100 bästa japanska filmer genom tiderna

Först och främst vill jag ägna lite tid åt hedervärda omnämnanden och nästan missar: Den otilltalande Miko Naruses mödosamma flytande moln, när en kvinna går uppför trappan, längtan och det mer förlåtliga ljudet av berget lyckades inte. Jag har försökt lämnat gott om tid att värma upp för hans arbete, men det intresserar mig inte, tyvärr att säga. Tampopo, Castle of Sand, the Man Behind the Sun, Angel's Egg, Belladonna of Sadness och The Taste of Tea passade tyvärr inte heller på min filmiska pall. För att minska tidvattenflödet på ett överflöd av Akira Kurosawa och Yasujirō Ozu inkluderade jag inte deras fantastiska Stray Dog, Scandal eller Kagemusha; inte heller den påvisbart produktiva Ozus Jag föddes men & hellip ;, försommaren, senhösten, den enda sonen, slutet på sommaren, smaken av grönt te över ris respektive en höna i vinden.

Tänk på att den här listan är för de bästa filmerna: Så ingen av dessa filmer tappade den faktiskt till plats nr 100 oavsett. Jag ville bara erkänna deras kvalitet bland så många andra ädelstenar. Så är också Shohei Imamuras solida men i sista hand otillfredsställande Pigs & Battleships, The Pornographers and A Man Vanishing frånvarande, tillsammans med Yoshishige Yoshidas vackra Coup D'état och Wuthering Heights, Kon Ichikawa's ödmjuka Conflagration, The Heart och Ten Black Women samt Hirokazu Koreedas röra efter livet, som far som son och ingen vet & hellip; som alla har gjort mig upphetsad att söka efter stormen när detta är över. Slutligen vill jag ta en stund att prata om Sion Sonos arbete: Trots frustrerad uthållighet och desperat hopp - jag kan inte säga att en enda bit av hans jag försökte var värt ansträngningen. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance och den execrably dåliga Love Exposure är alla snubbar, inte minst den senare - vilket var den allra värsta filmen jag såg på denna resa genom japansk film. Outhärdlig.

Med det ur vägen: Låt oss börja. Här är listan över de bästa japanska filmerna som någonsin gjorts.

100. Helvetets port (1953)

Ett lyxigt utrustat periodföretag, Gate of Hell's appeal ligger i dess underbara palett av mönster. Regisserad av Teinsuke Kinugasa, mest känd för sitt landmärke från 1926 En sida av galenskap , det är en tätt sårad berättelse som tar ungefär två försök att uppskatta till fullo, särskilt för västerländska recensioner som inte känner till den hedersbundna koden för Feudal Japan - men belönar med en rikt utformad vridning och olyckliga antydningar till den övernaturliga hot som titeln antyder.

99. Lone Wolf and Cub Series (1972 ... 74)

En udda utmanare för kungen av serietidningar, Lone Wolf och Cub spårar en förvisad bödel och hans unga son genom en serie med sju delar av flicks som alla utgör denna plats på listan. Del III: Babyvagn till Hades och del VI: Vit himmel i helvetet är de starkaste i mitt sinne - även om var och en är värd en klocka och nyligen tillgänglig från Criterion Collection från och med i år. Det är ett urval av varma karaktärstycken med spännande handling och humor för att förmörka alla formaliteter i berättelsen - allt värt att titta på och mer än värt att skapa sitt eget utrymme här.

98. Ichi the Killer (2001)

Upprörande bortom upprörande underminerar Miikes oroliga stilfläckar något behov av substans, centrerar fokus på fördärv och överflöd från ordet och uppfyller sitt löfte om smärta och blodsutgjutning i en utsträckning få filmer på den juridiska sidan av linjen kan ens förstå. Det är härligt fånigt kul med en slick av mörker så extremt att du måste ta det på allvar. Jag kan inte låta bli att respektera Ichi the Killer för att vara så bekväm i sin egen absurditet - och medan den titulära karaktären visar sig vara en kliché uttråkad, hittar Miike tillräckligt med fart i de tidiga stadierna för att driva igenom till mål med mig förvirrad, förvirrad och helt fascinerad av upplevelsen varje gång.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, mannen bakom brottsantologin Strider utan ära eller mänsklighet , är en konstnär som här uttrycker en genomträngande kvalitet så underbar om bredare japansk film: Att vara rädd för att omfamna genrefilmskap. Herre på täppan är designad enastående som en uber-fånig satirisk komedi och medan den träffar humanistiska märken längs vägen, gör floderna av stänk och oklanderlig komisk timing Fukasaku fäster till även de mest sjukliga situationerna som gör flickan till en absolut explosion. Takeshi Kitanos tur är särskilt anmärkningsvärd och skrotar alla uppfattningar om respekt för ett allvarligt angrepp på humor och smak. Herre på täppan är rörigt, så mycket är sant, men hur det så outtröttligt omgrupperas gång på gång för ännu en attack mot de skeptiska är härligt. Utan att tveka förstår Fukasaku det trubbiga vapnet han håller i sina händer och svänger det med full kraft. Det faktum att det var hans sista film ger en viss värdighet för människans ansträngningar - ett självmordsuppdrag som slår mot ett roligt ben, du måste vara komatös för att inte känna sig stickande minst en eller två gånger hela tiden. Viktig underhållning.

96. Godzilla (1954)

En klassisk monsterfilm som konkurrerar med King Kong och någon av Universals fantastiska originaluppsättningar, åtminstone i skala. Godzilla har inte riktigt den osynliga människans mänsklighet och skicklighet eller den grymma längtan från The Creature from the Black Lagoon - men det är kul. Att titta på en stor man i en dödssvår kostym korsar urban Japan är en engagerande upplevelse fram till i dag, främst för sin oundvikligen ödmjuka charm. Det känns i ögonblicket och trots de snabba dateringseffekterna är det mer än välkommen att stanna där eftersom reliken från en tid sedan länge förlorat - och nu är det bättre än någon annan att hoppas att det är maskerat bly Haruo Nakajima vilar i fred.

95. Crazed Fruit (1956)

En förutgående grundare av den japanska New Wave, Crazed Fruit's fokus på ungdomens flamma hittar sina fötter med en enkel berättelse som sträcker sig långt bortom dess ödmjuka parametrar: Att hoppa över staketet av två förälskade män med samma kvinna för att återspegla ett intryck av efterkrigsgenerationen som helhet. Dessa människor är hårda, oberoende och desperata för att bevisa sig själva ärrade av den upprepade vanhelgandet av deras nations värderingar. Den hittar en nisch av berättande som ricochets genom sociala och politiska sammanhang - och representerar de breda första stegen i New Wave. När denna lista fortsätter kommer vi att se att den långlivade rörelsen för alltid vågade inåt - antingen fascinerad eller rädd och därigenom hitta en berättelse inte om nationer - utan om sexualitet, perversion, våld, girighet, övernaturlighet och psykos. Andra världskriget kan fortfarande lura i dessa berättelser - men jag tycker det är spännande att tackla det lika öppet som Galen frukt gjorde möttes så småningom med fokus, snarare än explosion av tema.

94. Oharus liv (1952)

Vår första film av Kenji Mizoguchi, Oharus liv bevisar en klassiskt rörande karaktärstudie som gör sin huvudperson reflekterande över situationen för kvinnor i Japan efter kriget, något Mizoguchi gjorde beundransvärt under hela sin karriär. Ett expansivt, komplext dramatiskt stycke som använder tid för att lyfta fram situationen som snabbt blir dess fokus, Mizoguchi producerar ett av sina finaste verk enbart för det sätt han så humanistiskt spänner och bryter med Oharu själv - regissören rörd av motgången hon möter. Det är detta förhållande som blöder rakt igenom skärmen som gör att filmen kan lyfta sitt drama bortom trovärdighet.

93. Dreams (1990)

Skrev av baksidan av sitt eget undermedvetna, Akira Kurosawa Drömmar är en målerisk bild av insidan av en mans sinne: löst jämförbar med Pastoral förutom att de saknar New Wave-känslor till förmån för en mer uppmätt, lugn utforskning av Kurosawas nattvandring. Den resulterande samlingen av vinjetter avslöjar något otroligt och unikt med hur livet filtreras genom linsen i vårt undermedvetna - och i detta kan det bara vara den mest ärliga filmen Akira Kurosawa någonsin gjort. En klar, härlig liten pärla.

92. Funeral Parade of Roses (1969)

Regissör Toshio Matsumotos breda uppfattning om Oedipus Rex (kanske den finaste biografen har att erbjuda), Begravningsparad av rosor markerar en avgörande vattenskillnad för alternativ sexualitet och könsutmanande bilder i japansk film - och marknadsför sig utan de gränser som har förändrat rörelsen idag. Det är både en firande och en kritik av mänskligt uttryck, att förstå den förvirring som karaktärerna möter såväl som att omfamna sina egna beslut med ödmjukhet och glädje. Denna kritiska antagande om konflikt är det som definierar Begravningsparad av rosor 'Framgång och även om jag inte tror att det är den avskedade Matsumotos kronprestation, så kan vi alla lära oss idag hur det förkämpar sina ämnen på ett så ärligt felaktigt sätt.

91. Paprika (2008)

Satoshi Kons 2008-film jämförs ofta med Chris Nolans Början - båda baserade på begrepp om dröminvasion och tvång. Jag tror att den viktigaste skillnaden som gör att fansen delas över en barrikad är det faktum att Nolans försök har större känslomässig resonans och karaktärsfokus - men allt detta hamnar i en tråkig struktur. Kon skriver i 85 minuter och fyller varje ram med en berusande energiuppblomstring och färgbryggning mellan lager med sådan frihet och flexibilitet i berättande att Nolans tätare arbete helt enkelt inte kan hålla jämna steg. I slutändan står båda som solida exempel på hantverk och uppfinningsrikedom - men när det gäller vad jag hellre vill sätta på i slutet av en hård dag finns det ingen tävling. Och att upptäcka det stora utbudet av kreativa krafter Paprika håller i sin arsenal, framför att bara vara en rolig smak av Inception - man behöver bara ta en blu ray och slå play.

90. Änglarnas extas (1972)

Som en branschomfattande rörelse känner jag att de rådande punkterna i den japanska nyvågen kretsade på basen av sex och våld. Båda är inneboende i livet och konstelement som fortsätter att matta världsomspännande filmproduktion - men jag känner att få filmer hanterar dem i en förlovad. Ecstasy of the Angels förstår att det är sin egen vulgaritet. Regissören Kōji Wakamatsus fortsatta omgång med ett sådant extremt ämne gav honom förmågan att finjustera skildring av brutalt våldsamma personligheter - och resultatet är en galen Sid & Nancy-utforskning i anarkisk självförlust, liksom en bitter aning romantik kastad i mixern. Oavsett din åsikt i slutet är det en vild åktur.

89. Ornamental Hairpin (1941)

Av alla förkrigskonstnärer vars minne abstraheras av tiden är Hiroshi Shimizu kanske den främsta bland dem i akut behov av återupptäckt. Trots en riklig utsläpp av Eclipse från Criterion-samlingen (en smärta att få tag på och spela var som helst utanför Amerika), verkar han dåligt nämnd bland periodens viktigaste regissörer och jag håller absolut fast vid tron ​​att han borde tävlas bland de bästa av dem. Prydnadshårnål släpptes när Japan drog Amerika in i andra världskriget och ändå är det spänt med en hoppfullhet och enkelhet som går till en mer civiliserad ålder - eller åtminstone talar till den pacifism Shimizu kan ha levt med från dag till dag - ignorerar en konflikt han anser barbariskt och trotsar den yttre bilden av Japan vid den tiden. Utan att störa denna beskrivning i alltför många politiker, Prydnadshårnål ligger bland de finaste funktionerna som Shimizu har skapat och det är hans bestående minimalism som säkrar dess vackert diskreta resonans.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Jag tvivlar inte på att mötas med utbredd vitriol för att placera en så universellt beundrad klassiker så lågt - men det måste sägas att bland otaliga tusentals Ugetsu Monogatari rankas fortfarande bland de 100 finaste japanska filmerna som någonsin gjorts. Jag har en distinkt avsmak för Mizoguchis erkända mästerverk: Ett långvarigt sår av ibland alltför enkel riktning som ofta förstör hans så ofta perfekta konstverk och förstör alla dess tidigare effekter. Med detta sagt skulle jag ljuga om inte för att nämna hur enastående fascinerande denna flick var för mig när jag var yngre och trots en nedslående serie av omklockningar på senare tid, de magiska stunderna där allt faller på plats och Mizoguchis mirakulöst sammansatta, filmiskt uppslukande och i slutändan mänsklig attraktion smög tillbaka i mina ådror. Ugetsu Monogatari glider delvis in på listan för att det är ett banbrytande arbete, vilket är synd eftersom jag är stolt över att sätta personlig preferens framför status: Men kärnan i saken är att jag vill älska det. En dag snart kommer kärleken att dyka upp igen och Mizoguchis mästerverk kommer att stiga ännu högre. Tiden får avgöra.

87. Inferno of First Love (1968)

Spåra paralleller i sin uppfattning helt tillbaka till liknande Andfådd och Eric Rohemers meditativa sällskap i My Night at Maud's från den pågående Nouvelle Vague, Inferno of First Love är en tyst, vackert absorberande observation av ett par som tar sina första steg tillsammans och den inbjudande, passionerade, tråkiga, kalla, ofta tomma luften som hänger runt dem när de försöker utnyttja den anslutning som filmens titel så djärvt lovar sin publik. Det är ett konstnärligt underhållsarbete som belönar tålmodig tittare med rörlig mänsklig interaktion.

86. Cure (1997)

Redigeringen i Bota är dödlig. Det fortskrider till en punkt där du vill se bort, Kurosawa fyller publiken med en implicit förståelse för hans films nådelöshet i hur den skär igenom inhemsk rutin och blodsprutade lik lika naturligt som andas; och det är denna utomordentligt kalla, nästan psykotiska acceptans av döden i livet som får mig att ifrågasätta dess ledande officer, Takabe, och hur helvete situationen angående våld i Japan är att ha blivit så vana vid brutala mord. Medan den rör sig vid en trög krypning som börjar undergräva den andfådda spänningen Kiyoshi Kurosawa har kunnat andas in i biten, Bota är fortfarande ett mer än värdig tillskott till sin starka filmkanon.

85. The Bad Sleep Well (1960)

Akira Kurosawas svagaste Shakespeare-bearbetning är fortfarande en av hans starkaste filmer, och löst spårar berättelsen om Hamlet med en svärd av företagskritik som väntar i vingarna. Trots att tangentiellt hålls mot andra versioner, sitter BSW som en svag återgivning av den vördade pjäsen vars dialogbelastade komposition inte lyckas fånga bredden och vikten av Shakespeares drama - även om den odlar en unik Kurosawan-berättelsestil som ger en extra dimension till källmaterialet och smider en utsökt övertygande berättelsesslag. Sammantaget mer modernt och spännande än dess inspiration är The Bad Sleep Well ett måste för Kurosawa-fans som längtar efter skickligheten och subtiliteten i hans samtida insatser.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Tackling Tetsuo med svag mage är som att ta en kula utan väst. Klättrade ihop med en massa rester av rekvisita, röriga uppsättningar och smärtsamma specialeffekter - det finns en livlighet att Tetsuo: The Iron Man 's strävan efter det obehagliga som gör det beundransvärt. Jag har en respekt för det billiga som dess skapare handlade om för att uppnå en så bedövande upplevelse som möjligt: ​​Chockerande med sin dunkande ljudmix och dystra monokromatiska bilder som kastar det vi känner till gåtan. Svartvitt målar även de mest igenkännliga föremålen som utgör Tetsuo's världen som fruktansvärda bastioner av det okända, kryper ut under sprickor och låser sig på oss för att påbörja en metamorfos av mutationer både våldsamma och oundvikligen sjuka. Det är en bit av arbetet som oroar publikens känsliga känslor - och det är precis vad bra kroppsskräck ska vara. Tetsuo: Iron Man är utan tvekan en av de allra bästa.

83. Black Rain (1989)

En märkligt tidsinställd film med tanke på att den samarbetade med Isao Takahatas egen avhandling om den mänskliga vägen för kärnbomberna som släpptes vid klimat under andra världskriget och behandlar liknande teman, Black Rain's underlägsenhet till det underbara Eldflugornas grav betyder inte på något sätt att det ska ignoreras. Om något, bör legionerna av beundrare som med rätta samlas runt Takahatas arbete också flockas här. Shohei Imamuras första film på den här listan, Svart regn tar en djupt tragisk, noggrant personlig titt på tyngden av kärnvapnet: Att ta itu med överlevandens skuld, utstötning, sorg, förlust och acceptans av händelsen och dess allvarliga förgreningar i en taktfullt rakt fram stil som är karakteristisk för Imamura, det är på sitt eget sätt lika slående och omedelbar som Hiroshima min kära drömlik klarhet.

82. Humanity and Paper Balloons (1937)

En formalistisk klassiker i samma sfär som Kenji Mizoguchis vördnadsfulla arbete, förutom att här lika vördad regissör Sadao Yamanaka håller sig med en ödmjukhet som alla som planerar att komma in i filmvärlden kan lära av. Hans andra berömda bild, The Million Ryo Pot , är en jämförelsevis lugn, nykterkomponerad och sakkunnigt dramatiserad berättelse - även om jag tror att kanten slår hem för Mänsklighet och pappersballonger eftersom det lyckas göra ett bredare uttalande om vardagen. Bekvämligheten med dess lekfullt ambitiösa titel upprepas i varje bildruta och även om det inte är en sväng så tyckte jag att det var mycket övertygande eller till och med tålmodigt rörligt - det finns något här som kräver en klocka.

81. Tystnad (1971)

Anpassad från samma roman som nyligen tacklades av Martin Scorsese, Masahiro Shinoda Tystnad fungerar som en fascinerande strålkastare på skillnaderna mellan västerländska och östra filmstilar. Scorseses utåt stoiska, hårda ton viks till förmån för en mycket mer ödmjuk syn under Shinodas tappra hand, vilket möjliggör ett hår av ånger och sentimentalitet i en annars uppslukande naturalistisk, avskalad uppfattning om boken. En scen som lyfter fram Shinodas skicklighet när det gäller att utveckla en världslig atmosfär för sin religiösa berättelse utan behov av manipulation kommer i form av en gammal kvinna som sjunger till ett rum fullt av människor: knappt ett uttalat ord resonerar med berättelsen till hands, och inte heller ytterligare karaktärisering förmedlas - och ändå genomsyrar resten av filmen en oundviklig vitalitet som så stämningsfullt spänns under tyngden av den ångest och desperation som prästerna och deras lärjungar möter. Underdriven och lockande toppar dess ödmjukhet den legendariska italiensk-amerikanska regissören för mig varje dag.

80. Go Go Second Time Virgin (1969)

Omedelbart gör det svårt för sig själv, Go Go Second Time Virgin slår av sin 65 minuters körtid med en av flera obekväma våldtäktsscener. Att utforma en berättelse ur den drabbade unga flickans serendipitösa förhållande med en lika ungdomlig, störd mördare som såg långt bort - regissören Kōji Wakamatsus korta men vitala opus definierar sig själv genom att aldrig fästa berättarkonventionen till parningen. Överlämnat till sina egna enheter, avslöjanden och konversationer använder flickan överraskande sin överflödigt låga budget med ofta effektiv sammansättning i karaktären av den japanska nyvågen - samt en konfronterande skildring av sexuellt våld som är mycket mer engagerande, tät och förebyggande än Nagisa Oshimas ökända konstnärliga misslyckande 1976 (och det uttrycker det generöst) In the Sensey Realm .

79. Helvetets syndare (1960)

Markerad med ett mindre än intuitivt manus och en svag plot, Helvetets syndare lyckas fortfarande rita ut sin plats på denna lista för sin annars exceptionella kontroll över konstverket. Varje ram är genomsyrad av tuff belysning och dabbled med en grumlig färgpalett, ibland punkterad av genomträngande röda stickor som fungerar som en subtil påminnelse om den ångest som kommer. Du ser, Jigoku är ett väntande spel: En film som skjuter sin tid i den monotona verkliga världen innan den störtar i helvetet. Den utmärkta öppningsscenen ger publiken en doft av blod som preliminärt tantaliserar i alla andra scener tills vi äntligen får uppleva Tartarus för oss själva: En kavalkad av fantastisk scenografi, härlig färg, överdriven extra och äkta panik när karaktärerna får tid till överväga konsekvenserna av deras handlingar. Så samtidigt som det är tråkigt, belönar det oss med teckningsoptioner Helvetets syndare åtminstone en gång - för lite i biografen matchar dess inneboende motstridiga, kusligt livlösa syn på underjorden.

78. Tjugofyra ögon (1954)

Efter en ung kvinnas matriarkala plats i spetsen för en klass skolbarn och dess konsekvenser för det omgivande samhället, är Twenty-Four Eyes en feministisk text som saknar den transcendentala könsneutraliteten hos något så mästerligt som Jeanne Dielman, men behåller sin plats som en viktig arbeta för stark central framträdande från Hideko Takamine och det Thiassos-berättande spår som går från 1928 till 1946 i en bred studie av intern politik och utvecklingen av perception genom åren från fred till krigstid.

77. Mr. Thankyou (1936)

Hiroshi Shimizus taktfulla meditation om vår interaktion, Herr tack följer en grupp människor på en buss och utforskar all slags känslomässig karaktär på den timlånga resan till deras destination (tack och lov avviker från en bussresa som skulle sluta mycket mindre smidigt lite senare på listan). Det är ett charmigt porträtt av poesin i vardagen som stiger över så många mer ytligt ambitiösa filmer på den här listan för sin förmåga att sitta och prata i drygt 60 minuter utan att missa ett slag. En liten liten skatt.

76. Skamgatan (1956)

Kittlande på kanten av ett opus, Kenji Mizoguchi Street of Shame är en av de stora svanlåtarna - en som drar från människans filmupplevelse hittills i sin karriär och samlar den i ett aktuellt, karakteristiskt noggrant och anmärkningsvärt mänskligt arbete. Bor i ett horahus under skymningen av prostitutionens laglighet i Japan, konstruerar Mizoguchi ett vackert rörligt gobeläng av konflikt och uppenbar 'amoralitet' med tanke på sitt sanna ansikte som genomborrar uppfattningen och låter oss se tidigare fördomar. Nuförtiden njuter publiken ofta av helt anti-heroiska eller kriminellt osunda karaktärer tack vare den lysande glansen av GoodFellas och andra lejonförklarande, ofta glatt sadistiska skildringar av moraliskt osunna karaktärer. 1956, särskilt under en laglig övergång, måste en sådan film ha varit okänd. Kvinnorna i Street of Shame försöker bara leva - och det är det som gör deras börda ännu mer hjärtskärande.

75. Flytande ogräs (1959)

Med rätta betraktas bland Ozus största framgångar som konstnär, 1959-talet Flytande ogräs spårar en resande grupp av artister och familjeproblem som de möter under sina resor - särskilt återföreningen av tidigare separerade partier som hotar att befria det lukrativa teatersällskapet. Det är lika kraftfullt som Ozus bästa filmer, men jag tar ett problem med berättande här, särskilt strukturen. Hålls mot några av de senare Ozu-filmerna vi möter här, det kan inte hålla ett ljus för dem - men det är åtminstone ett mått på hur skicklig en konstnär han var som Flytande ogräs lyckas fortfarande bryta de 75 bästa i ljusstark, kontemplativ form. Fortfarande banbrytande.

74. Pastoral: att dö i landet (1974)

Shūji Terayama Pastoral är en sublim övning i konstighet. Det vore naivt för vem som helst att dubba denna speciella gren av det bisarra ”surrealistiska” för Pastoral är mycket mindre subtil än det: Packar sin korta körtid full av absurd komedi och fantastiska bilder som harkar till ett minne regissören upplevde i sin framtid. Det obegripligt med en sådan inspiration är lite inför dess plot och idéer - men som med hans tidigare verk Terayamas slapphet av plot intrycker inte på något sätt den upplevelse han försöker ge - och om hans magnum opus försöker uttrycka ilskan och passionen hos en missnöjd ungdom är detta hans egen mer personliga uppföljning: En utforskning i ett fängslande sinne fotograferat och varmt förverkligt. Det är lätt att göra en film konstig, men att sedan framhäva effekten av den visuella virtuositeten med personlighet, teknik och regi förmåga är något mannen uppnår här. Det är verkligen något att se.

73. Perfect Blue (1998)

Ett avgörande rop av talang från animatören Satoshi Kon, Perfekt blå finner fysikalitet i den inre kampen för en pensionerad popidol som försöker ta tag i hennes nya identitet - allt insvept i den moderna världens ständigt föränderliga tryck. Kons visuella känslor leder till både fantastiska och så sorgligt överdrivna filmstunder - men jag tror att den berusande berättelsedesignen Perfekt blå finner i den obevekliga med vilken huvudpersonen torterar sig själv och därigenom torteras skjuter den förbi alla direktörhicka. Det är ett metafysiskt stycke som tillåter sig att göra skräck verklig - som skjuter gränserna för traditionella animerade funktioner för något helt mörkt och störande för sin mod. Trots sig själv undviker Kon inte verkligheten i sin skildring av mental nedbrytning - och det är det som förankrar de annars daterade dilemman av Perfekt blå till denna dag. Ett fascinerande, ofta förvirrande experiment med animering.

72. Dark Water (2002)

En direkt utveckling av det skrämmande Ringen , Hideo Nakata Mörkt vatten representerar regissörens andra och kanske enda andra hit- och en som lyckas föra sin stil ännu längre. Det pryds med en mognad som undgår många J-fasor, som understryker kraften i dess drama med en snygg uppmärksamhet på balans och precision som mindre artister inte skulle kunna förstå. Det pulserande strävan efter något osynligt mål återklang i varje scen och mode oundviklighet till ett vapen inte bara av rädsla utan också tvång.

71. Yûkoko: Rite of Love and Death (1966)

Yûkoko: Rite of Love and Death är ökänt av några anledningar, nämligen för att dess regissör Yuiko Mishima också begick självmord genom seppuku efter en misslyckad militärkupp. Mannen var grunden för Paul Schraders allra bästa film, Ett liv i fyra kapitel , och centrerar sig själv som ett bevisligen fascinerande ämne som här använder sig av Noh-iscensättning och stark komposition för att bekänna sitt ordlösa budskap. De squeam-inducerande specialeffekterna är oerhört imponerande för sin tid, och simulerar Harakiris handling till häpnadsväckande effekt och ger den perfekta skiljetecken till Mishimas patriotism. Ingen kapitulation.

70. Akira (1988)

Ett skimrande, neonfärgat landmärke för japansk animation och dess infiltration av det internationella centrumet, Akira markerar en revolutionär punkt från anime och imponerar även idag i dess glittrande färger, söt futurism och amorf, avskyvärd titelkaraktärs dystra transformation. Medan berättelsestrukturen är rörig med sidoteckningar och inte kan hitta en tydlig riktning för att trivas, kommer den poppande insikten om Akira's action och mer imponerande prestationer av animering är det som gör det så inflytelserikt och aggressivt engagerande skärande skärmar med uttrycksfullt utformade vinjetter och överträffar den slappa käftens dumhet i dess utveckling för något verkligt spektakulärt. Den är ond, dynamisk och förtjusande - en värdig klassiker och en kickstart till en underbar tid med att producera högkvalitativ animering.

69. Sansho fogden (1954)

Det är vid denna tidpunkt jag måste erkänna: Jag har aldrig gillat Kenji Mizoguchis arbete. Trots att jag flera gånger försökt ta mig igenom hans bilder har ingenting någonsin fastnat. Lite om hans arbete engagerar mig och vad som finns på en skriftlig nivå sjunker ned i tråkighet när han så transplanterat det på skärmen. Utan tvekan finns det under att hitta i mannens arbete - men det fortsätter att illudera mig. Allt detta i åtanke, jag hittade åtminstone lite tröst i min återupplevelse av Sansho fogden för den här listan - en film som tidigare hade lämnat mig frustrerad över slöseriet med så kraftfullt material. Detta försök blomstrade in i en nyuppskattad uppskattning av Mizoguchis ikonoklastiska tillvägagångssätt, en som känns ledig i sitt tidigare arbete. Den är fylld med djupt påverkande scener och även om jag känner att filmen är ungefär 20 minuter för lång - och kan stiga till mästerskapsområdena i ett mer kortfattat rörligt utrymme - har det åtminstone gjort mark för den legendariska artisten på denna lista. Kanske skulle jag lägga Mizoguchis arbete högre här - man kan bara hoppas.

68. Onibaba (1964)

Vår första film från Kaneto Shindo, Onibaba snurrar en berättelse om misstro och bedrägeri - två tjuvkvinnor som påverkas av en besatt mask som snart söker sin egen agenda. Atmosfären hos paranoia Shindo utvecklas genom hans noggranna iscensättning och skurrande berättelse är lika med flickans framgångssplitring i nya karaktärer och händelser för att höja publikens känsla av oro tillsammans med hans huvudspelare för att driva en unik parallell emotionell koppling. Men jag tror, ​​framför allt detta, Onibaba's bestående status som en klassiker av japansk skräckfilm härrör från ett skott: En enda bild som packar så mycket visceral energi i sin förlamande stillhet att jag blev fysiskt förvånad över den - avskräckt från att våga mig tillbaka till Onibaba i rädsla för att möta samma skrämmande närvaro. Med tanke på den här, perfekt skrämmande uppsättningen av ramar bleknar resten av filmen nästan i jämförelse: Men att helt diskontera det skulle vara att missa poängen med en sådan kontrollerad uppbyggnad, liksom dess sensationellt hanterade klimax.

67. Sonatine (1993)

Det som alltid är imponerande med Takeshi Kitanos arbete är hur han ger levity till även de mest ansträngande scenarierna. Den nästan saknade Fyrverkeri och Våldsam polis delar båda på ett sätt sin plats på listan med sitt opus, Sonatine , och alla talar om hans popularitet i hemlandet Japan som en skärmkomiker och hur dessa rötter subtilt sipprar in i hans filmiska erbjudanden. Varje ram han bor i lyser - trots sin sammansättning av mörka och ofta brutala berättelser. Att leka med vår uppfattning om mänsklig moral och likhet så skickligt är det som gör Kitano till en så fascinerande figur som har framkommit från japansk film under de senaste decennierna - och bevisar, som så dyktigt sa av Rodger Ebert efter att jag såg Sonatine , att grusiga brottsstudier inte behöver offra djup för engagemang a-la Tarantino med hans ytliga monologer och munstycks 'karaktärisering'. Kitano kan göra båda.

66. Demoner (1971)

New Wave vattenstämpel Toshio Matsumoto bedövade 2 år tidigare med sin utsökta Begravningsparad av rosor och 71's demoner upprätthåller sin sinnesmoment med ett skarpt skott nattlandskap som kastar varje bild i fullständigt mörka platser och spelare upplysta i den mardrömmande dysterheten. Andra regissörer har experimenterat med denna teknik, kanske ett tidigast anmärkningsvärda exempel som ligger i Louis Malles förhör i Elevator to the Galge - men få har drivit den till sådana invasiva effekter - varje skott pekade med en omfattande känsla av rädsla och, avgörande, förtvivlan. Oavsett hur nära dess huvudpersoner kommer att fly sina övernaturliga angripare - ingenting är någonsin säkert. Det är uppenbarligen exemplarisk existentiell skräck.

65. Still Walking (2008)

Jag tror att den höga skuggan av Yasujiro Ozu kan kasta en betydande skugga över vilken dramatisk filmskapare som helst, och den mycket värdefulla Hirokazu Koreeda är kanske den främsta bland de drabbade. Mannen försöker undvika jämförelse genom att likna sitt arbete med Ken Loach, mer än den japanska legenden, men en sådan likhet är oundviklig och lyfter fram flera brister i Koreedas metod. Ozu uppmanar dig att sitta ner med sina karaktärer och gradvis avveckla historiens poäng, medan Koreeda sticker sin kamera i samma rum som dramat och bara tyst observerar. Hans stil är mycket mindre direkt, något som påminner om den taiwanesiska mästaren Hsiao-Hsien Hous teknik men ändå ännu mer fristående.

Allt detta i åtanke leder dock Koreedas vägran att tränga in till några kraftigt intima ögonblick senare - där han börjar blomstra när karaktärerna tillåter oss att överbrygga de sex grader av åtskillnad mellan deras värld och vår. Något så enkelt som en person som närmar sig ett piano, extrem skillnad i fokus som understryker vikten av scenen, gör underverk för att ge publiken små, stämningsfulla glimtar i hans karaktärers sinnen. Verkligen Går fortfarande är en bastion av hopp som uppmuntrar filmskaparna i samtida Japan att falla in i familjen drama och sträva efter att fylla det med samma tvång och genomslag som artister som Ozu och Naruse gjorde för alla år sedan. Med regissörer som Sion Sono på scenen är det en gåva att människor som Hirokazu Koreeda fortfarande befinner sig till kusten ovanför den snuskiga magen och ger oss något så tyst och fängslande i sitt porträtt av förortslivet.

64. Bekännelser bland skådespelerskor (1971)

En brutalt ärlig, karakteristiskt öppen film - inte olik den oförlåtliga inkvisitionen av Vinterljus - Yoshishige Yoshidas Bekännelser bland skådespelerskor följer de traumor som fick tre kvinnor att engagera sig i sitt hantverk - regissörens första film i färg och fascinerande: En som i denna nya, rodnande färgrikedom tar bort mycket av hans extrema kameraark för en tråkig, jakt efter sanningen och dess effekt på dessa människor. Uppenbarelseboken är på sitt sätt en form av helande- och Kiju Yoshidas Bekännelser bland skådespelerskor fungerar underbart som en debatt om den idén.

63. Balladen om Narayama (1984)

Balladen om Narayama representerar kanske Shohei Imamuras mest kända film, i sig en remake av en lika vördad klassiker. Det som skiljer Imamuras bit ut är hans taktila tillvägagångssätt för mänsklig handling - fascinerad av de dystra reaktionerna och muterade psykes stora känslomässiga påfrestningar på en man eller en kvinnas sinne. Hans tidigare filmer hanterade sådana ämnen mycket bättre, men jag känner att det inte utesluter Balladen om Narayama från att stå högt bland dem. Den välbekanta folkliga berättelsen är lika noggrann genom att studera mänskligt beteende och samtidigt som den saknar sjukligheten som gav 60-talets arbete sin bit - Shohei Imamura levererar fortfarande ett tillfredsställande medkännande, verkligt konstverk.

62. Mandara (1971)

Mandara är på sitt eget sätt en av de mest filmiskt fascinerande filmerna i början av sjuttiotalet. Utmanande men universellt givande i tema, fotografi och den häpnadsväckande stämningen det skapar - det är ett ojämnt konstigt arbete som kan ha kommit in i de övre delarna av denna lista om jag hade haft tid att dyka djupare in i dess rikt bisarra värld. Räcker med att säga: Denna lilla New Wave-pärla är ett absolut måste.

61. Sagan om prinsessan Kaguya (2012)

Den ärafulla Isao Takahatas 2012-återvändande-till-form efter 1988 fantastiska Eldflugornas grav , Sagan om prinsessan Kaguya är bara underbart. En familjefabel som passar alla åldrar, dess helt vackra animeringsstil harkar tillbaka till klassiska mönster målade till en filt av vitt - ett perfekt till ideal som har inspirerat egenskaper i mer än ett medium sedan dess. Den långtgående estetiska dragningen av Kaguya är inte riktigt förmörkad av berättelsen - men dess lysande filmiska tvång är fortfarande oundvikligen berusande från början till slut och kräver uppmärksamhet från alla animationsfans.

60. Ditt namn (2016)

Den senaste filmen på denna lista, förra årets Ditt namn är en uppenbarelse. Populär film i Amerika kan ofta vara så livlös och cynisk, till och med dess indiescene börjar attraheras av berömmelse mer än konstnärlig förtjänst (för att inte misskreditera de uppenbara undantagen från denna växande observation). Jag säger allt detta för att ha studerat samtida japanska utgåvor för denna lista, det är spännande att ha en så underbar film som Ditt namn vara lika framgångsrik i mainstream som det var. Japan har sedan dess varit både översvämmad och begåvad med en massa animerade funktioner Akira 1988 och medan det grova ofta sumpar diamanterna under det - en film som denna starka bröt igenom med lätthet. Utan introduktion eller kommentar bara se Ditt namn . Det är något med hjärtat och ärliga avsikter som vi alla kan ta en lektion från idag.

59. Nausicaä of the Valley of the Wind (1984)

Nausicaä of the Valley of the Wind är en tidig bastion av animationstitanen Hayo Miyazakis sublima skicklighet som konstnär. Berättandet är utsökt - att bygga någon slags tråkig apokalyptisk framtid som i vår egen värld med riktningsfrihet och underbar förverkligande av landets unika flora och fauna - allt befolkat med en mångfald av ensamma själar som uttrycker det smygande erkännandet av deras ovälkomna världen underbart. Det första av många verkligt hjärtliga, originella och väldigt inspirerade verk från Miyazaki.

58. Ska vi dansa? (1996)

Jag tror vad som skiljer Ska vi dansa? från alla andra 'livsbekräftande' flick är hur allvarlig den är. Akira Kurosawas egen avhandling om uppfyllelse (eller skrämmande brist på detta) i Ikiru är en skarp kontrast till den ofarliga charmen här - en som spirar naturligt och glider in i våra hjärtan, snarare än att kliva sig in genom cyniskt drivna plot-punkter. Det är en underbar film - en som har fått en så hög position för hur glatt trovärdig historien är och hur bekväm regissören Yoshikazu Suo är med sin produkt. En glädje.

57. Akitsu Springs (1962)

Kiju Yoshidas stora genombrott, Akitsu Springs representerar gryningen av något speciellt inom ramen för den japanska nyvågen. Redan 1962 kunde Yoshida sätta upp den psykoseksuella fokusen för många japanska filmer vid den tiden och plocka dess inre djup med oklanderlig noggrannhet - en fascination som han bara skulle fortsätta att skärpa med tiden. En serie av lika fantastiska uppföljningar cementerade honom som en nyckelmedlem i rörelsen men för mig är det Akitsu Springs som håller starkast som innehavaren av hans filmiska geni.

56. En fru bekänner (1961)

Vår första film med tillstånd av den produktiva Yasuzo Masumura, 1961-talet En fru bekänner är en kronprestation av den tidiga japanska New Wave. Efter en kvinna som är anklagad för sin mans förmodligen oavsiktliga död fångar den vågorna av aggression, cynism och avledning som kännetecknar den japanska filmens mörkare sida vid den tiden - utom utan något av dess ofta blodiga, brutala våld. Det vi har här är sinnets våld som skjutits genom rötter som är taggade med bitterhet och som ögonen ser efter ett fattigt livslångt fall att jämföra sin egen elände med. Det är den dolda sjukligheten hos En fru bekänner som ger ett tungt knäpp för sin samhälleliga bit.

55. Guds djupgående önskningar (1968)

Shohei Imamuras längsta film, Guds djupgående önskningar är också kanske den film som mest exemplifierar hans stil. Efter den spända dynamiken i en isolerad koloni och den växande romantiken som blommar i kölvattnet, möjliggör Imamuras lite avriktning och genomträngande glans av nästan journalistisk integritet ett fascinerande dokument om inhemskt liv, kärlek och hur vi oupplösligt dras till våra egna önskningar- vara det genom en medvetet delad primaldrang eller något immateriellt implantat som skickas rakt uppifrån. I slutändan var Imamuras principfråga till mig svår att hantera: Är det lättare att acceptera att våra gudar är grymma eller att vi är det?

54. Det mänskliga tillståndet del 1: Ingen större kärlek (1959)

Den första i en episk filmtrilogi, Det mänskliga tillståndet del 1: Ingen större kärlek är en film som skulle skapa prejudikat för dess uppföljningar - en lista över både styrkor och svagheter regissören Masakai Kobayashi skulle bara ha tid att lära av i efterhand, och aldrig klargöra den perfekta balansen för hans enormt ambitiösa bit. Ingen större kärlek har flera odödliga ögonblick, framför allt en exekveringsscen som varar i 10 minuter och ser den sjudande vreden hos den förtryckta Manchu bubblar bortom rädslan som alla vapen och taggtråd inspirerar till något särskilt resonant till denna dag - såväl som slutet på en båge för flera tecken. Det är en överlång, övermättad och i slutändan ineffektiv film & hellip; men det är också en mästerligt hanterad undersökning av kriget. Obalanserad till en extrem, Det mänskliga tillståndet Öppningskapitlet finner tillräckligt bra mark för att bilda en film varken exekrerbar eller exceptionell: Men en är ändå mer än värdig att tappa in i topp 60 här.

53. Kasta bort dina böcker, samla i gatorna (1971)

Kasta bort dina böcker, rally i gatorna är en blodström i huvudet. Ett pulserande, listlöst arrangemang av frånkopplade vinjetter som målar en levande bild av den japanska ungdomens avskiljning från gamla värden. Ett avslag på formalism för något helt modernt, futuristiskt skivat i bitar och ändå helt bekvämt i sin egen obegriplighet. Det är den kreativa karaktären i branschen som manifesteras i de unga sinnena, vilket resulterar i en häpnadsväckande, lockande och ofta boggling batch scener. Få filmer från till och med den japanska New Wave kan tända samma strängt upproriska eld.

52. Red Angel (1966)

Massivt produktiv mästare Yasuzo Masumura arbetade på en kolossal 33 filmer precis under 1960- och en av höjdpunkterna i hans svällande verk är 1966s sublima Red Angel. Centrerad på en romantiskt förlovad ung sjuksköterska som skjuts in i krigföring, utvecklar Red Angel sin ansträngande värld exceptionellt bra: Börjar med legionerna av veteraner nettade med ärr och sprutade med sitt eget blod och svett på operationsbordet i ett smutsigt, förfallet komplex - allt innan du äntligen kastas in i degeln i denna dödliga konflikt. Den påtagliga rädslan är ett tecken på Masumuras överdådigt impressionistiska kant - och markerar honom som en definierande, sorgligt överskuggad röst i landets biograf under 1960-talet.

51. Mannen utan karta (1968)

Ett bedrövligt underskådat inträde från Hiroshi Teshigaharas oklanderliga verk, pliktmässigt överskuggad av hans höga arbete från '62 till '66, 1968 Mannen utan karta ser den rigoröst ikonoklastiska regissören övergå från skarp monokrom till lockande färgfotografering: stirrar ut över den vidsträckta labyrinten i det industriella Japan med en dyster, något tråkig palett som så riktigt ekar huvudpersonens osatta önskan om svar. Mannen utan karta springer i floder av tvivel och förvirring, landar sin detektiv på djupt vatten för de minsta invasionerna och låter honom sällan få en sekund att andas och ta in storheten av allt.

Teshigahara urbaniserar lekfullt den torterande strävan efter sina huvudpersoner med en värld som förnekar katarsis vid varje tur och kommenterar den oupphörliga osäkerheten i det moderna livet med djävulsk precision. Han överger den nyanserade övernaturligheten och surrealismen i sitt tidigare arbete för ett mycket mer jordat stycke som är ett resultat kanske ännu mer hemsökt än den sisyfiska ångest av Kvinna i dynerna eller Pitfall's otänkande, känslolösa dödsfall. Mannen utan karta slår oss på vår hemmastad och det är därför det är så förvirrande - så oroväckande - och varför det förblir en så viktig biograf till denna dag.

50. Insektskvinnan (1963)

Vår fjärde film hittills av den vördade mästaren Shohei Imamura, den något mer respektabla sidan av Nagisa Oshimas mer farligt överdrivna mynt, Insektkvinnan är en exemplifierande framställning av varför Imamuras vision om sexuell politik alltid var mycket mer fascinerande än för hans kontroversiella samtida. Det är en film med överdådig visuell kontroll: Att införa dess bilder med mening och vikt samt utsökt estetisk kraft som blöder så mycket mening i svartvitt - Kvinnans dagliga liv som omges av ett vikande hav av svartvitt som blir så mycket till mysterium, som i Tetsuo: Iron Man . Dess skrämmande förflutna öppningsscen, även om den är enkel, syr fröna i Kafkan-buret Tome (spelat vackert av den välförtjänt hedrade Sachiko Hidari) placeras i och antyder de monstora konsekvenserna av Imamuras onda titeluppsättningar i rörelser. Det är svårt att se, inte minst med hjälp av Imamuras problem med pacing, men är fortfarande en livsviktig biograf hela tiden.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa har stadigt slagit över sin klass under tyngden av sin välbekanta namne med en fantastisk sträng av olycksbådande ansträngningar - men ingen har riktigt förmörkat den överväldigande vakansen på 2001-talet Tryck . Droppar av rädsla och använder skarpt tekniska referenser utan att förlita sig på dem i en sådan utsträckning att den åldrar bilden, Tryck är en superlativt skrämmande uppfattning om modern hemsökt som utnyttjar det kända ansiktet hos dess Yūrei-andar mycket mer effektivt än många mer berömda skildringar av de blek-ansikte förföljare.

48. Strider utan ära eller mänsklighet (1973 & hellip; 1975)

Kinji Fukasakus brottsantologi i flera delar är Gudfadern stötte på varje läkemedel under den stigande solen. Fukasaku filmer våld som jazz när han följer en härskande kriminell familj genom åren - ofta från Coppolas perfektionistiska verk, filmar våldet som jazz när han följer en härskande kriminell familj genom att ofta dyka in i omedelbara hyperstyliserade vinklar och redigera för att säkerställa den försvinnande effekten av hans kinetiska montage. Även om det saknar komplex karaktärsutveckling, tematisk upplösning eller till och med grundläggande smak - finns det något så blåsigt levande i Strider utan ära eller mänsklighet att jag inte kan låta bli att älska det. Varje film lägger till det sista och representerar kollektivt en höjdpunkt för populistisk brottsbio i 70-talets Japan. Lite kan komma nära.

47. Kwaidan (1964)

Masakai Kobayashis karakteristiskt välgjorda skräckantologi, Kwaidan, är ett rivande dyk i mysteriet och illvilligheten hos åldrade japanska fabler, de medeltida rötterna till J-Horrors olika besättning av gulliga uppenbarelser och oundvikliga förbannelser. Den obevekliga bristen på barmhärtighet eller fristående allestädes närvarande i Japans blomstrande skräckscen berörs av en mästares hand här, vilket resulterar i en visuellt överdådig pärla som lyckas andas alarmerande nytt liv i annars daterade historier. Det är utan tvekan den finaste skräckantologin som någonsin gjorts: Med den outspädda rösten från en utsökt filmskapare som låter högt och tydligt att J-skräck är något att frukta. Årtionden senare är vi fortfarande fångade i dess gulliga grepp.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

Blazing maverick Seujin Suzukis fördömande bit av popkonstgeni, Tokyo Drifter går som ett fyrverkeri och ger mer till sin stilkant än vad Quentin Tarantino och Martin Scorsese kan hävda idag. Filmens brinnande inflytande markerar särskilt deras redigering och inställning till handling - inte olikt hur Goddards oändligt överdrivna Andfådd fortsätter att forma hur vi skär. I mycket mindre utsträckning glider Suzukis verk in i så många ramar av modern brottsbio- men det är det starkare exemplet på stil som släpper allt behov av substans: Dess skjutspel går som ett fyrverkeri med zappade neoneffekter som flammar crimson glory med varje hagel av skottlossning. Gjord av en koreografmästare högst upp i sitt spel- Tokyo Drifter är massabio på sitt spännande bästa. Elektrisk och fortfarande ett stort fat roligt.

45. Grav av eldflugorna (1988)

På ytan en invers av Hayo Miyazakis fabler med universell publik, Ghiblian-ikonen Isao Takahatas vördnadsfulla Eldflugornas grav står som en av de mest hyllade animationerna som någonsin gjorts - med känslomässig tyngd till följd av dess mästerliga användning av mediet. Typexempel: Eldflugornas grav skulle inte vara lika allmänt uppskattad eller till och med anmärkningsvärd om den skulle ha tacklat den berättelsen i verklighetens rike. Takahatas objektiv dras emellertid. Hans bilder injiceras med en elegans och oskuld som indikerar barndomen - en som komplimangerar hans huvudpersoners situation perfekt. Medan för vissa är jag säker på att det kommer som en svag switch, har få filmer så skickligt använt sig av animeringskonst för att på ett elegant sätt accentuera kraften i deras budskap. Förlamande motkrig börjar Takahatas uttrycksfullt elegiska visuella kollidera mot den överväldigande sorgliga uppställningen av historien: Att låta en doft av cynism fly från sitt lufttäta estetiska grepp - även om det har liten betydelse. Eldflugornas grav är en skrämmande och ofta vacker upplevelse av krigstid.

44. Samurai-trilogin (1954-55-56)

Regissör Hiroshi Inagakis utsökt tilltalande populistiska serie är ett utsökt underhåll av underhållande underhållning, och är ett landmärke i action-äventyrs filmskapande - och möjligen den finaste trilogin som pryder undergenren. Ledet av en som alltid sterling föreställning från Toshiro Mifune och pockmarked med små glimtar av mognad, framför allt i slutet av den första filmen, Inagakis relativt inoffensiva och ofullständiga berättelser är upprörd på en så skarp och spännande grepp om filminspel som 1950-talet har att erbjuda. Hans rörelse av kameran är spännande och riktar skådespelare med en grymhet och kraft som hjälper trilogin att övervinna sina berättande torra trollformler med tillägg av en spännande svärdspelssekvens. Det är inget speciellt på en dramatisk front - men har tillräckligt med passion för hantverket och överraskande själsfullhet i sina framgångar för att motivera en så hög placering. Vital visning för fans av äventyrsfilm.

43. Den burmesiska harpen (1956)

Kon Ichikawa's breakout om en japansk soldat som glider in i det land som han en gång ockuperade och försökte hitta fred i smärtan från en efterkrigstid, Den burmesiska harpen har fått förståelig kritik för sin ofta trubbiga skildring av krig: Mer dansande plutoner och smidiga plot-point-rörelser än en full, uppslukande ta sig tid. Paradoxalt nog tror jag vad som hjälper Den burmesiska harpen övervinna dessa frågor är hjärtat bakom dem. Trots sin rikligt kontrollerade berättande väver Ichikawa vackra bilder genom hela filmen och pryder varje scen i minst en inrambar tablå som samtidigt bidrar till den statiska sophomorismen i hans regi effektivt lyckas förmedla stämningen - särskilt i en sekvens där dödsstyrd soldater huggas ned av murbruk och vår hjälte vaknar mitt i ett blodigt hav av lik: Med inspirerade skott som liknar Rembrandts fantastiskt snäva sammansättning än någon vanlig krigstid. Det är på ett sätt förenklat, men dess svaghet överskuggar aldrig den kollektiva inverkan som Ichikawa lysande fotografering och stark ödmjukhet skapar.

42. En sida av galenskap (1926)

Den tidigaste biten på denna lista, En sida av galenskap är en häftklammer för tyst japansk film för sin rungande estetiska röst: Ett stycke som har informerat om galenskapen och den strålande kreativa gnistan som driver de mest underbara verk i sin bransch även idag. Dess porträtt av ett asyl saknar nyans eller djupgående i något liknande Titucut Follies eller till och med mänskligheten i One Flew Over the Cuckoo's Nest i fiktiv form - dock är den transcendenta banan från denna milstolpe från 1926 en utvidgad uppskattning av japansk film före kriget utanför dramatiska titaner som Ozu, Mizoguchi, Yamanaka och Shimizu. Det vi har här är en källa till deras fortfarande rinnande flod av filmutmanande, stilistiskt provocerande och avsiktligt farliga bitar av arbete som är desto mer fascinerande med denna gaggle av tragiska artister i åtanke.

41. Den dolda fästningen (1959)

George Lucas 'ökända lilla franchise Star Wars byggdes på baksidan av The Hidden Fortress, med A New Hope som stjäl allt men det löser sig från denna exceptionella äventyrsberättelse. Det är synd att se denna 'inofficiella remake' komma undan med mordet och krossa Kurosawas flick under tyngden av dess kolossala följd - för The Hidden Fortress är en mycket värre klassisk flick än Lucas serie någonsin skulle kunna påstå sig vara. Packad med spännande action, rolig karaktärisering och en stark visuell känsla som är vanligt även för Akira Kurosawas mest mellanliggande ansträngningar. Allt detta i åtanke, jag missnöjer inte Star Wars för detta - bara önskar att Kurosawas lysande verk hölls i samma andetag.

40. The Human Condition pt 2: The Road to Eternity (1960)

Den stridsbitna biten av Masakai Kobayashis episka trilogi, Vägen till evigheten fungerar som en stor japansk krigstid episk passform för att bestrida alla Rädda menige Ryan , om inte riktigt lika farligt som något som Sam Fullers Den stora röda eller ens Stålhjälm . Det behåller den röriga etiska besattheten av Det mänskliga tillståndet del 1: Ingen större kärlek men lyckas bygga vidare på den med visceral stridsupplevelse och en uppmätt, konsekvent inställning till dess karaktärer som understryks av deras liv och död i en dödlig del av mänsklighetens historia. Som med varje pågående segment, Det mänskliga tillståndet kommer närmare och närmare att uppnå sin namn och medan del 2 inte inser denna ambition - försöker det åtminstone. Mer än vad vi kan säga för de flesta alla tidens filmer.

39. Heroic Purgatory (1970)

Omedelbart obegripligt, uttrycksfullt och visuellt förvirrande: Heroic Purgatory är en perfekt grundfärg för Yoshishige Yoshidas exceptionella filmografi. Hans underbart främmande estetik är ofta desorienterande - varje skott böjer vårt förhållande till rymden, varje klippad fragmenteringstid skiljer sig inte från den frenetiska minnesinspirerade berättelsen om Alain Resnais - och med all ärlighet gör handlingen Heroic Purgatory särskilt verkligt svårt att både följa och förstå. Hans fragmenterade berättarteknik sätter ännu mer belastning på mindre öppen publiks önskan om en helt sammanhängande berättelseupplevelse - men de obestämbara glädjeämnen som ligger inom Yoshidas förvrängda värld gör rättvisa åt deras prejudikat över tätt strukturerade berättelser. Att beskriva Heroic Purgatory skulle vara omöjligt. Att inte rekommendera det enbart på grund av sin egen omöjlighet - skulle vara ett brott.

38. Mordintentioner (1964)

Shohei Imamuras dystra triptych av Pigs & Battleships, Intentions of Murder och Pornograferna träffade sitt obestridda toppdödcentrum med en film som i farlig detalj observerar situationen för en kvinna som flirar mellan ett förnedrande förhållande med sin man och en lidande affär med hennes våldtäktsman. Det sistnämnda första mötet och scenen som direkt följer det är vackert kortfattade exempel på hur sublimt fula Imamuras världar kan vara - och hur mänsklig kontakt ofta kan driva hans karaktärer till ytterligheter som många kan försöka misskreditera som oacceptabla. I sanning, Intentions of Murder's grym men ärlig studie av förtryck och viss sjuk frihet genom köttligt uttryck lyckas återspegla lika exakt ett porträtt av någon av oss i samma situation som hans bästa filmer.

37. Attentat (1964)

Masahiro Shinodas dubbelutgivningsår 1964 såg förutsägbart två av de finaste filmerna som landet hittills har producerat, varav den senare var Lönnmord . Ett lysande exempel på komfort i skala, Lönnmord väver ett tematiskt ambitiöst drama som drar tillräckligt ur sin enkla berättelse för att betraktas bland de finare filmerna på denna lista: Så vackert upplyst och fotograferad som vilken film som helst i mitten av 60-talet med action så exakt och kraftfull som du förväntar dig från stallen i Shinoda. Det är en underspelad efterlikning av mentalt tillstånd när vilda rykten om målet försvinner och dämpas runt om i en berättelse som frossar i sina ögonblick av oförutsägbar obegriplighet - snabbt byter från verklighet till det förflutna för att lämna både publiken och flera oroliga grupper av blivande mördare på rakhyveln med triumferande seger och verkligen dödligt nederlag.

36. The Naked Island (1960)

Kaneto Shindos stoiska undersökning av ett lugnt landsliv, The Naked Island innehåller nästan ingen talad dialog - som helt och hållet fokuserar på sina bilder för att berätta sin historia eller, mer korrekt, för att skapa sin _känsla_. Shindos ikonoklastiska förhållningssätt till filmskapande leder till några vackert resonanta bilder genom hela hans filmografi men medan Onibaba och Kuronekos bilder förbättrar deras berättelse i små fickor med visuell inspiration - The Naked Island är 96 minuter med väsentlig fotografering. Det vävs samman på ett sätt som får Bergman att rodna, odla ett humör och låta det blomstra till något universellt och påverkande. Lugnen och vedermödan Kanetos lilla familj av öbor möter varje dag, nästan som en konstigt optimistisk invers av Béla Tarrs Turinhästen. Vad det saknar i den filmens krossande kraft, utvecklas Shindo istället till en ritualistisk firande av mänsklig uthållighet och den naturliga skönhet som en sådan ansträngning kan ge. Kärleksfull, upplysande och en omöjligt absorberande liten upplevelse.

35. Branded to Kill (1967)

Om den tidigare nämnda Sejiun Suzuki skulle nå sin stilistiska topp med 1966-talet Tokyo Drifter , en film som så uppsläckts av hans producenter att de fördömde hans uppföljningsbilder till stramare budgetar och tappade bort chansen att han skulle använda färg, då Branded to Kill skulle bli hans kreativa zenit - och ett perfekt exempel på konst genom motgång. Mannens elektrifierande magnum opus, Branded to Kill följer en kontraktsdödare som försöker illudera en ännu dödligare mördare medan han spränger sig igenom legioner av goons och en blixtrodromans. Dess evigt skarpa utan att förlora sin grus, når försiktigt in i mer dramatiskt ambitiösa territorium och lyckas fortfarande packa inställningar fulla av ansiktslösa onda för vår antihjälte att skjuta ner i hopar. Märkt till Kill's stil som fortfarande lyckas söka efter mening, oavsett resultatet, är det som markerar det ovanför resten av förpackningen.

34. Doom Sword (1966)

Actionmaestro Kihachi Okamotos snygga pilot för en sorgligt annullerad trilogi, The Sword of Doom är den ultimata filmiska katarsis. Det är en expertkoreograferad visning av djävulssvärd som den ledande legenden Tatsuya Nakadai möter mot Toshiro Mifune och en oändlig hord av namnlösa gooner som helvetet visar på hur dödligt det titulära vapnet kan vara. Tiotals faller framför bladet, särskilt i flickans härligt hänsynslösa olösta slutscen, och medan det är hängivenhet till berättande och karaktär är i bästa fall tangentiell - atmosfären och regiens bravado sparar hela tiden från att bli bara en annan actionhöjdrulle. Väl värt att se igenom till det bittra, blodiga slutet.

33. Hausu (1977)

Så hög en komplimang som någon kan betala en konstig film är att den förblir konstig. Många av oss har kallat något konstigt för att vi inte är inledda - bara för att upptäcka att det antas att oddity bleknar jämfört med senare filmupptäckter. Detta är vägen för vår väg genom film - liksom detta är ett mycket långvarigt sätt att säga det Hausu är helt mental. Ständigt harjad av en ibland inspirerad, ofta gnistrande men alltid galen bakgrundspoäng och fylld med scener av skolflickor som kämpar med besatta vattenmeloner, som ätas av mördande pianon och flyr från en gullig fantomkatt helvete som är benägen att förbanna varje själ som korsar sin tröskel. I grund och botten är det Ju-On men med självmedvetenheten och den svindlande kreativiteten att gå hela vägen på stil ensam - föregående bakgrundsmythoshistorien som så ofta marscherar hemsökta hushistorier med en absolut hängivenhet till svimlande konst. Den resulterande upplevelsen är en härlig masugn av kul.

32. Ikiru (1951)

Akira Kurosawas mycket uppskattade porträtt av ålderdom, Ikiru går som en stark parallell med Ozus eget arbete med människor under deras vinterår - förlorar sin minimalistiska riktning för Kurosawas mycket mer direkta, intensiva arbete. Resultatet får ett slag: Flera scener som slickar med kinetisk återkoppling endast genom styrkan i deras bilder och tystnaden eller svällningarna i ljud som följer dem. Jag tror att Kurosawas röst bidrar lite nytt till filmens exceptionellt starka kanon om åldrande och i allmänhet misslyckas med att nå de avslöjande höjderna på Vilda jordgubbar eller Överste Blimps liv och död trots deras jämförande brist på filmisk omedelbarhet - men inget av det försämrar den fantastiska resonansen i AK: s arbete här.

31. Blind Beast (1969)

En ojämförlig utforskning av sensualitet och fysisk väsen, Blinddjur spårar förhållandet mellan en blind man och en kvinna som han tar till fångenskap, fångad i en mödosamt utformad labyrint som är heltäckningsmatta i skulpturer av den mänskliga formen - med väggar täckta av ögon och läppar medan golvet är nätat med en oundviklig virvla av lemmar. Det är surrealitet och spännande förutsättningar är inte fönster till någon riktigt tät tematisk mark, även om regissören Yasuzo Masumura lyckas utvidga förhållandet mellan lust och längtan mycket bättre än den konsekventa knivkant av misslyckande Nagisa Oshima så ofta glider och skär sig på. För mer kontemplativa bitar om sexualitet är Yoshishige Yoshida en viktig konstnär - men att förneka Masumuras helt unika vision här skulle vara kriminellt - oavsett dess saknade substans. Istället fyller han sin film med underbara uppsättningar och värkande känslor som klor på karaktärerna. På en stilistisk front, Blinddjur absolut svävar.

30. The Human Condition pt 3: A Soldier's Prayer (1961)

Masakai Kobayashis förödande kraftfulla avslutning på hans tio timmars trilogi, The Human Condition del 3: A Soldier's Prayer fungerar som en kulmination på allt som Kobayashi har utvecklat genomgående, lika delar som är slagkraftiga och övermönstrade - som med de andra bitarna. Det är synd att serien aldrig riktigt övervann bokens slappa längd, inte heller den tvingade humanismen som ibland kan hämma regissörens annars starka form: Men utan dessa snygga ögonblick skulle vi aldrig ha fått en överväldigande samling vackert realiserade scener som kunde ha gjort ett mästerverk helt på egen hand. En soldats bön är inte mer känslig än sina föregångare - men känslan av ett slut hänger över Kobayashis arbete som en trött gryning - angelägen om att ta den nya dagen med ett förnyat lager i den japanska filmindustrin. Både en högt seger av episk film och, ännu viktigare, det sista steget genom berömmelsens port som gav Kobayashi riklig konstnärlig frihet under det följande decenniet. Resultatet är, som vi kommer att se, mer än värt några timmars övning & hellip;

29. Dubbel självmord (1969)

En oroväckande kuslig utforskning av den kreativa processen, Dubbel självmord ser en trästoppspel iscenesatt med avsikten att dess två ledningar slutar väcka sig till liv - med skuggiga figurer som slingrar scenerna för att utveckla sin mock-berättelse. En feberaktigt skrämmande berättelse när fasaden faller ner och dess mardrömsamma marionetter exaktar sina nästa drag - ofta förvandlar de uppsättningarna i kombination med Masahiro Shinodas skiftande kamera för att bilda en hemskt förvrängd känsla av rymd. Utanför dess mångfacetterade konstnärliga anordning, handlingen av Dubbel självmord är relativt konventionell och misslyckas med att hitta någon djupgående grund - men det är kanske det som försäkrar dess framgång: Shinodas noggranna undersökning i sitt eget kreativa block som nyfikna demoniska händer drar i kanterna av sin vision för att göra det mer exakt - såväl som spåra avsikter helt. Var det en representation av hans inre kämpar eller en arbetskraft som regissören inte samordnar - det dubbla begreppet Dubbel självmord överskrider sin medelmåttiga fabel för en filmupplevelse som förtjänar topp 50 och mer än exemplifierande av Masahiro Shinodas kolossala talanger som filmskapare.

28. Ring (1998)

Medan det är något liknande Ju-On kvävs under stammen av sitt eget lediga tedium, Ringu's tomhet är dess dödligaste vapen. Regissören Hideo Nakatas sipprande hav av tystnad genomsyrar och invaderar varje scen som passerar och framhäver varje ljud med den ökade intensiteten hos en rädslad person som pulserar med adrenalin - oavsett hur vardaglig scenen är. Och så relevanta ljudräknare som telefonen ringer skär genom tystnaden med kompromisslös hårdhet. Det finns ingen flykt från Ringen i något hörn av ditt sinne. Oavsett var du springer - så fort du kommer att spela, förlänger du bara det oundvikliga. När allt kommer omkring, vad kan vara mer skrämmande än döden bekräftad av vår egen oundvikliga nyfikenhet?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo's Kuroneko känns som en blåsande mirage av skräckfilmkompositer strödda ihop för en perfekt demonisk syn på absolut mardröm. Det komplexa moraliska dilemma som sjuder under ytan är ett nytt intryck på dessa ostoppbara andar som japanska skräckmedier har bankat sedan början - skapar en inneboende berättelse som övervinner grovheten i Shinodas tidigare Onibaba att bilda något speciellt. Det är ett förföriskt skott, estetiskt engagerande arbete som överbryggar klyftan mellan verklighet och olycksbådande fantasi med ett tydligt medkännande öga - trots dess motivs strålande ilska. Inte bara en definitiv J-skräckfilm - utan också en klassiker av världsdrama i slutet av sextiotalet.

26. Spirited Away (2001)

Det finns lite i vägen för animering som helt kan tävla med Spirited Away , åtminstone i en kreativ mening. Filmen är överbelastad med ett fantastiskt hav av unika mönster och minnesvärt utformade karaktärer som alla rör sig och talar lika uttrycksfullt som lederna. Det detaljerade universum som Hayo Miyazaki lyckades skapa är enligt min uppfattning väsentligt större än den karaktäristiskt udda berättandet och tempot i hans arbete - inte olikt Akira genom att det hoppar framåt och bakåt i progression med slumpmässiga intervaller för att få fram en annan handlings material; men den listlösa faran Spirited Away befinner sig i låter oss åtminstone blötlägga i dess levande skapelser lite längre.

25. Death by Hanging (1968)

Jag har tagit små små anmärkningar på den hyllade regissören Nagisa Oshima genom hela listan och förstår infantiliteten i en sådan hållning: Men jag gör det bara för att denna verkligt begåvade filmskapare så ofta drunknar i obsessivt översexualiserad filmproduktion. Imamuras jämförelsevis konfronterande sträng av tidigt arbete är effektiv i dess underliggande kommentar till mänskliga känslor - men med Oshima är så lite kvar för fantasin att jag börjar tro att det inte finns något som ligger bakom det frustrerande olämpliga arbetet. Det vill säga med undantag av 1968: s lysande bisarra Death by Hanging. Historien om en verkställd som vägrar att dö, Oshima använder sin krassa men ändå uppmärksamma lins för att lyfta fram en massa sociala frågor, statliga misslyckanden och mänskliga uttryck - allt insvept i en ständigt hilarisk farskomedi med en säker självmedvetenhet en filmskapare otrevlig som Oshima tidigare verkade så långt borta från. Inte förut eller sedan har han lyckats matcha detta inspirerade skott mot dödsstraff, vilket är synd - men åtminstone fick vi se honom sväva åtminstone en gång.

24. En flyktig från det förflutna (1965)

Tomu Uchidas En flyktig från det förflutna är, med ett ord: Exceptionell. De överlevande filmerna av dess kompetenta regissör är helt enkelt ojämförliga med det arbete som visas här och talar till någon form av serendipitous blixtar i en flaska eftersom Uchida var begåvad med exakt rätt berättelse för att uppfylla sitt löfte som konstnär. En flyktig från det förflutna ser på våld och självtillförd sorg på ett sätt som få filmer kan mäta både mot tidens sand när det sipprar ner och fler karaktärer kommer nära att leverera gudomlig vedergällning till vår huvudperson - en unik utmanande karaktär att både rota för eller emot som han försöker undkomma den blodiga våldsvägen han hugg genom Japan under sina tidiga år. Jag tycker att En flyktig från det förflutna är så enastående kraftfull och till och med möjligen djupgående i sin resolution att jag inte skulle säga mer än att naturligtvis se det så snart som möjligt.

23. Pitfall (1962)

Hiroshi Teshigaharas häpnadsväckande debut, Fälla blandar genrer med förtroende och precision hos en äldre mästare - mycket mindre en regissör som bara någonsin hade hanterat dokumentärer tidigare. Medan han kämpar något för att hålla sin berättelse övertygande under hela 97 minuter - vad Fälla erbjudanden uppväger alla problem med dess berättande utförande. Leker med vår uppfattning om verkligheten genom att blanda mördare, fantomer och surrealistiska bilder- Fälla är ofta skrämmande eftersom dess många karaktärer desperat försöker avvärja sin ostoppbara angripare: En normal man klädd i en vit kostym som svänger med ett växelblad. Mänskligheten i Teshigaharas ghoulish mördare fungerar som den första av många sociala kommentarer som hans verk gör i bilden ensam - aldrig offrar tid eller trovärdighet för att driva en punkt hem. Frånvarande till vänster Fälla behåller sin kraft som en upprörande filmupplevelse: Med flera chockerande scener som talar om klarheten och hantverket i Teshigaharas metod när han injicerar även de mest singulära ögonblicken med ett brett spektrum av känslor som så fritt dansar runt varandra - dovetailing från humor till skräck i ett hjärtslag. Få debuter har varit lika noggrant medvetna om sin mästares karriärväg.

22. Tokyo Twilight (1957)

Yasujirō Ozus sista svartvita film, Tokyo Twilight's vägtullar som både en kontextuell elegi till mannens monokromatiska utflykter, liksom kanske hans skummaste inslag. Ozus anmärkningsvärda förskjutning från sin egen 360-graders regel för att istället sitta bakom karaktärer, deras tråkiga ansikten ersatta med ett överväldigande tomt, kallt hårhuvud är en mästerlig avvikelse från hans karaktäristiskt involverande blockering och komposition för en mycket mörkare affär - en reflekterande av hans nyckelaktörernas obevekliga situation. Tokyo Twilight tar ledtrådar från Hollywood noir med sina långvariga skuggor och leriga, ofullkomliga scener för att skapa en universellt oförlåtlig, i slutändan mållös filmvärld som i sina dystra känslomässiga paralleller påverkar vårt eget samhälle snarare än en oproportionerlig dystopi som säkert skulle tappa sin glans i tiden. En exceptionell, hårt skärmad pärla.

21. Eureka (2000)

Den längsta enskilda filmen på denna lista, S's Eureka sträcker sig i s- och jag känner att det skulle vara oförlåtligt att avslöja någon av dess plot-linjer. Även för det rikaste året på senare tid filmminne, Eureka rankas fortfarande bland de allra finaste flikarna från 2000 - och faktiskt av decenniet som helhet: Ett högtidligt, visuellt slående och unikt & hellip; Japanska sorgsporträtt. Endast i ett sådant land kunde en sådan nykterhet och påverkande melankoli kombineras med en taktil ström av humor, livlighet och oavsiktligt välkomnande absurdism - allt vävt in i ett svävande tapet av mänsklig känsla som helt enkelt måste ses. Läs inte några sammanfattningar - Titta inte på det - Se bara Eureka .

20. Vengeance is Mine (1979)

Regissören Shohei Imamura är en superlativ figur av oanständig film. Hans mörka, skadade karaktärer och konfronterande laddade situationer formulerar en skamlös fascination med den mänskliga själens korruptionsförmåga. Vengeance is Mine transponerar Ryūzūo Sakis berättelse om verklig seriemördare Akira Nishiguchi med skrämmande sofistikering: Presenterar en djupt våldsam, sociopat och ändå omisskännligt riktig människa med alla våra idiosynkrasier som ger sitt bo av amoral förstörelse. Imamuras stimulering kolliderar verkligen med flödet, enligt jag, men jag tycker att berättelsen i detta fall garanterar en förlängd körtid och i slutändan ger en unik metafysisk upplösning till ett sådant brutalt arbete som kallar vinden och jorden själv till avgöra sin sista dom.

19. Yojimbo (1961)

Inom actionbioområdena klickar det lite på våra klackar Yojimbo . Kurosawas kärleksfulla användning av leitmotiv stänger en fjäder i steget till hans karaktärer och fungerar lika bra vid tältpolning som med Morricone-poäng. De skarpa action-sekvenserna är något trubbiga av den slappa ljuddesignen och uppskattningen av offentliga squeam - något flicks som Dödens svärd och Lönnmord har inga problem med - men vad det ger i utbyte är ett ständigt komiskt tag på basen av Red Harvest - Mifune visar en klassisk föreställning som oser av fysisk personlighet och intelligens, som fungerar som hörnstenen till det som utan tvekan är den finaste raka upp actionfilm som någonsin gjorts.

18. Audition (1999)

Audition är en film med feberaktigt exakt kontroll över sin egen ton. Den annars hit-and-miss Takashi Miike har gjort sitt namn bakom en produktiv, ibland fruktbar karriär som har gett liv till banbrytande klassiker som Besökare Q och Öga - men lite om hans regissätt förmedlar utåt det självförtroende och den akuta skicklighet som krävs för att få fram något så djärvt vridet som Audition . Myke mera än något av hans omgivande arbete utforskar Miikes opus en enkel premiss med brutalt effektivt: Tainting varje ömt ögonblick med en läckert dyster palett och kuslig tempo som sätter varje scen på en rakhyvelkant av något som går fruktansvärt fel. Audition representerar en fascinerande topp av den oändligt beundransvärda japanska komforten med genrefilmtillverkning: Unraveling dess kristallklara gåta till transcendentally chockerande effekt. Att se är att tro.

17. Ran (1985)

Kurosawas mest berömda Shakespeare-anpassning - om en som i mitt sinne ger för mycket mark åt sin inspiration. King Lear är en oklanderlig skrift - men på skärmen släpar den till en trög malning som inte lyckas återfå den fantastiska känslan som är de första 85 minuterna. Från början till den otänkbart djupa belägringen - Ran är ett mästerverk: En bit filmisk konstnärlighet utan motstycke inom Kurosawas mer än imponerande verk - och utan tvekan en sko-in för Top 10. Men efter detta mästerligt hanterade uppbyggnad och utdelning fortsätter Kurosawa historien om King Lear på ett sätt som sipprar längs tråkigt-listlös och platt trots ansträngningarna av perfekt spelad skurk Lady Kaede. Det är verkligen synd Ran slösar bort så mycket potential, i mina tankar ändå, på trofasthet - men åtminstone brinner den glödande flamman under första halvåret tillräckligt ljust för att säkra sin plats i topp 20.

16. Prinsessan Mononoke (1997)

Hayo Miyazakis mörka fantasi har aldrig varit särskilt komplex. Varje film med ett meddelande misslyckas vanligtvis med att kommunicera det på ett sofistikerat sätt och som Orson Welles uttryckligen uttryckte det: 'Det kan skrivas på huvudet på en nål'. Det trubbiga och uppenbara budskapet från Prinsessan Mononoke emellertid ringer lite sannare i hjärtat än vad det gör i sinnet. Miyazakis noggrant konstruerade klyfta mellan män och monster driver fascinerande jämförelse med hur de gamla såg vår värld - och hur den oundvikliga kollapsen av deras civilisationer en dag kan spegla vår egen. Mystiken och mystiken i dess karaktärer är kärnan som tillåter Mononoke att överträffa traditionellt vaga meddelandefilmgruvor - att glida sin allestädes genomgående linje utan ett ord, varje handling som ger den gravitas och därigenom förstärker den filmiska effekten av det som finns på skärmen. Det ömsesidiga förhållandet som visas här talar om Hayo Miyazakis djupa talang som filmskapare - och att hans arbete är mer än bländande kreativitet.

15. En hösteftermiddag (1962)

Jag tror, ​​för mig att kommentera En hösteftermiddag , skulle vara att slösa andan jag har redan spenderat filmen Ozu gjorde över ett decennium tidigare som han effektivt omgjordes här för att vara hans sista film. En hösteftermiddag är lika elegant, subtil och melankolisk - lyckas utveckla flera begrepp som presenteras i den första filmen och utöka dem. Det försvinner från vissa element i originalet för att fokusera på andra idéer - vilket möjliggör en sällsynt möjlighet för en stor konstnär att plugga liknande djup i samma form. Ozu skulle tillbringa hela sin karriär med att göra mycket liknande filmer, men ändå lyckades bryta nya områden av mänsklig interaktion varje gång - producera några av de största filmer som någonsin gjorts. Att lämna en sådan vördnadsvärd arv i hans kölvatten, kunde mannen ha avslutat sin körning som han ville. En hösteftermiddag är det perfekta nära hans skimrande verk.

14. Throne of Blood (1957)

En mästerlig anpassning om det någonsin fanns en , Tron av blod tar Shakespeares oöverträffade Macbeth och smeder en konstnärlig text som står på egen hand. Toshiro Mifunes kontrollerade, förödande mänskliga härkomst till mordisk galenskap förblir en av människans finaste roller - och Kurosawa själv bokmärker sin film med exceptionella bilder som nästan inte är på plats med en regissör som är kopplad från centraliserad ikonoklastisk praxis. Ändå är det bilderna av Tron av blod det gör det så massivt. Så uppslukande och övernaturligt. Klimatattacken ser en av de finaste karaktärslyckorna som någonsin lagts till filmen och cementerar den som ett konstverk som på något sätt kringgår den imponerande skuggan av sitt föräldraläge helt.

13. Tokyo Story (1953)

På tal om landmärken från 1950-talet, det finns få filmer som så obegränsat driver dina ambitioner som filmskapare som Tokyo Story . En skimrande topp av Yasujirō Ozus oklanderliga filmografi, alltid på sitt bästa, det är en film som utövar avväpnande enkelt filmspråk för att uppnå genomträngande, intima effekter. Publiken sätts ner med karaktärerna - tysta voyeurs till en familj som långsamt stänger den gradvis förnedrande äldre generationen ur sina liv. Ozu tillåter alla sina karaktärer en röst, komponerar eleganta och imponerande avslöjande ögonblick och rör bara sin kamera en gång under hela 136 minuter. Det finns ingen objektiv 'största' eller till och med 'bra' film, men till de av er som väljer att titta på baserat på sådana webbplatser måste jag lägga till att Tokyo Story är det högst rankade arbetet på Rotten Tomatoes, med ett otroligt 9,7 poäng i genomsnitt. Tillräckligt för att säga att det är tålmodig, reflexiv blick på liv och ålder har rört många omätbart - och garanterar alla som läser den här listan att ge det en chans för sig själva.

12. Bränder på slätten (1959)

Från Kon Ichikawa, utan tvekan den mest övertygande humanistiska figuren av japansk film efter kriget, Bränder på slätten berättar en berättelse om en man förlorad mitt i en förlorande strid i värmen från andra världskriget. Det är en film som är modig i sin ensamhet - som visar krigstidssituationer i ett tomt landskap frånvaro av liv och full av tomhet av fruktan, varje hörn med en annan Odyssean-figur som antingen kommer att följa med eller förstöra vår väderbitna hjälte. Och som med Homers episka dikt skapar Ichikawas grepp om den större bilden en tät emotionell värld där vår hjälte är en pusselbit som rör sig och motiveras av generaler långt från frontlinjen. Det är en film i sin egen isolering, saknar hem och drivs till amoraliska handlingar av överlevnadens skräck. Mästerligt arbete av en pittoresk men ändå vital figur av industrin på 1950-talet.

11. Samurai Rebellion (1967)

En viktig styrka för Masakai Kobayashis drama är att han låter det simma, nästan till ett fel. Hans noggranna kompositioner och oklanderligt tidsmässiga handlingar kretsar allt hårdare runt den centrala konflikten - klämmer torr varje tum andningsrum tills allt som återstår är nödvändigheten att agera - en underliggande tillgång till hans karaktärers ständigt närvarande moral. I Samurai Rebellion , själva handlingen är till hands även efter att ha läst titeln, men mannen spelar på den för varje andra prickande publik med små twinges mot det första svärdet som dras innan han slutligen löser sig i en bitter, brutal och i slutändan blodig affär som fortsätter med de ubarmhärtiga noggrannhet Kobayashi fortsätter så bra: En ojämförlig förmåga att både konstruera den terminala oundvikligheten i hans karaktärers situation och empati med dem varje steg på vägen. Det är i Samurai-upproret att denna selektiva humanism når sina mest uppmuntrande höjder - och gifter sig till en av Japans största artister.

10. Eros + Massacre (1969)

Av alla New Wave-regissörer som är synonyma med psykoseksualitet har ingen någonsin matchat den spännande försäkrade labyrinten av Yoshishige Yoshidas djävulska kreativitet. Däremot slår Oshima och Imamura bara emot samma ämnen, en mer övertygande än den andra, med bara Kiju som lyckas genomtränga kärnan i deras existentiella kontemplation med en sådan otroligt filmisk bravado. Ingenstans är denna fascinerande behärskning av psykoseksuell berättelse och den estetik som den kallar mer riklig än i Eros + massakern , Yoshidas episka 215 minuters avantgardiska liknelse, en obegriplig eufori av syn, ljud och påtaglig beröring ...

9. My Neighbor Totoro (1988)

My Neighbor Totoro glimmar av barndomens magi och är en oändligt glad film. Jag upptäckte det bara äntligen vid 18 års ålder men det är otrolig skönhet och förmåga att undra bjöd in mig till ett yngre sinne igen - eller kanske bara ett mindre cyniskt. Den ofta tunga bördan av mänsklig erfarenhet gör att vi antingen kräver escapism eller längtar efter fortsatt realism, men vad Totoro gör som lyfter den över kanske någon annan animerad funktion som någonsin gjorts är att helt ignorera publikens önskningar och presentera en historia som istället låter dig komma till den lockar med sin frodiga visuella design, hoppande karaktärer och upptäckten av naturens dolda skatter vid sidan av dess ledningar. I stället för att tilltala barnet som vi en gång var - låter Totoro sig utnyttja en bredare känsla av äventyr och hopp som investeras i det djupare mysteriet på vår planet. Belöningen för en sådan tro är en skimrande diamant av Japanimation: Lysande, universellt rörande och absolut typiskt.

8. Andras ansikte (1966)

En skrämmande epokal diagnos av det moderna livet genom tyst tränade hårkors av mörk fantasi, Face of Another utforskar upplevelsen av en vansinnig man efter att hans mirakulösa nya ansikte börjar överväldiga hans gamla personlighet. Teshigaharas verk är alltid nyanserade för att visas på armlängden medan de tyst klövar under med sina skelettfingrar och hans mästerverk från 1966 kommer närmast att avslöja dess sanna natur: att föra regissörens olycksbaserade kompositioner och starka skräckbilder direkt in i metropolen och blicka ut i dess urbana avgrund med samma fristående vision som så levande väckte Travis Bickle till liv i taxichauffören ett decennium senare. Ett arbete för att konkurrera med Persona och förmörkelse Sekunder samma år för sin utmanande provokation av lust, personlighet och identitet - Andras ansikte är livsviktig biograf: En hög triumf av Teshigaharas metod och arbete så tätt lindat i sin egen oklanderliga idéer och atmosfär skulle det vara kriminellt att avslöja fler av dess hemligheter. Se efter själv…

7. Rashomon (1950)

En av mina personliga portar till världsbio, Akira Kurosawa Rashomon har blivit så integrerad i filmkulturen att den har initierats till språk för att beskriva den psykologiska effekt som karaktärerna har: Var och en av dem ger motstridiga vittnesmål om ett våldsamt våldtäkts- / mordfall. Kurosawas vitalitet visas på full skärm, banbrytande kameratekniker som att skjuta direkt mot solen och slöja den genom en röra av lövverk så att varje scen i skogen var lika abstrakt som dess motsvarighet i domstol. Den avväpnande enkelheten i Rashomons oemotståndlig plotkrok snider utrymme för kommentarer om mänsklig sanning, moral och en rikt filmupplevelse med Kurosawas berömda uppvisningar av rasande svärdsmanship. Det finns lite att lägga till i dialogen kring Rashomon annat än att den fortsätter att känna sig årtionden före sin tid. Man kan bara föreställa sig känslan av att se den här vägen 1950.

6. Harakiri (1962)

Harakiri är ungefär lika stark som filmer blir. Regissören Masakai Kobayashi öppnar med ungefär lika mycket som ett skott som man kan föreställa sig, och skapar ett fenomen som fortfarande är en av de mest berömda filmerna genom tiderna: Rankning bland de mest perfekt noterade filmerna på de allra flesta användarsajter trots vad jag hade först antog att avtagande överklagande. Det är en noggrant tålmodig, slarvigt inspirerad utforskning av den japanska hederskoden - ett fortfarande tappande sår i efterkrigstiden 1962 som Kobayashi närmar sig inte bara som en landsman utan också som en människa. Varje droppe blod spillde in Harakiri talar till konstnärens upprörande hat mot död och våld: Nästan som om det smärtar honom att sätta sådan brutalitet på skärmen. I dagens värld är en sådan starkt mänsklig riktning gudomlig att se på - och fungerar som en grundsten för filmens avslutning. Utan hängivenhet för alla inblandade, Harakiri skulle ha glömts bort som ett annat gimmicky drama, tätt utformad men annars ödmjuk. Harakiri sitter här uppe idag för att Masakai Kobayashi bryr sig mer än du kan föreställa dig och jag tror att det i sin egen skarpa, lyckliga elegans placerar det mitt i de största filmerna på 1960-talet.

5. Seven Samurai (1954)

Seven Samurai, den mest hyllade filmen som någonsin kommit ut ur Japan, brände ett outplånligt märke på mediet och har fortfarande rötter i dagens actionfilm. Kurosawas regndränkta multikameraklimax förmörkar inte den profetiska djupet av Rans slottbelägring men det fortsätter att informera hur vi skär samman action-sekvenser, även om samtida redaktörer kanske inte märker att det är inflytande. Långt över sin bestående kulturella makt ligger Seven Samurais övertygande karaktärisering: Att skapa en hel värld av rika figurer hjälpt enormt av Kurosawas noggranna metod förlängning till och med den minsta delen för att göra hans vision om Feodal Japan så engagerande som möjligt. Denna inneboende degel av mästerlig handling och lysande berättande resulterar i en banbrytande filmbit som påverkar, elektrifierar och slutligen lämnar oss med en så modig och kraftfull film som slutar som jag någonsin har sett. En förtjänad häftklammer på den internationella filmens pantheon.

4. Pale Flower (1964)

Om det inte bara var två ord spridda i en lista över de stora japanska filmerna, skulle inte namnet Masahiro Shinoda ha smugit sig inom tio meter från denna lista. Med tanke på hans bidrag till stor japansk film som är en gråtande skam - och att tro att ett sådant mästerverk nästan undkom genom forskning är att säga något om hur många filmer där ute som ber om att återupptäckas. Berömt vid släpp och tyst släppt av Criterion Collection, Blek blomma är en av de största brottfilmerna genom tiderna. Att helt enkelt titta på en spelare och hans nyfunna kärlek falla in i en förtvivlad drivande spiral av nedbrytning och missnöje - det är fortfarande en av de djärvaste mörka, visionära delarna av arbetet för att undkomma den japanska nyvågens läppar: En som är mördarspetsig från rama in till slut och det ger en lika transcendental filmisk effekt som något mindre extremt arbete av Ozu eller Kurosawa. Shinoda kommer aldrig att hållas uppe som en av de största, åtminstone av allmänheten - men jag hoppas åtminstone att människor drivs för att upptäcka hans film från denna degel av kriminell perfektion: Ett verk så rå och okedjad som de överstimulerade klumparna av överdriven motkultur och samtidigt så djupt känsliga och kontrollerade som alla filmer jag någonsin har sett. Dess noggranna, mirakulösa och medvetslös undersyn. Fixa det.

3. Kvinna i dynerna (1964)

Om Kiju Yoshida och hans Eros + massakern är förkämpe för högkvalitativ psykoseksualitet - då Hiroshi Teshigahara Kvinna i dynerna är mytiskt i jämförelse. Teshigaharas nästan skadliga metod är transponerad från den långvariga samarbetspartnern Kōbō Abes berömda källroman och är både sin mest ondskefulla och torterande medkännande här. Svaga ljus från den förtryckta mänskligheten lyser genom de skiftande sanden som omger våra två nödställda huvudpersoner - människor som tvingas till det allra främsta tillståndet för att vara för den förbittrade överlevnadens skull. Faktiskt i Kvinna i dynerna , motståndskraft är underkastelse. Ingenting är heligt. Inget var är säkert från de grymma ögonen hos de nästan omni-frånvarande byborna som fördömer våra hjältar till deras helvetes grop. Det är ett perfekt koncept, oklanderligt utfört filmatiskt av Hiroshi Teshigahara, såväl som att producera det jag skulle hävda är den legendariska kompositören Toru Takemitsus mest effektiva partitur. Rita tillsammans tre otroligt självsäkra artister i samma riktning som De Niro, Scorsese och Schrader i Taxichaufför - Kvinna i dynerna är dess egna, lika delar mänskliga och oundvikligen skrämmande odjur. Ett skrämmande, väsentligt konstverk.

2. Sen vår (1949)

Sen vår är en uppenbarelse av modern monotoni: En exorscism av demoner denna plats och tid kräver inte bara hålls låst och nyckel- men dold som om de inte existerar. Medan den värkande önskan att uttrycka dessa skräckar aldrig är helt avskakad kan vi upptäcka i hörnet av varje öga, mellan varje rads ord och ofta surrar tyst i mitten av varje rum. Och så för en värld så ytligt mättad av tandiga leenden och ömma melodier - Ozu's Sen vår också rymmer en atmosfär av fullständig förtvivlan: En rädsla för att vi inte kommer att accepteras - att varje uttryck kan leda till nederlag och så vi bäst kallar banan oåterkallelig istället för att ta en chans och stå mitt i spåren. Hans återkommande prövsten av sammanstötande generationer är kärnan i Sent på våren noggrant hanterat drama men jag tänker här, mer än något av hans andra verk (eller kanske någon film de omgivande decennierna producerade): Ozu lyckades hitta ett perfekt slut. Att nå en tydlig summering av dina teman och dina karaktärers känslor är ingen lätt prestation, ännu mer att hitta ett ögonblick som är så krossande som föddes här, och därmed föreslår jag alla i sväng med dramatisk skrivning, regi, produktion eller bara cinefila intressepinnar Sen vår högst upp på deras övervakningslista. Lita på mig: Det kommer att golva dig.

1. Hög och låg (1963)

High & Low är ett i sig omöjligt filmföretag. Det sträcker sig efter ett svårfångat element med en så konfliktfull kärna att det verkar inte finnas något att hitta. På ytan saknar den den nyanserade men ändå överväldigande kraften från Seven Samurai, liksom det långsamma brinnande helvetet som rasar i dödlig tystnad i slutet av sen vår. I själva verket blandar High & Low båda: trampar så försiktigt bland vardagliga människor av rädsla för att stöta på mer sjukdomar, fördärv och missbruk - till mer girighet och svartsjuka och nådelös amoralitet runt som oser oändligt bakom varje gathörn. Det är en film livrädd för vad den ser i det mänskliga tillståndet, något som Kurosawa så tydligt smärtar på skärmen - och det är hans fluktuerande ström av kreativ självförtryck som säkrar dess vördnadsvärda betydelse. High & Low har djärvheten att klara sig mot den fullkomliga hopplösa, banala grymheten som lurar i alla våra hjärtan - hur ful och överväldigande hela världen är i sin mättnad av själlös självbetjäning. För att äntligen vända om och känna igen det blir vi kanske bättre människor i processen. Kunna förstå att det är bra att vara rädd, så länge du accepterar närvaron av det oförklarliga. Det oåterbetalningsbara. I slutändan är den enda tröst du någonsin kan hitta förlåtelse. Om du ska gå ut ur ditt sätt att titta på någon film i den här listan: Gör den här.