, 'The Searchers', är en amerikansk klassiker, bland de finaste filmerna som har kommit fram från femtiotalet. Även om den beundrades och respekterades vid den tiden, erkändes dess sönderfallande, svindlande kraft inte på några år, men i början av 70-talet hyllades den som en klassiker av genren och kanske den finaste västerlänningen som någonsin gjorts. Visst har tiden urholkat en del av filmernas makt, men inte den höga, rasande uppträdandet från Wayne, och inte heller rasismen i filmen som ger upphov till ilska och ilska. Filmens drivande berättelse, Ethan och hans sökning är tidlös, lika kraftfull idag som den var då, kanske mer för att så många av de subtila berättelsepunkterna nu är tydliga.

41. Pather Panchali (1955)

Filmen som förde indisk film till världen och gav biografen en av de bästa författarna, Satyajit Ray. Baserat på romanen från Bibhutibhusan Bandopadhay berättar 'Pather Panchali' historien om en fattig familj som försöker trivas genom många motgångar i livet. Man kan argumentera för att det romantiserar fattigdom, eftersom betraktaren bevittnar de många prövningar som familjen möter och tjänar sitt försörjningsmöjligheter. Trots detta är det stunderna, blandade med maestro Ravi Shankars musik som förblir hos betraktaren. Det kärleksfulla förhållandet mellan Appu och hennes syster Durga, tågsekvensen som är en av filmens höjdpunkter, tar filmen helt till en annan nivå. 'Pather Panchali' har genom åren blivit en av kultfilmerna och finns regelbundet i listorna över de bästa filmerna genom tiderna, och förtjänat det.

40. Casablanca (1942)

Den typiska amerikanska klassiska filmen. Det finns kanske något så smittsamt över dess charm att du fortfarande blir kär i det, även under alla dessa år. Bortsett från dess enorma återvaktningsfaktor, är dess minnesvärda poäng (som tiden går!) Och den oerhört citerbara dialogen för ett starkt fall. Enkelt uttryckt är det en njutning när alla element i en fantastisk filmupplevelse finns i precis rätt mängder!

Historien är minst sagt enkel, nästan gränsar ibland till banal. En cynisk, trasig man som driver den mest kända nattklubben i Casablanca befinner sig vid vägskäl när damen han älskade dyker upp med sin man. Handlingarna här är de berömda transiteringsbrevna, men berättelsen handlar helt och hållet om de två älskare som ställs mot bakgrund av de tidiga stadierna av andra världskriget, och det tuffa beslut som Bogarts karaktär står inför, att hänga på eller släppa taget. Men som med många filmer av denna genre gör utförandet tricket och förvandlar ”Casablanca” till en av de mest övertygande romantiska draman genom tiderna som också är otroligt bra spelad; Humphrey Bogart och Ingrid Bergman är i toppklass och stöds skickligt av spelare som Paul Henreid, Claude Rains och Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

När man tittar på bio som en konstform kan man inte förneka Barry Lyndons perfektion, från vacker film, fascinerande scenverk, enastående musik till kraftfull regi. Som en berättelse talar den om livet för en ung man i 1700-talets Europa när han klättrar steg mot aristokrati, bara för att ledas tillbaka av hans dåliga öde. Bilden har i sig några av de största scenerna som någonsin filmats, där man använder käftande ljus, färger, fysiska egenskaper etc. Det finns inget bättre sätt att sammanfatta människans liv än att titta på det objektivt, och det är det den här filmen har gjort med en opålitlig berättare. Det är kallt och avlägset, vilket sällan ger publiken en chans att känna för huvudpersonen. Ur detta perspektiv, Barry Lyndon är en överdådig karaktärsstudie, med rika karaktärer, en realistisk touch och ett poetiskt sätt att kommunicera känslor. Det är helt enkelt bio på sitt bästa.

38. Generalen

En av de äldsta titlarna på listan, 'The General', tjänar som en påminnelse om att många moderna actionmästerverk sitter i en väldigt lång skugga av ingen ringare än det tysta komedi-geniet Buster Keaton. Den sistnämnda konstnärens älskvärda tramp handlar med en så imponerande verk som till och med Charlie Chaplin, med en kavalkad av härligt fåniga karaktärer i Keatons fall; allt omgiven av strålande filmforskning som sträckte gränserna för mediet i flicks som Sherlock Jr. och The Cameraman. Allt detta utan att ens nämna hans magnum opus, 1927: s General: Efter en konfedererad ingenjör som rusade för att varna sin sida av de framåtriktande unionsstyrkorna under det amerikanska inbördeskriget. Berättelsen utgör en mall för George Millers senaste 'Mad Max: Fury Road' och i stort sett alla katt-och-mus-filmer som någonsin gjorts, varaktiga med sin lustiga komedi, imponerande specialeffekter och bravadostuntverk som ser Keaton sätta sitt liv i fara mer än en gång allt för att beundra hans kärleksfulla publik. Generalen är fortfarande en av, om inte den, finaste actionfilmen som någonsin gjorts - en som har kul med varje uns av sitt väsen och lyckas kalla till sig så många fantastiskt hanterade ögonblick av episk skala för att konkurrera med alla CG-laddade skämt som görs idag.

37. Blow Up (1966)

Tiden ? De svängande sextiotalet. Platsen? London. Staden som bländar och bländar. Levande och glamorösa. Sex, droger och rock'n'roll. Allt som allt en dag i Thomas, en modefotograf som lever ett liv av, ja låt oss säga tvivelaktig moral. Under en dag full av händelser, medan han går igenom fotografierna av ett par som han fångade ganska hemligt i en park, upptäcker han en död kropp i den. Han går till samma plats och finner att kroppen är mannen från paret. Rädd, han kommer tillbaka till sin ateljé för att hitta den plundrad men med ett foto kvar, det av den döda kroppen. Nästa dag försvinner kroppen. Vem mördade honom? Och varför kroppen försvann? Varför kände Thomas att han följs? 'Blow Up' är regissören Michelangelo Antonionis klasshandling som har inspirerat många filmskapare genom åren, inklusive Brian De Palma och Francis Ford Coppola.

36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)

Den svimlande, surrealistiska uppenbarelsen av kärlek och hjärtskär har aldrig utforskats på det sätt och till den grad av framgång som 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind' gör. Frodigt med vackra bilder och uppfinningsrika partiturer som liknar tyst-era-esque soundtrack, är det omöjligt att förklara allt om 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Utan tvekan är filmen lagrad med en svår att följa berättelsen - men faktiskt är den enkel när du börjar följa - det är en av de filmerna som är rikt givande helt enkelt för att du inte kan hindra dig från att svimma över det mycket tankeväckande konceptet och djupt rörande filmen som det är. Men showens riktiga stjärna är dess författare, Charlie Kaufman , som i form av 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind', mycket väl kan ha skrivit det djupast lysande manus någonsin i filmhistoria. En film som inte bara är unik på sitt eget sätt utan också kan ses oändligt med något nytt att hitta inom varje visning.

35. Taxichaufför (1976)

I 'Taxichaufför' ger Martin Scorsese oss en av de mest störda, osannolika men nyckfulla huvudpersonerna i vår tid i Travis Bickle. Filmen följer honom när han blir taxichaufför för att hantera sin sömnlöshet och ser hur han sakta övervinns av allt galenskapen i staden runt honom. Det verkliga sättet som taxichauffören vinner som film är hur den lyckas smyga sig in på dig, långsamt arbeta sig igenom sleaze och skräck som verkar förolämpa Travis Bickle. I det tjänar den med rätta sin distinktion som en psykologisk thriller mer än ett drama, som ofta arbetar på fler nivåer än bara de två. Filmen kan vara en störande klocka för vissa på grund av dess mörka ämne, en ännu mörkare behandling och en handfull våld, men för tittare som är villiga att se förbi det är det inget annat än ett lysande försök att förstå den del av mänsklig psyke som oftast stammar sig i form av vaksamhet. Jag menar, vem tycker inte om att stiga upp till vår tids felaktighet och ge tillbaka den? Det är den djupt sittande önskan att uppfylla fantasin som ”Taxichauffören” leker med på ett mycket effektivt sätt. Filmen betraktas nu allmänt som en av de viktigaste filmerna som någonsin gjorts och introducerade världen till den kraft som var Scorsese.

34. Paths Of Glory (1957)

Innan Stanley Kubrick marscherade vidare för att utforska de oförklarliga aspekterna av samhället som inte bara överträffade tiden utan också betraktarnas förväntningar från sig själva, gjorde han detta rivande krigstycke som jag rankar vid sidan av 'Come and See'. Till skillnad från det senare extraherar Paths of Glory sin hjärtskärande återgivning av WW från samma mänsklighetens grundhet som dominerade Kubricks senare verk. I Kubricks värld är inte demonerna täckta av blod och lera, utan med medaljer och stolthet, och helvetet gräver på de mest heliga platserna, domstolen. Vid en tidpunkt då industrin hade antagit den attraktiva 3-remsan, målade Kubricks monokrom kriget med en enda nyans. Kropparna, trasorna, kasernen, röken, askan, allt kamouflerat med den allmänna synen av oroande ångest.

33. Tre färger: Röd (1994)

Den sorgligaste delen av konstnärens bortgång är när du tror att deras slutliga verk råkar vara deras största någonsin. Detta var fallet med den polska författaren Krzysztof Kieslowski och hans sista film 'Red'. Kieslowski hade redan tillkännagett sin pensionering från filmskapandet efter filmens premiär i Cannes 1994, men det är hans tragiska bortgång nästan två år efter att han meddelade sin pensionering som gör det ännu djupare sorgligt. 'Red' är den sista delen i hans hyllade 'Three Colors' -trilogi och handlar om en ung kvinna som stöter på en gammal man efter att hon av misstag slog sin hund med sin bil. Den gamle mannen är en pensionerad domare, fristående från livet och alla slags känslor och spenderar sin tid på att spionera på andra människor. Ett osannolikt band med subtila romantiska undertoner utvecklas mellan de två. ”Rött” handlar om chanser och tillfälligheter som slår oss varje dag och vårt misslyckande med att erkänna skönheten och betydelsen av det. Det finns en oförklarlig känsla av melankoli som löper genom hela filmen om tragedin för mänskligt öde och tid och hur vi som människor i världen alla är anslutna på något eller annat sätt. 'Red' är en häpnadsväckande bedrift inom filmskapande och är helt enkelt en av de största filmerna som någonsin gjorts.

32. Sierra Madres skatt (1948)

Som namnet antyder associerar vi ofta skattejakter med det pulserande äventyret och adrenalinkicket som är förknippat med det. Men väldigt få berättelser finns där som talar om de känslor som människor genomgår när de ger sig ut på en resa för att få det guldet. Det sägs ofta att motgångar tar fram din sanna karaktär. 'The Treasure Of Sierra Madre' berättar en historia där lusten efter guldet medför otrevliga förändringar i karaktärerna, vilket i slutändan resulterar i deras individuella ödemark. Medan fokus ligger på girighet som fördärvar samvetet, är det studiet av mänsklig karaktär under ogynnsamma situationer som ligger hos betraktaren. En tragisk berättelse om girighet och svek, den här filmen vann akademipriset för bästa regissör, ​​bäst anpassade manus och bästa biroll. Under åratal har detta blivit en kultklassiker för filmälskare runt om i världen.

31. Pulp Fiction (1994)

Massafiktion, en term som betecknas med tidskrifter eller böcker som framhäver våld, sex och brott. Dessa element fick tidskrifterna att sälja som varma pannkakor. Tarantino tog dessa element, blandade dem runt tre berättelser och skapade en berättelse som inte var mindre än ett filmgeni. En av de mest unika popkulturfilmerna som har gjorts, blir tittaren introducerad till världen av pöbelhitman Vincent Vega, hans partner i brott och motormouth Jules Winnfield, gangsters fru Mia Wallace, boxaren Butch Coolidge och blir blåst bort med dess snygga behandling av brott och våld. En av de viktigaste aspekterna av filmen som bidrog till dess framgång var Samuel L Jacksons framträdande. Som hitman Jules Winnfield som citerar bibelverser som punchlines var han fenomenal. En av de största filmerna i denna tid, ”Pulp Fiction”, har blivit en lärobok för blivande filmskapare världen över.

30. Slaget vid Alger (1966)

Få filmer har belastat politisk börda på ett sätt som berikar deras filmeffekt, men överlåter det till den smidiga italienska maestroen Gillo Pontecorvo att ta den fortfarande sjudande flampunkten från det sena 50-talets franska koloniala förtryck av det algeriska folket och göra det till något helt övertygande. De fortfarande förutvarande parallellerna till Pontecorvos beundransvärt neutrala observation av terror och terrorism begått av båda sidor gör idag att uppleva 'Slaget vid Alger' till en fascinerande intellektuell utmaning för vår förståelse av svartvitt krigföring, a-la den impaling kyla i Miklós Jancsós outplånliga filmografi. Dessutom är dess redigeringsmetoder för tidningar ett landmärke i filmkommunikation och i mitt sinne använde jag mycket starkare Nouvelle Vagens hektiska skärningstekniker än många av dess explorativa masthuvuden. En gång sett, aldrig glömt - 'The Battle of Algiers' är helt enkelt en banbrytande världsbiograf.

29. Goodfellas (1990)

Det är en regissörs dröm att skapa en filmepokal till den period den skapas i. Men för Martin Scorsese är det en vana. Under varje decennium har han varit A-Lister, han har gjort en film som anses vara en av de största under perioden. Han skapade 'Taxichaufför' på 1970-talet, 'Raging Bull' på 1980-talet, 'Goodfellas' på 1990-talet, 'The Departed' på 2000-talet och 'The Wolf Of Wall Street' på 2010-talet. Och det är 1990-gangsterdramat baserat på den sanna historien om gangsterassocierade Henry Hill som blev ett av riktmärkena i genren. Filmen, som berättas i Hill's första person, berättar om hans uppkomst och nedgång som en del av New Yorks maffia från 1955 till 1980. Till skillnad från all gangster-extravagansen i 'Godfather' eller 'Scarface', handlar 'Goodfellas' om äkta detaljer i det dagliga gangsterlivet, med fokus på lika mycket fokus på Hills förhållande till sin fru Karen som hans bedrifter med sina gängkamrater. Men Scorsese använder alla pilar i sin knep för knep för att göra den här affären lockande detta legendariska långa spårningsskott , en minnesvärd dialog och en explosiv handling av Joe Pesci som Tommy DeVito, Hill's stormfulla medarbetare. När det gäller brottsgenren är 'Goodfellas' så bra som det blir.

28. Raging Bull (1980)

Martin Scorsese är känd för att skildra berättelser om trasiga, bristfälliga, ofta självförstörande huvudpersoner i sina filmer. Och han har ofta letat efter historiens annaler för att hitta sina fallna hjältar i sanna berättelser. 'Raging Bull' är livshistorien om den legendariska boxaren Jake LaMotta, vars självförstörande och tvångsmässiga ilska, sexuella svartsjuka och animaliska aptit, som gjort honom till en mästare i ringen, förstörde hans förhållande till sin fru och familj. Filmen är helt inspelad i svartvitt för att verkligen visa den tid det spelades in och den mörka, deprimerande stämningen den definierade. Scorsese förväntade sig att detta skulle bli hans slutprojekt. Således var han noggrant krävande i sin filmskapande. Lika dedikerad var Robert De Niro, som spelar i huvudrollen. Han fick 60 pund och tränade faktiskt som en boxare. Han genomsyrar LaMottas kortsmältade sätt med eldfull perfektion när han helt sänker sig in i karaktär. Han fick ett förtjänat för sina problem. Detta är Scorsese-De Niros största triumf. En intensiv, kraftfull magnum opus.

27. Gudfadern: del II (1974)

I andra avdelningens historia har få filmer varit kända för att leva upp till den första ära, lämna ensamma överträffa dem i vissa aspekter. Om en lista med sådana filmer görs kommer ”The Godfather: Part II” att vara dess kronjuvel. Att leva upp till det första arvet var en enorm uppgift i sig, men den här fortsättningen av 'The Godfather' sagan lyckades inte bara med det, det utvidgade också sitt arv till att bli en del av den största amerikanska historien om organiserad brottslighet som någonsin berättats. Filmen presenterar två parallella berättelser; en handlar om Michael Corleone som den nya chefen för Corleones ”familjeföretag”, den andra visar en utmärkt Robert De Niro som en ung Vito Corleone, och hans framgång till makten. De två berättelserna är skickligt vävda och ger en lockande berättelse som inte förlorar greppet om betraktaren en gång. Al Pacino gör något av sitt bästa arbete här, hans nyfunna blick tuggar praktiskt taget landskapet varje gång han dyker upp på skärmen. En av de nära perfekta filmerna som kan ses oavsett tid, plats och din senaste visning, och du hamnar fortfarande i total underkastelse och vördnad för det. Om del I är det heliga altaret är del II brödet och vinet.

26. A Clockwork Orange (1971)

Det första som förmodligen kommer att tänka på när vi ombeds att beskriva den här filmen i ett ord är ”störande”. Den enda filmen på listan som jag vågar besöka igen, jag fångade mig själv att vinka flera gånger när jag tittade på den här filmen. 'A Clockwork Orange' är social kommentar när det är mest kompromisslöst, och ger skarpa bilder som man kanske aldrig kommer att återhämta sig från. Det är mörkt, det är vridet och det ger inte inlösen för dem som söker det i en film med troligen den dysteraste återgivningen av en dystopi i samhälleliga termer. Och däri tror jag att filmens framgång med att driva ett störande meddelande hem ligger. Okonventionellt på något sätt du kan föreställa dig, det ger oss huvudpersoner som är otäcka till grunden och njuter av handlingar av 'ultraviolens' och våldtäkt; den kommenterar det sociala politiska tillståndet på det hårdaste sättet du kan föreställa dig, sätter dig i ett tillstånd av förvirring när Alex DeLarge (spelad av en karismatisk Malcolm McDowell) utsätts för omänskliga sätt att renovera och slutar lämna publiken i en farrago av alla saker som denna störande upplevelse får dig att känna på en gång. Verkligen ett verk av kubrickiska proportioner.

25. Vertigo (1958)

Historien om 'Vertigo' går så här - den tidigare detektiven Scotty (James Stewart) lider av akrofobi på grund av en händelse som inträffade i plikten. Han kontaktas av en gammal vän för att hålla ett öga på sin fru Madeleine som han tror är besatt. Ursprungligen skeptisk blir Scottie snart självförstörande besatt av den vackra damen, som verkar vara mycket mer än hon låter. Alfred Hitchcocks briljans ligger i det faktum att hans största filmer, spännande att titta på för första gången, verkar öppna ett nytt lager av förståelse för betraktaren vid varje på varandra följande titt. Visst, med en kortfattad blick, 'Vertigo; är ett väl utformat psykologiskt mordmysterium. Men när du tittar på det om och om igen börjar dess teman om manlig aggression och konstruktion av kvinnlig bild i en mans sinne att utvecklas som en oändlighetslåda och svälja dig. Förmodligen den finaste åldrande filmen som någonsin gjorts, den långsamma brinnande glansen hos Vertigo vittnas av det faktum att när filmen öppnas för blandade recensioner betraktas den allmänt som en av de största filmer som någonsin gjorts. Ett mästerverk från mästaren av thrillers.

24. Hiroshima, min kärlek (1959)

Född ur sinnet från den franska vänsterbankvisionären Alain Resnais är 'Hiroshima mon amour' en film som gråter med transcendental kraft. Dess historia om tid sammanflätad med minne och ärrbildning av båda som ägde rum i Hiroshima under andra världskriget, berättade genom två personer - en fransk, en japansk - när de försöker sammanföra det rådande budskapet om den förödelse som orsakats där. Förutom att det inte finns något att vinna, intellektuellt eller känslomässigt, av en sådan dårskap. Det är ett arbete som är genomsyrat av internationell sorg som sträcker sig längre än själva konflikten och in i sanningar och förtryck som hemsöker människor varje dag. Genom efterklangerna av atomutbrottet hittar vi en liten del av det som är så fel med oss ​​själva. Det faktum att Resnais helt enkelt förstår denna orörliga förvirring, snarare än att försöka fixa den, är det som gör 'Hiroshima mon amour' till ett av filmens stora mästerverk.

23. Slumpmässig Balthazar (1966)

Robert Bressons öde mästerverk är en känslaövning. Den avviker från att definiera en tydlig huvudperson eller ett centralt tema såvida du inte räknar den mirakulösa kraften i naturen som är Balthazar och om du tar filmen på nominellt värde gör du det inte. Men om du låter honom vara din åtkomstpunkt till filmens känslomässiga och tematiska landskap, är det svårt att återvända från det obetalt. Balthazars märkliga, magra och svala visuella stil verkar nästan glamorös i efterhand; dess lugna bräcklighet insvept i en avgiven, enastående klok känsla av kontroll. Till och med dess påtagliga ärlighet döljer en studerad ansträngning för att hålla tillbaka lite, att ge näring i sin enkla inställning och karaktär en rikedom som lämnas åt publiken att upptäcka och i några hisnande fall, föreställ dig. Eftersom skådespelarna talar så lite om sin situation, upplever vi slumpmässiga, orimliga grymheter och känner den kvävande sorg för dem. I en form där även de mest skickliga konstnärerna bara syftar till att höja tittarnas sinnen genom att anpassa sig till de beprövade, gav Bressons bilder mig en lyrisk mall för att basera storleken på min medkänsla, för att till och med bedöma hur medveten denna medkänsla är .

Allt detta leder mig tillbaka till min ursprungliga tanke. Att tilldela varje ögonblick betydelse i ”Balthazar” beror inte på om vi antar att innehållet är allegorier av social eller till och med politisk karaktär, utan hur de gör oss känna genom att njuta av deras komplexitet och tystnad istället för att förlita sig på den tanklösa exponering som de flesta filmer tillgriper. Det är alltså helt meningsfullt för huvudpersonen att vara en åsna med samma namn.

22. Andrei Rublev (1966)

Jag tror att 'Andrei Rublev' är det största exemplet på den ryska författaren Andrei Tarkovskys koncept att skulptera i tiden. Många av hans senare verk var abstrakta, eftersom han behandlade otroligt personliga teman och visualisering, som var utspridda över tidsperioder. Med 'Andrei Rublev' fångade Tarkovsky tiden själv och strök den sedan med de djupaste nyanserna av en konstnärs själ. Tarkovsky är förmodligen den enda filmskaparen som kunde skala den högsta prestationen i att skildra en konstnärs förtryck. Han utforskar Rysslands förtryckande regimer som är lika inhemska för landet som dess djupa litteratur som överraskande har ifrågasatt de mest tvingande frågorna om det andliga och metafysiska. Många av Tarkovskys senare drag, inklusive filmning av naturens flöde, kan observeras i Andrei Rublevs resa. Det är en film som filmer dig, krossar dig och får dig att tänka - både under film och långt efter att krediterna har rullat.

21. Äventyret (1960)

Hur tycker du om ett olöst mysterium? Eller en oavslutad berättelse? Söker du stängning genom att desperat leta efter den? Eller accepterar du fakta och fortsätter sedan? Är det inte livet som handlar om? Kompromissa och gå vidare? Filmen som gav Michelangelo Antonioni erkännande över hela världen, 'L'Avventura', är historien om en ung kvinna som försvinner under en segling över Siciliens kust. Sökandet efter henne för samman sin tidigare älskare och bästa vän och ett störande förhållande börjar. Medan berättelsen är vävd runt sökandet efter en saknad kvinna, är dess verkliga syfte att konstruera en berättelse, utan att vara centrerad kring en större händelse och ändå kunna fängsla publiken. De centrala karaktärernas sanna motiv förklaras aldrig fullständigt och när filmen slutar, tvingas betraktaren att acceptera att vissa händelser förblir oförklarliga, precis som livet gör. Ett obestridligt mästerverk!

20. Andlös (1960)

Långt innan Quentin Tarantino krossade sig vidare till den amerikanska indiescenen med sin vildt maverickiska inställning till filmskapande som förstärkte stilens fokus över substans, fanns det den här mannen som heter Jean Luc-Godard som orädd tog på sig de traditionella filmiska grammatikerna och brådskande bröt dem ned, omdefiniera och forma filmer som vi ser det idag med en film som heter 'Andlös'. Kanske har ingen annan film lyckats fånga ungdoms flyktiga galenskap på ett sätt som 'Andlös' gör med sin hänsynslösa energi och berusande atmosfär. Den freaky användningen av hoppskärningar uppmuntrar den inneboende galenskapen i premissen när Godard kraftigt armbär dig från sina karaktärer och ber dig att fokusera på de fragmenterade aspekterna av berättelsen istället för berättelsen som helhet. 'Andlös' är en av de viktigaste filmdebuterna i filmhistorien och medan den fortsätter att polarisera film och kritiker, kan man inte förneka det inflytande den har på modern film.

19. Seven Samurai (1958)

Akira Kurosawa är en av de mest originella, inflytelserika och refererade regissörerna som någonsin har levt. Roger Ebert sa en gång om Kurosawa 'Det kan hävdas att denna största regissör gav anställning till actionhjältar de närmaste femtio åren' och han kunde inte ha varit mer sann. Sergeo Leones 'A Fistful Of Dollars', som sägs ha fött Spaghetti Western-genren, inspirerades av Kurosawas 'Yojmbo'. Vårt nuvarande bidrag är också ett tekniskt och kreativt vattendrag och har inspirerat otaliga direktåterförsäljningar, liksom många visuella element i modern film . Det episka drama berättar om sju historia ronin (masterless samurai) som tar vapen för att försvara en dålig civilisation som inte längre har plats för dem från att plundra banditer i 1500-talets Japan, vilket kulminerar i en hård klimatkamp. Men glansen från 'Seven Samurai' ligger i det faktum att den berättar en mängd välgjorda berättelser som sträcker sig över genrer med huvuddraman. Det finns element av action, äventyr, romantik och åldrande närvarande över hela filmen. Den består också av karaktärer som är rikt utvecklade som en sällsynt biff, som senare skulle bli häftklammer i flera genrer. Verkligen ett inspirerande konstverk.

18. Livets träd (2010)

”Livets träd” är den högsta formen av film: den berättar bara ingen historia utan syftar till att förändra ditt liv. Det är en film som tar tid att växa på dig, och när det gör det kommer du att ha svårt att inte ständigt tänka på det. En filmdikt av extraordinär omfattning och ambition, ”Livets träd” ber inte bara publiken att observera utan också reflektera och känna. När det är enklast är det en berättelse om resan att hitta sig själv. När det är mest komplicerat är det en meditation om människolivet och vår plats i det stora ordningen. Det spelar ingen roll vilken tro du tror eller om du alls tror på högre enhet. Den verkliga känslan av förundran i filmen uppstår ur den magi som livet i sig är. Den vackraste aspekten av filmen är att den blir bättre med tiden, som ett fint vin.

17. Närbild (1990)

Den sena stora iranska författaren Abbas Kiarostami såg ofta skönhet och poesi i de mest absurda vardagliga episoderna av människoliv. Med bedrägligt enkla plottar och naturalistiska miljöer utforskade Kiarostami universella teman som sömlöst översteg kulturella hinder på grund av den typ av mänsklighet som hans biograf i sin tur var inhägnad i. 'Close Up' är förmodligen hans mest fullbordade arbete och ett av de mest originella, uppfinningsrika verk. av filmkonst som någonsin producerats. Filmen tar form av en doku-fiktion för att krönika den verkliga livsprocessen för en man som imiterar iransk filmregissör Mohsen Makhmalbaf. Besättningen inkluderar personer som faktiskt var inblandade i rättegången och spelade sig själva i filmen. 'Närbild' är en häpnadsväckande utforskning av mänsklig identitet sett genom ögonen på en vanlig man som kämpar för att hantera sig själv och sitt liv och av desperat sorg och äkta kärlek till biokonsten stiger han i sin idols skor för att vet hur det känns att vara riktigt levande, beundrad och respekterad. Detta är filmskapande av högsta ordning.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bryssel (1975)

Denna franska avantgarde-funktion med Delphine Seyrig som huvudkaraktär är inte bara en filmupplevelse. Det är närmare en övning - ett test och påverkar dig på sätt som få andra filmer har gjort tidigare eller sedan. Det oberoende stycket fokuserar på tre dagar i en ensam, orolig hemmafru när hon går igenom sitt strikta schema fylld med vardagliga hushållssysslor. Hon är mamma och änka som utför sexarbete för herrar på kvällen för att tjäna pengar. Problem uppstår när den andra dagen hennes rutin störs något, vilket leder till en slags dominoeffekt som återspeglas i timmarna efter den. Jeanne Dielman drar en in i sin långsamma och meditativa värld med Akermans distinkta regissignatur, som involverar diegetisk atmosfär och en hypnotisk aura som framkallas av mästverkets lugna, subtila och tålmodiga personlighet, vilket är en smärtsam firande av existensens monotoni.

15. Rashomon (1950)

En av de mest okonventionella och experimentella bitarna av filmskapande för sin tid, 'Rashomon' tittar på mästaren på jobbet och går ut med sina berättande färdigheter. För att uttrycka det enkelt är det en redogörelse för en incident som inträffade genom fyra väldigt olika synpunkter, de anklagades, offren och de som påstod sig vara ögonvittnen. Det sticker ut på alla tekniska grunder med nästan felfri redigering och mästerlig regi, men filmen säkerställer sina vinster på de temafrågor som den behandlar; frågorna om existensen av en absolut sanning. Är sanningen verkligen så objektiv och orättvis som man gör, eller är det någon subjektivitet relaterad till den? Normalt är det objektivt, eller anses åtminstone allmänt vara, med till synes inga andra versioner av det. Den här filmen ifrågasätter det på ett sätt som betraktaren själv lämnas upprörd över frågor och kommenterar ofta hur människor ibland inte är helt ärliga gentemot sig själva. Det är så tematiskt komplext som det blir, men ändå till synes så enkelt som du vill att det ska vara.

14. Stalker (1979)

Att hålla sina mindre ättlingar, som inkluderar den enormt framgångsrika tv-serien 'Westworld', borta, kan inte 'Stalker's' kolossala inflytande på visuell berättande överdrivas. Idéer - filosofiska, andliga och vetenskapliga - liksom deras skickliga, härliga filmutforskning i 'Stalker' har funnit sina intryck på många science-fiction som kommer efter den. Det är inte så mycket glidande, trance-inducerande och vid punkter, abstrakt pacing eller själsrörande användning av monokromatisk sepia utanför 'Zonen' och präglingsfärgerna på platserna i Estland, som har speglats i arbetet med filmskapare som Terrence Malick och Lav Diaz, för att nämna några, men det bestående tålamodet och ödmjukheten. I stor utsträckning överlämnar de filosofiska regeringarna till publiken, lämnar Tarkovsky så mycket utrymme för tittarna att upptäcka flera metafysiska aspekter av filmen för sig själva, att till och med dess oöverträffade bokstavliga och visuella poesi verkar lika mycket en bild av vår tillverkning som den är av hans och hans medarbetare. Och ändå förblir filmen avskild och leder oss in i sinnets och hjärtans okrytbara mysterier, och vi hamnar aldrig på att riva upp dem, för den raka vägen är aldrig den rätta.

13. Fanny och Alexander (1982)

Nästan 35 år efter den första utgåvan är Bergmans sista regissemangsfunktion lika fascinerande att dissekera som för kritiker över hela världen vid den tiden som alla tycktes kämpa för att se till att deras åsikter om det hördes. Dessa åsikter var mycket mer splittrande än de är idag, men filmens plats i Bergmans filmografi verkar fortfarande svår att definiera. Det är olikt vad Bergman hade gjort till den punkten, i ton, struktur och stor omfattning. Men det är också en otvivelaktig sammanslagning av alla hans tematiska och visuella instinkter korsade i detta livsbekräftande gobeläng av en familj i början av 1900-talet i Sverige. Dess pittoreska överflöd tycks beordra all din uppmärksamhet vid första titt med sina djupt uppslukande variationer av röda, gröna och milda, varma gula som bildar en så berusande färgpalett att dess frånvaro - när allt är draperat i vita, svarta och hårda blått - verkar bestraffande. Bergmans noggrant utformade krönikor strålar ut från en familjepiknik och har förtrogenhet med mänskliga band som hållits samman i årtionden av äkta, ömtålig tillgivenhet. I denna generöst monterade återgivning av liv är födelse och död båda tillfälliga. I den lilla världen bor dessa karaktärer, som de flesta av oss, kringgående glädje allt man kan hoppas på och de räcker för dem, som de borde vara för oss. Är det en illusion? Att titta på denna gigantiska ensemble göra sådana underverk, man kan tro det. Om det är, tro mig, du vill inte att det ska splittras.

12. Apocalypse Now (1979)

Det finns krigsfilmer som visar krigets krångel (som 'Enemy At The Gates'), några andra som glider och avskyr uppfattningen om det (som 'The Pianist') och sedan finns det den djärva 'Apocalypse Now', som inte erbjuder åsikt eller slutsats, men visar istället en grafisk skildring av krigets fasor medan man förhärligar soldaterna som deltar i det. Debatten rasar fram till detta datum om 'Apocalypse Now' är krigskrig eller antikrig. Älskar det eller hatar det; det säkra är att du kommer att komma ihåg det. En av de mest problematiska produktioner i Hollywoods historia, författarregissören Francis Ford Coppolas slutgiltiga slut blev hans mest tekniskt lysande verk. Den nakna förutsättningen är enkel - kapten Willard måste 'avslutas med extrem fördom' överste Kurtz som har gått in i fiendens territorium och gått AWOL. Men det är Willards försvagande resa över Vietnams skrämmande slagfält (förhöjd av Vittorio Storaros hisnande film) som förblir etsad i sinnen långt efter krediteringen. Med den ena minnesvärda scenen efter den andra och definitiva föreställningar av Martin Sheen som Willard, Marlon Brando som Kurtz och Robert Duvall som 'napalm-entusiast' Överstelöjtnant Kilgore, 'Apocalypse Now' som Coppola med rätta uttalade 'handlar inte om Vietnam. Det är Vietnam ”.

11. De 400 slagna (1959)

François Truffauts 'The 400 Blows' är ett verkligt konstverk som härrör från verklig smärta. Truffaut är ett riktigt uppriktigt och djupt personligt arbete som ägnar filmen åt sin andliga far och den internationellt hyllade filmteoretikern André Bazin. Truffaits egen barndom var tydligt självbiografisk till sin natur, och det återspeglas mycket tydligt i filmen. På utsidan handlar filmen om ungdoms- och ungdomskriminalitet som ofta drivs av samhällelig och föräldralös försummelse. Titta lite djupare, så hittar du en film om hopp; hopp som är både intensivt och terapeutiskt. Antoine Doinel, huvudpersonen, är på något sätt en skarp representation av samhället självt, ett samhälle som gömmer sina egna misslyckanden bakom regler, straff och domar. Filmen flyter som en flod och tar publiken med på en resa av hopp, förtvivlan, empati och till och med ren ilska. Om du någonsin ville se hur ett mästerverk ser ut, leta inte längre än 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch är inte filmskapare. Mannen är en drömmare. Och ”Mulholland Drive” är den största dröm han någonsin drömt om. En dröm som inkapslar alla känslor som omfattar den mänskliga existensen. Det är svårt att förklara eller beskriva en film som ”Mulholland Drive” eftersom det här är en film om upplevelse och vad du tar från den snarare än en plot som drivs av en konventionell berättelse som ger dig svar som du gärna kan ta hem med. Lynch har ofta sagt att hans vision för en film i grunden bygger på många idéer och känslor. Och detta blir en port för att förstå en film så komplex och lager som ”Mulholland Drive”. Det är en labyrint av drömmar, ambitioner, önskningar och mardrömmar. Lynch vet vad som skrämmer oss mest och vad som driver oss till ren galenskap. Och det är denna oroande intima reflektion av det mänskliga undermedvetna som gör ”Mulholland Drive” till ett så djupt upprörande konstverk. En som omsluter dig med en känsla av värme och ömhet innan du skär dig genom din skalle.

9. Cykeltjuvar (1948)

”Enkelhet är den ultimata sofistikeringen” - Leonardo Da Vinci. En av de svåraste uppgifterna i filmskapande är att ta reda på när du ska avsluta din film. Slutet i Bicycle Thieves är så tonalt synkroniserat med början, när vi börjar från Antonio, en vardaglig man som växer fram från mängden till Antonio, en vardaglig man, som försvinner i mängden. Livet i Rom efter kriget hade förvandlats varje dag till en kamp, ​​och det fanns knappt någon som gjorde ur det elände. Det finns väldigt få filmer som ger en så djup introspektion som Bicycle Thieves. Det är en film som kommer att bryta ditt hjärta i bitar och ändå inspirera dig att leva livet till fullo. Sällan är en film som är så enkel i sin premiss så lysande effektiv i sitt budskap. Det är praktiskt taget omöjligt att glömma filmen när du har sett den. Även om filmens största prestation är hur många oberoende filmskapare den inspirerade, som fram till denna dag citerar 'Bicycle Thieves' som sin inspiration.

8. Tokyo Story (1953)

'Tokyo Story' är vad varje filmskapare som vill berätta en meningsfull historia strävar efter. Uppenbarligen faller alla av dem! Det finns inget bättre exempel på en film som återger en episk berättelse på ett så enkelt men mästerligt, effektivt och oförglömligt sätt. Med 'Tokyo Story' uppnådde Yasujiro Ozu något som är varje levande filmskapares dröm: att alltid bo i publikens hjärta och sinne. Den som har sett 'Tokyo Story' vet vad jag pratar om. Filmen berättar historien om ett åldrande, traditionellt japanskt par som besöker sina barn i Tokyo bara för att komma till den hårda insikten att deras barn är för upptagen med sina liv för att ta hand om dem och har vuxit enormt långt ifrån dem, kulturellt och känslomässigt. . Det som också är så bra med filmen är dess universella tema som alla, var som helst, kan relatera till. Ozus filmstil säkerställer också att du är uppslukad av en berättelse som ger djupgående insikter i den föränderliga mänskliga psyken med förändrade tider. Helt enkelt lysande!

7. In the Mood For Love (2000)

'In the Mood For Love' är helt enkelt den största kärlekshistoria som någonsin spelats upp på film. Period. Det kunde så lätt ha varit en pjäs eller till och med en poesi. Med vackra, fängslande bilder och utsökt själspiercingmusik berättar 'In The Mood For Love' den komplexa historien om två enkla individer. Två individer som går igenom rädslan och locket att bli kär; och en gång kär, den stora smärtan att lämna den ofullständig. 'In the Mood for Love' skildrar kärlek i sin mest utsatta form. Och därmed avslöjar det våra egna sårbarheter och hur hjälplösa vi är framför kärleken. Sällan har en film som är så underskattad och så reserverad en sådan inverkan efter visning.

Jag är inte säker på om regissören Wong-Kar-Wai avsåg att göra filmen han gjorde, med tanke på att han mestadels spelade in filmen utan manus. Om man tittar på historia är de mest definierande konstverk glada olyckor. Räkna 'In the Mood For Love' bland dem.

6. 8 1/2 (1963)

Nummer åtta och en halv i den italienska maestros filmografi, denna svällande, läckra epik av fantasier, mardrömmar och en alltför lerig verklighet är som en biscotti - absolut absurd i sin form och bakad på ett sätt som inte tillåter att sluka den helt i en gång. Det skrämmande, rastlösa kameran komplimangerar Fellinis medvetna syn på en filmskapare som försöker kanalisera de många förändrade upplevelser som han har haft under sitt knutna liv i sin nya film. Semi-självbiografiskt som det kan vara, '' 8 1/2 '' blåser förbi sin publik med all sin förtjusande komplexitet intakt i en så radikal takt, att jag befann mig att försöka dekonstruera sina snyggt sammansatta bilder i syfte att hitta min egen plats i Fellinis höga specificitet, men kunde aldrig landa fast på marken.

Att utnyttja de skuggade gravitorna från Marcello Mastroianni, Fellinis rena elektricitet kan vara överväldigande. Du hänger fast vid din uppfattning om ett visst ögonblick och känner igen dess kvaviga rikedom bara för att upptäcka att filmskaparen har gått vidare till en annan fladdrande, förtjusande klar sekvens. Hans idéer om konstnärer och deras förvirrande, löjliga besatthet med sig själva kan verka daterade - eller värre, irrelevanta - men djärvheten i deras konstruktion och uttryck går aldrig förlorad för oss. Det förtrollar och bedrar oss, låter oss aldrig ta ögonen från det och glider sedan genom fingrarna när det gryr på oss att vi aldrig har haft det i vårt grepp. Fellini skiljer sig inte mycket från den klarsynta Maya i filmen som verkar veta vad alla tänker: en färdighet som hennes assistent tillskriver telepati. När vår huvudperson, Guido, frågar assistenten om hur hon gör det, konstaterar han tydligt: ​​”Det är delvis ett trick och delvis verkligt. Jag vet inte, men det händer. ” Inga ord kunde vara mer benägna att beskriva filmen med.

5. Person (1966)

Jag tror att det är säkert att säga att 'Persona' ensam bröt bio. Som en skräckfilm på ytan är Ingmar Bergmans klassiker från 1966 mer en studie av individuell identitet än någonting annat. Den här filmen berättar på ett så tvetydigt sätt som möjligt historien om en berömd skådespelerska som tappar rösten och sjuksköterskan som tar hand om henne i ett avskilt hem, där deras distinkta personligheter långsamt börjar smälta med varandra. Att vara regissörens mest 'filmiska' satsning, 'Persona' ser till att vrida varje konventionell regel för filmskapande för att försöka få fram en ny och fängslande upplevelse. Med några av de bästa skådespelarna som någonsin satsats på celluloid hjälper filmens atmosfär oss att uppskatta de frågor vi har om det genom att smart flytta vårt fokus till det hantverk som spelas in. Det finns helt enkelt inget som 'Persona', och det kan mycket väl vara ett faktum.

4. Gudfadern (1972)

Kanske den mest inflytelserika filmen som någonsin gjorts. En av de sällsynta anpassningarna som faktiskt är bättre än källmaterialet - i detta fall Mario Puzos roman med samma namn - har filmen uthärdat genom åren och är en klassiker i ordets riktiga mening som bara fortsätter att bli bättre med varje visning. Filmen berättar om en mafiafamilj under Don Vito Corleone och fokuserar på övergången till sin son när han tar över familjeföretaget efter patriarkens bortgång. Utan tvekan är föreställningar en av de viktigaste styrkorna i den här filmen, med storheter inklusive Marlon Brando som Vito Corleone och Al Pacino som Michael Corleone omdefinierar agerande standarder med sina föreställningar. Allt annat, särskilt manus och stämningsinställningen film och partitur, är förväntat A-takt och genre definierande. Med rätta finns det ingen filmfilm som inte har sett detta mästerverk i en film. Det är altaret dit vi går för att be.

3. Citizen Kane (1941)

Den heliga gralen av amerikansk film. ”Citizen Kane” definierade nästan alla aspekter som omfattar biokonst. En film som bröt otaliga filmkonventioner bara för att skapa nya. Helt från dess banbrytande tekniska egenskaper, inklusive belysning, ljud och grafik till dess mycket innovativa berättelsestil, förändrade 'Citizen Kane' hur film gjordes. Filmen är en djupt djupgående karaktärstudie som tar formen av ett mysteriedrama för att avslöja sanningarna i livet för en gåtfull förlagsmagnat vars sista ord har väckt en reporters intresse. Han ger sig ut på en resa och utforskar en människa som en gång började sitt liv med råa ambitioner och önskningar men snart skulle ge efter för de förföriska krafterna hos girighet och auktoritet. 'Citizen Kane' är ett oerhört kraftfullt konstverk som sveper i sin utforskning av djupa teman och fångar de oändligt komplexa känslomässiga aspekterna av att leva livet som människa.

2. Spegeln (1975)

Kan konst vara någonsin så personlig att man inte lyckades skilja den från sin skapare? Det här är en fråga som slog mig när jag först såg Andrei Tarkovskys ”The Mirror”. Det här är ett konstverk där konstnären helt ger sig till sitt arbete som du inte skiljer mellan honom och det arbete han gör. Det är nästan som om Tarkovsky andades hela filmen. Författare har gjort sina mästerverk, förändrat och format film som vi ser det idag men Tarkovsky tog ett steg bortom det och uppnådde det ouppnåbara; ger liv åt sin konst. 'The Mirror' andas bara bio. Du kunde se Tarkovsky, hans familj, kulturen han växte upp i. Faktum är att du lyckades se dig själv i den, din mamma och det finns den här känslan av Deja Vu som slår dig i ögonen när du tittar på dessa platser. Det är nästan som om du har varit där, kanske i livet eller i en dröm förlorad någonstans. Och för en konstnär att skapa något som personligt och intimt är något som verkligen går utöver ord. Det är en film som underbyggar det vi alltid har känt: film är den största konstformen.

1. 2001: A Space Odyssey (1967)

Liksom alla andra poster på denna lista är ”2001” också en lektion i filmskapande. Flera filmskapare, inklusive Christopher Nolan och Denis Villeneuve, har talat om hur filmen har varit deras inspiration. Så, ja, filmen är ett tekniskt underverk. Men det är inte därför filmen toppade listan med så många fantastiska filmer. Den sitter högst upp eftersom det är en film som vågade gå till en plats där ingen film har gått tidigare. Helvete, ingen visste ens att det fanns en sådan plats där biografen kunde sträva efter att åka. Och om någonsin biokonsten krävde ett skäl eller ett bevis för att bekräfta att dess syfte med existens är mycket mer än bara underhållning, så är det här: det helt övertygande och ytterst mytiska, ”2001: A Space Odyssey”.

Stanley Kubrick utvidgade filmens horisonter med nästan alla sina filmer. Med ”2001: A Space Odyssey” gav han också en ny mening till vad bio kan uppnå. Majoriteten av filmskapare använder film som medium för att berätta en historia. Men Kubrick använde film för att ifrågasätta. Vad ifrågasatte han? Allt, från Gud till syftet med vår existens. Medan ”2001: A Space Odyssey” är en mycket intelligent science fiction-film i sig, är den också så mycket mer. Jag tror att det är en film som är mer av en filosofisk strävan att avgöra om Gud existerar. Prata om att sikta högt!

.